A CHORUS OF TWISTED THREADS
*Foto in evidenza: Sarah Amos | Full Dress | 2022 | Collagraph, acrilico e filato, filo su feltro | 66 x 78 pollici
03/11/2023 – 04/22/2023
Patricia Sweeton Gallery
1700 So. Santa Fe Ave. Suite 351
Los Angeles, CA 90021
Sarah Amos
John Paul Morabito
Ramekon O’Arwisters
Michael Sylvan Robinson
Date della mostra: 11 marzo – 22 aprile 2023§
Ricevimento con gli artisti: Sabato 11 marzo, ore 15.30 – 19.00
Talk, ore 18.00: L’artista e curatore Andres Payan Estrada Aconduce una conversazione con gli artisti.
Andres Payan Estrada è nato a Ciudad Juárez, Chihuahua, Messico, e attualmente vive e lavora a Los Angeles. È un artista e curatore la cui pratica si concentra su questioni che ruotano intorno all’artigianato contemporaneo e alle pratiche materiali e oggettuali, con particolare attenzione alla ceramica e alla teoria queer. Attualmente è direttore dell’impegno pubblico presso Craft Contemporary, ha ricoperto il ruolo di docente d’arte in visita speciale presso il California Institute of the Arts ed è stato mentore per i programmi di Master of Arts in Critical Craft Studies e A-B Projects Ceramics Certificate del Warren Wilson College. Payan Estrada è anche co-curatore e co-fondatore della Biennale Nazionale dell’Argilla di Craft Contemporary, ha fondato e dirige la raccolta fondi e la vendita annuale CLAY LA e ha recentemente curato la mostra Total Collapse: Clay in the Contemporary Past per il Rubin Center for the Visual Arts dell’Università del Texas a El Paso (in viaggio verso l’Arizona State University Art Museum Ceramics Research Center), oltre ad aver fondato POTLUCK, una biennale di argilla e ceramica su larga scala che raccoglie fondi, aste e programmi pubblici gratuiti a beneficio di Craft Contemporary.
PATRICIA SWEETOW GALLERY è lieta di presentare A CHORUS OF TWISTED THREADS con gli artisti Sarah Amos, John Paul Morabito, Ramekon O’Arwisters e Michael Sylvan Robinson L’intenzione e il linguaggio del loro lavoro differiscono, ma tutti stanno definendo nuovi riferimenti con il medium tessile. I lavori di Morabito, Robinson e O’Arwisters raccontano drammi metaforici della vita gay, laica e devozionale, mentre Amos si dedica al collage su larga scala come base per complesse costruzioni in fibra.
PSG ha organizzato la prima mostra con l’artista Sarah Amos nel settembre 2020, che purtroppo è stata oscurata da COVID. Ora abbiamo il grande piacere di far debuttare i suoi “dipinti” in fibra a Los Angeles.
A prima vista è facile scambiare le opere 2D di Amos per dipinti, ma a un’analisi più attenta si dissolvono rapidamente in opere tessili profondamente strutturate e stratificate. Sfidando le classificazioni, le opere a tecnica mista su larga scala di Sarah Amos sono più della somma delle loro parti. Un complesso miscuglio di tintura, stampa, cucitura e stratificazione – impossibile per i meno esperti, ma nelle sue mani magistralmente combinato. L’artista esplora il regno ritenuto sacro per i pittori, componendo abilmente opere a tecnica mista che hanno trovato una prima ispirazione nelle stampe fantasma di Hokusai, nel teatro Kabuki, negli abiti rituali africani e negli oggetti sacri. La sua innovazione nella stampa ha permesso a Sarah di perseguire i media al di fuori dei vincoli di un approccio univoco.
Il lavoro di Amos può essere ad alta intensità di lavoro, ma non trasmette né fatica né consumo di tempo, bensì una gioia meditativa. In questo si percepisce il suo rifiuto dell’allineamento del mondo dell’arte con il capitalismo e il suo uso dell’outsourcing, dei mezzi di produzione ripetibili all’infinito e dello sfruttamento di altri per realizzare le proprie “idee”. Ancora una volta, vorrei sottolineare che ciò che trasporta il lavoro dell’artista a un altro livello è la sua chimerica ingegnosità con i materiali e i processi minuziosi. L’ordinarietà dei suoi punti diventa straordinaria nelle loro configurazioni.
John Yau, Poeta/Critico d’arte, Hyperallergic, novembre 201
Originaria dell’Australia, Sarah Amos vive e lavora sulla East Coast. Ha lasciato l’Australia per frequentare il Tamarind Institute in New Mexico, dove ha ottenuto la certificazione Tamarind Master Printer in litografia. Nel 1998 Sarah è diventata Master Printer per il Vermont Studio Center Press, posizione che ha ricoperto per 10 anni. Nel 2013 Amos ha ricevuto il Joan Mitchell Foundation Painters & Sculptors Grant ed è stata Artist-in-Residence presso il Joan Mitchell Center di New Orleans nell’autunno del 2022. Nel 2020 ha ricevuto la Adolph and Esther Gottlieb Foundation Individual Support Grant. Tra le mostre organizzate figurano la CUE Art Foundation, New York, nel 2019; l’Huntington Museum of Art, West Virginia; l’USC Fisher Museum of Art, University of Southern California e la Penn State University, Pennsylvania.
Il drag, in tutta la sua gloria roboante e scintillante, è una sensibilità guida che utilizzo come metodologia queer per ripercorrere (e annullare) in modo decadente la fede, la storia e l’eredità. Impiego interfacce digitali in concerto con un lavoro manuale improvvisato per mutare reliquie, immagini devozionali e materiale rituale in opulenti memoriali intrecciati che stravolgono il tempo. Liberato dalla tirannia del presente, il mio lavoro guarda verso un orizzonte futuro-passato dove si può esaltare la grazia queer.
John Paul Morabito
La galleria è lieta di presentare gli arazzi di perline di John Paul Morabito nella loro prima mostra con PSG. Gli arazzi erano uno degli strumenti di propaganda più efficaci della Chiesa e dello Stato primitivi e gli arazzi di Morabito utilizzano questa stessa metodologia. Riformulano abilmente la stigmatizzazione e l’ipocrisia della Chiesa cattolica nei confronti delle comunità e della cultura queer contorcendo i tropi della fede, lasciando in eredità l’assegnazione queer a ciò che è considerato sacro. Drappeggiati con colori saturi, con perline e oro, i loro arazzi sono un tributo alla vita e alla comunità queer.
La mostra presenta For Félix (lettera d’amore), un omaggio a Félix González-Torres, morto di AIDS negli anni Novanta. La serie di Morabito è un corollario alle squisite tende di perline omoerotiche di González-Torres, un potente velo metaforico tra sesso, vita e morte. Gli arazzi di perline di Morabito offrono uno splendido tributo a González-Torres, ma anche un pugno celebrativo alle generazioni Queer successive. Come quella di González-Torres, l’arte di Morabito è una protesta contro le politiche religiose e istituzionali che guidano l’ortodossia morale. I loro interventi sottili ma potenti in For Félix (lettera d’amore) reinterpretano la santità con una seducente protesta queer. L’intreccio dei lunghi fili è analogo a quello del rosario, solo che, invece della contrizione, l’atto di Morabito è erotico, e il loro arazzo è intriso di desiderio, intimità, esaltazione e ricordo.
Nel 2022 Morabito è stato nominato professore assistente e responsabile del settore tessile della Kent State University e ora risiede in Ohio. Dal 2013 al 2022 Morabito è stato professore assistente, Adj. of Fiber and Material Studies, School of the Art Institute of Chicago, Chicago, IL. È direttore generale dell’American Tapestry Alliance e presidente del Queer & Trans Caucus for Art. Morabito ha conseguito un BFA presso il Maryland Institute College of Art e un MFA presso la School of the Art Institute of Chicago. Parallelamente allo studio, John Paul Morabito porta avanti una ricerca guidata dalla pratica che posiziona la tessitura come piattaforma critica di produzione culturale. I loro scritti sono stati pubblicati su Art China, The Textile Reader 2 (China Academy of Art), The Journal of Textile Design Research and Practice, Textile: Cloth and Culture e la prossima Encyclopedia of World Textiles di Bloomsbury. Sono i curatori di Weaving Beyond the Binary, un numero speciale della rivista internazionale specializzata Textile: Cloth and Culture. Il loro lavoro è stato incluso in numerose mostre museali, tra cui quelle in programma all’Art in Embassies Program, Washington, DC, e al Southeastern Center for Contemporary Art (SECCA), Winston-Salem, NC, The Threads We Follow, a cura di Maya Brooks.
L’artista di San Francisco Ramekon O’Arwisters è alla sua terza mostra con PSG. La scultura astratta di O’Arwisters si tuffa nell’abisso e nella bellezza. Con grandi frammenti di ceramica taglienti annodati insieme con tessuti stracciati e fascette nere, le sculture si ergono come totem culturali, incarnando la couture delle drag, la cultura nera, il quilting afroamericano e la religione. Bitten, la sua nuova serie di sculture, prende le mosse da Flowered Thorns (Spine fiorite), 2020-21. Con Flowered Thorns, O’Arwisters esagera i frammenti di ceramica taglienti per allinearsi al riferimento biblico di Adamo ed Eva, simbolo del peccato originale derivato dal piacere sessuale. Bitten continua a combinare elementi morbidi e taglienti, mentre l’artista fa scorrere sulla scultura strumenti di punizione e di minaccia: fascette nere, corde e morsetti. O’Arwisters ricontestualizza il pericolo come un intreccio erotico di fantasia e gioco sessuale, ponendo la scultura su un nuovo piano metaforico.
Ramekon O’Arwisters è il beneficiario del premio della Fondazione McLaughlin per il Project Space dell’Headlands Center for the Arts per il 2021, del programma Artist-in-Residence e di una sovvenzione della Fondazione Pollock-Krasner per il 2020/21. Tra i precedenti programmi di residenza per artisti figurano il de Young Museum Artist in Residence, il Djerassi Resident Artists Program, il Recology San Francisco Artist in Residence Program e il Vermont Studio Center. Tra le sovvenzioni e i premi ottenuti figurano Artadia: The Fund for Art and Dialogue, NY; la San Francisco Foundation; il San Francisco Arts Commission Cultural Equity Initiatives Program; il Black Artists Fund, Sacramento; e la Eureka Fellowship assegnata dalla Fleishhacker Foundation di San Francisco. Tra le prossime mostre museali figurano il San Francisco Museum of Craft and Design, FIGHT AND FLIGHT: CRAFTING A BAY AREA LIFE; l’American Museum of Ceramic Art (AMOCA), Making in Between: Gender Identities in Clay (MIB:GIC); e San Jose Museum of Quilts & Textiles, Queer Threads. O’Arwisters è la fondatrice di Crochet Jam, un progetto artistico comunitario infuso nelle tradizioni dell’arte popolare che promuove una cultura creativa in rapporti di cooperazione.
Gli indumenti scultorei e l’arte da indossare dell’artista della East Coast Michael Sylvan Robinson sono creati come interventi di guarigione e attivismo in mezzo alle nostre sfide mutevoli. “Ogni indumento è costruito da un collage tessile stratificato con immagini queer e selvagge, ma anche ispirate agli ambienti urbani del mio paesaggio natale; frammenti di testo poetico incisi a mano e stampati sugli abiti nominano le intenzioni, offrono promemoria della fragilità del nostro mondo e provocano una chiamata alla guarigione, all’azione e al ricordo”.
L’opera in mostra, The Oracle, consiste in cinque teste vestite, abbellite e in costume, ispirate da una recente visita a Pompei e dalla ricerca dell’artista sulle civiltà del passato. L’artista considera il nuovo lavoro come un appello metaforico a sostenere l’impegno della comunità. “La mia fiber art contemporanea interseca moda e costume, street art e attivismo queer attraverso un uso innovativo del collage tessile e di tecniche basate sul testo”.
Michael Sylvan Robinson ha conseguito un master in arti interdisciplinari al Goddard College e una laurea al Bennington College. Il loro lavoro è stato esposto a livello nazionale e internazionale, con un abito 2021 commissionato per il Met Gala da Jordan Roth. Sylvan è stata intervistata sull’arte e l’attivismo della moda per il podcast Dressed: The History of Fashion (episodio 239: aprile 2022).
