Interview

ADELINE CONTRERAS

Adeline Contreras explores in her works a collective memory evoking its archaic, ancestral root. At the centre of her poetics is the primordial ‘shelter’, the search for a sheltered condition that has crossed man’s history since prehistoric times and that he shares with all animals. Cocoon, nest, den, home: Contreras’s sculptural forms refer to an evolution always in fieri, alluding to that uterine space of transition between life – transformation – death in material works that render the tangible, visible, real concreteness of this perpetual metamorphosis. Hybrid, polyform, different in size, shapes, materials, the ‘shelters’ imply the infinite possibilities of inhabiting this world in movement to find one’s place.

Adeline Contreras lives and works in France and regularly exhibits in museums, contemporary art centres and foundations, also internationally.

Copyright Adeline Contreras

Memory is one of the topics of your artistic research. But what does memory mean to you? And what kind of memory – personal, collective, archaic – inspires your works?

The theme of memory is constant in the choice of materials that I collect, that are brought to me in the workshop, that I retrieve from right to left. I like materials that already have a history, that are placed in a continuity and that give a new perspective. Memory is also the way in which each person remembers through their senses their own history intertwined with collective history. Our common archaic sense: the belly. The original habitat is reunited with me in the original envelope.

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How do you choose the materials you use for your works? What significance do the materials have in your artistic practice?

I prefer to collect, to discover, materials that have a history for me. I am lucky enough to find fabrics from attics, donations, cottons, linens, silks that have been used, patinated by time and the people who used them. It is important for me to place my pieces in another continuity. I collect plants along the paths, I prefer those that have been trampled by animals, by hikers. Rusty pieces of metal are collected in the fields, at the edge of the ocean, it is amazing the treasure that is found at the diversions of a path. In ceramics, the earth I use is the one I found the first time I put my hands in the earth, the sandstone of Saint-Amand, I like its colour, its texture. A ‘companion’, I know how it reacts.

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How important and in what way is experimentation with materials part of your artistic research?

When I mix materials in my work, I always experiment with them. This allows me to know before making a piece what material to choose, what texture, what shade according to what I want to tell.

In addition to materials, you use many textile techniques: when and why did you choose the textile medium as an expressive language?

First of all, I learnt to sew with my grandmother, who was a seamstress; I remember the moments I shared with her, I can still see her at her old sewing machine, the needle hanging from her lips. For me, fabric is a very interesting material, it takes shape once it is shaped. A thread is a thread to be unwound, a fabric a flat surface waiting to be wound.

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How are your works born? What are the sources of inspiration? How do they develop, step by step?

Natural habitats inspire me: nests, cocoons, my chrysalises, seeds, membranes, all the structures that accommodate evolving life.

I always work from sketches, fill notebooks and then choose the sketch that will become a sculpture. At that moment I already know the subjects and the techniques I will need to make it. Then comes the moment of the construction of each element, textile and ceramic: these two universes each have their own temporality and their own requirements to be moulded. This can take months.

When all the elements are ready, I move on to the assembly phase, all the elements are held by the thread, they form a body together. I am always faithful to my original sketch.

If the sculpture does not fit, I do it again. Taking the time to observe, to look, to make each material fit in with the others and find its place is very important to me.

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Three-dimensional and modular, some of your works/installations need to find a way to dialogue  with the space. How does the space – the studio where you work, the environment where you live and last but not least the exhibition space where the works are located – influence your work and the artworks themselves?

Sculpture is above all a proposal for the setting of matter in space. It has an important connection with the physical of the beholder, it is the main design condition of a sculpture. What impact it will have on the physical level.  My sculptures are made to inhabit a place, to commune with a space, a staging when it is an installation. These considerations are indisputable for me.

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A cycle of your works is made up of artist books. Can you tell me how the the form and shape of the book inspired you and what is the poetics of these works?

The book is a daily companion for me, I read a lot, especially poetry, it feeds my daily life. The sculpture-book came naturally, I wanted to tell stories precisely with the delicacy of the medium. Stories that speak of silence, that ask us to draw on our feelings, our memories to tell us something.

The books are often designed at the same time as a sculpture. I always have several pieces in the workshop. In some of my books I integrate texts.

I also collaborate with poets, I illustrate their texts, thus renewing my first loves: painting and engraving.

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How has your art evolved over time and how is it still evolving?

I started with painting and engraving, then the textile took its place at the same time as my ceramic training. I traded the brushes for the needles! And naturally the ceramic took its place too. I realize that I’m making bigger and bigger sculptures, research on volume, the sensitive is endless, it’s exciting!

What does being an artist mean to you? And what is the meaning of art in contemporary society in your opinion?

To be an artist is a commitment, a choice of life, a look at the world. To show the sensitive, the delicate of what surrounds us.

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What is your most recent project? And which one in the near future?

I recently exhibited at the Centre d’art contemporain in Limoges, France. At the moment, I give myself some time to select projects for exhibitions that are proposed to me, to be realised in the workshop. I have publication projects with two poets, they are in gestation, very interesting projects. Events are very important to me, an exhibition, an art project, they are constructive.

Interviste

ADELINE CONTRERAS

Adeline Contreras esplora nelle sue opere una memoria collettiva di cui evoca la radice arcaica, ancestrale. Al centro della sua poetica vi è il ‘rifugio’ primordiale, la ricerca di una condizione protetta che attraversa le epoche dell’uomo fin dalla preistoria e che quest’ultimo condivide con gli tutti animali. Bozzolo, nido, tana, casa: le forme scultoree di Contreras rimandano ad una evoluzione sempre in fieri, alludono a quello spazio uterino di transizione tra vita – trasformazione – morte in opere materiche che restituiscono la concretezza tangibile, visibile, vera di questa perpetua metamorfosi. Ibridi, poliformi, diversi per dimensioni, forme, materiali, i ‘rifugi’ sottintendono le infinite possibilità di abitare questo mondo in movimento per trovare il proprio posto.

Adeline Contreras vive e lavora in Francia ed espone regolarmente in musei, centri d’arte contemporanea, fondazioni anche in ambito internazionale.

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La memoria è uno dei temi che affronti nella tua ricerca artistica. Ma cosa significa memoria per te? E quale memoria – personale, collettiva, arcaica – nutre il tuo lavoro?

Il tema della memoria è costante nella scelta dei materiali che raccolgo, che mi vengono portati in laboratorio, che recupero da destra a sinistra. Mi piacciono i materiali che hanno già una storia, che si collocano in una continuità e che restituiscono una nuova prospettiva. La memoria è anche il modo in cui ogni persona ricorda attraverso i suoi sensi la propria storia intrecciata con la Storia collettiva. Il nostro senso arcaico comune a tutti: la pancia. L’habitat originario si riunisce con me nell’involucro originale.

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Come scegli i materiali che utilizzi per le tue opere? Che significato ha il materiale nell’ambito della tua pratica artistica?

Preferisco raccogliere, scovare, materiali che hanno una storia per me. Sono abbastanza fortunata da trovare tessuti provenienti da soffitte, donazioni, cotoni, lini, sete che sono stati usati, patinati dal tempo e dalle persone che li hanno usati. È importante per me inserire i miei pezzi in un’altra continuità. Raccolgo le piante lungo i sentieri, preferisco quelle che sono state calpestate dagli animali, dagli escursionisti. I pezzi di metallo arrugginiti sono raccolti nei campi, ai bordi dell’oceano, è incredibile il tesoro che si trova alla deviazione di un sentiero. Nella ceramica, la terra che uso è quella che ho trovato la prima volta che ho messo le mani nella terra, l’arenaria di Saint-Amand, mi piace il suo colore, la sua consistenza. Una “compagna”, conosco come reagisce.

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Quanto e in che modo la sperimentazione dei materiali è parte della tua ricerca artistica?

Quando mescolo i materiali nel mio lavoro, li sperimento sempre. Questo mi permette di sapere prima di realizzare un pezzo che materia scegliere, quale texture, quale tonalità in base a ciò che voglio raccontare.

Oltre ai materiali, utilizzi molte tecniche dell’ambito tessile: quando e perché ti sei orientata verso il medium tessile come linguaggio espressivo?

Innanzitutto, ho imparato a cucire con mia nonna, che era una sarta; ricordo i momenti condivisi con lei, la vedo ancora alla sua vecchia macchina da cucire, con l’ago che le pende dalle labbra. Per me il tessuto è un materiale molto interessante, prende corpo una volta modellato. Un filo è un filo da srotolare, un tessuto una superficie piatta che aspetta di essere avvolta.

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Come nascono le tue opere? Quali sono le fonti di ispirazione? Come procedi nella realizzazione?

Gli habitat naturali mi ispirano: i nidi, i bozzoli, le mie crisalidi, i semi, le membrane, tutte le strutture che accolgono la vita in evoluzione.

Lavoro sempre a partire da schizzi, riempio i quaderni e poi scelgo il bozzetto che diventerà una scultura. In quel momento sono già a conoscenza dei soggetti e delle tecniche che mi serviranno per realizzarlo. Quindi arriva il momento della costruzione di ogni elemento, tessile e ceramico: questi due universi hanno ciascuno la propria temporalità e i propri requisiti per essere plasmati. Tutto ciò può durare mesi.

Quando tutti gli elementi sono pronti, passo alla fase di assemblaggio, tutti gli elementi si tengono per il tramite del filo, fanno corpo insieme. Sono sempre fedele al mio schizzo originale.

Se la scultura non corrisponde, la rifaccio. Prendermi il tempo per osservare, guardare, fare in modo che ogni materiale si integri con gli altri e trovi il suo posto è molto importante per me.

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Tridimensionali e modulari, alcune tue opere/installazioni dialogano in maniera importante con lo spazio. Come influisce lo spazio – lo studio in cui lavori, l’ambiente in cui vivi e non ultimo lo spazio espositivo in cui si collocano le opere – sul tuo lavoro e sulle opere stesse?

La scultura è soprattutto una proposta di ambientazione della materia nello spazio. Ha un legame importante con il fisico di chi la guarda, è la principale condizione di progettazione di una scultura. Che impatto avrà a livello fisico.  Le mie sculture sono fatte per abitare un luogo, per entrare in comunione con uno spazio, una messa in scena quando si tratta di un’installazione. Queste considerazioni sono per me indiscutibili.

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Un ciclo di tuoi lavori è costituito da libri d’artista. Mi racconti come la dimensione del libro ti ha ispirata e qual è la poetica di queste opere?

Il libro è per me un compagno quotidiano, leggo molto, soprattutto poesia, alimenta la mia vita quotidiana. Il libro-scultura è venuto naturale, volevo raccontare storie proprio con la delicatezza del medium. Storie che parlano di silenzio, che ci chiedono di attingere ai nostri sentimenti, ai nostri ricordi per raccontarci qualcosa.

I libri sono spesso progettati contemporaneamente a una scultura. Ho sempre diversi pezzi in lavorazione nel laboratorio. In alcuni dei miei libri integro dei testi.

Collaboro anche con poeti, illustro i loro testi, rinnovando così i miei primi amori: la pittura e l’incisione.

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Come si è evoluta e come sta evolvendo la tua arte?

Ho iniziato con la pittura e l’incisione, poi il tessuto ha preso il suo posto contemporaneamente alla mia formazione in ceramica. Ho scambiato i pennelli con gli aghi! E naturalmente anche la ceramica ha preso il suo posto. Mi rendo conto che sto realizzando sculture sempre più grandi, ricerche sul volume, la sensazione è eccitante!

Cosa significa essere un’artista per te? E qual è secondo te il senso dell’arte nella società contemporanea?

Essere un artista è un impegno, una scelta di vita, uno sguardo sul mondo. Mostrare il “sensibile”, il “delicato” di ciò che ci circonda.

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Qual è il tuo progetto più recente? E quale nel prossimo futuro?

Recentemente ho esposto al Centre d’art contemporain di Limoges, in Francia. Al momento, mi concedo un po’ di tempo per selezionare i progetti di mostre che mi vengono proposti, da realizzare in laboratorio. Ho progetti di pubblicazioni con due poeti, sono in gestazione, progetti molto interessanti. Gli eventi sono molto importanti per me, una mostra, un progetto artistico, sono costruttivi.

Barbara Pavan

English version Sono nata a Monza nel 1969 ma cresciuta in provincia di Biella, terra di filati e tessuti. Mi sono occupata lungamente di arte contemporanea, dopo aver trasformato una passione in una professione. Ho curato mostre, progetti espositivi, manifestazioni culturali, cataloghi e blog tematici, collaborando con associazioni, gallerie, istituzioni pubbliche e private. Da qualche anno la mia attenzione è rivolta prevalentemente verso l’arte tessile e la fiber art, linguaggi contemporanei che assecondano un antico e mai sopito interesse per i tappeti ed i tessuti antichi. Su ARTEMORBIDA voglio raccontare la fiber art italiana, con interviste alle artiste ed agli artisti e recensioni degli eventi e delle mostre legate all’arte tessile sul territorio nazionale.