In view of the upcoming exhibitions and prestigious projects planned, including the Avianto exhibition that will be touring the United States between 2023 and 2025 and the exhibition at MAD in New York scheduled to start in May 2024, we propose an interesting interview with Deborah Kruger, to provide an overview of the career of this award-winning artist and an in-depth look at the salient aspects of her practice.

We therefore give the floor to one of the most active figures on the global textile art scene, who is present in our magazine’s selection of international artists with a dedicated showcase and a selection of works that can be viewed in the online Gallery dedicated to art collecting.

A selection of her works can be viewed and purchased on the AM on-line Gallery

BREASTPLATE, photo by Carlos Díaz Corona, 2022, 25 x 40 x 2”, screen-printing on recycled plastic bags, sewing, wrapping, waxed linen thread, copyright Deborah Kruger

Deborah, let’s get right to the heart of your work. Can you tell us about the works that will be in your new traveling solo exhibition?

My solo show, Avianto, will be traveling throughout the US in 2023 – 2025 and includes work from 2018 to 2023. My production studio is on Lake Chapala, Mexico, where I have a team-based practice and this traveling show will mark the first time in many years that I have had a

body of my new environmental artwork in the US.  The show will include Red Wing, one of my mural-scale pieces, seven mid-size pieces and some of my new framed small works. I am excited about bringing my work back to the US, where I had a home in Amherst, Massachusetts until I moved to Mexico in 2010.

On the advice of my art coach, Houston-based curator Peter Gynd, I developed a body of smaller scale work that is more affordable for new art collectors. All of these pieces relate to the larger work and are built with my signature tail feathers.

An exhibition of my smaller work will debut at the Tennessee Tech University Art Gallery in summer 2023 and travel to the Shelley Heffler Gallery in Palm Desert, California in December and January.  Avianto will open at the Gately Gallery of Marion Francis University in Florence, South Carolina and run from March 26 – May 14, 2024.

REDWING, photo by Carlos Díaz Corona, 2023, 60 X 110 X 2", screen-printing on recycled plastic bags, sewing, wrapping, waxed linen thread, copyright Deborah Kruger

Go to the AM on-line Gallery: REDWING

You are a finalist for the Arte Laguna Prize 2023. Your work was exhibited at the historic  Arsenale Nord in Venice. Can you tell us the story of this work and the theme it explores?

With the encouragement from my colleague Doug Winter, I applied for the Arte Laguna Prize because their mission is promoting art with a sustainable theme. I will never forget the morning that I woke up and saw my name listed as a finalist in sculpture and installation!

I traveled to Venice to attend the closing of the exhibition in April, 2023. This was my first trip to Italy and it was thrilling to see my artwork in this important cultural center and also see classical and contemporary Italian art

Now that the show is closed, my work is on display at the Stile Design Center in Brescia.

CORONA DE PLUMAS, photo by Carlos Díaz Corona, 2022, 53 x 37 x 2”, screen-printing on recycled plastic bags, sewing, wrapping, waxed linen thread, copyright Deborah Kruger

Go to the AM on-line Gallery: CORONA DE PLUMAS

Habitat fragmentation, bird migration, the extinction of species and the loss of indigenous languages. These are the central themes around which your practice revolves. Where does your interest in these topics come from?

Reading Rachel Carson’s ‘Silent Spring’ when I was a young woman made a deep impact on me about how poisons, especially DDT, were affecting the songbird populations in the US. This book sparked the international environmental movement and pushed me onto the path of becoming an environmental artist.

Researching and drawing endangered birds has become the backbone of my art practice. I use the drawings to create the designs that are hand silk-screened onto recycled plastic bags. My signature tail feathers used for building all of my artwork: wall-hung pieces, sculptures, and installations. Choosing to use recycled materials is also an important aspect of my work because it brings attention to the waste and consumption that contribute to pollution and habitat fragmentation. These factors, along with climate change, are all responsible for the alarming drop in worldwide bird populations.

DRAWINGS (COMPOSITE), photo by Deborah Kruger, 2022, copyright Deborah Kruger

In the course of doing research about endangered birds, I also learned that the issues affecting bird populations were also impacting indigenous cultures around the world.  There are currently 7,000 languages spoken around the world. However, only 3,000 will remain by 2100. I feel very sad when I think about this dramatic loss of indigenous history, culture, knowledge and art. My hope is that my artwork spurs more conversation about the ways that each of us can shrink our footprint and take steps to preserve our precious planet. To see my bird drawings: :

DEBORAH SURROUNDED BY DRAWINGS, photo by Deborah Kruger, 2021, image taken in studio, copyright Deborah Kruger

Which cultures and traditions influence your work? Which artistic currents are sources of inspiration for you and how is this reflected in your work?

I grew up in New York City and loved looking at West African masks at the Metropolitan Museum of Art. When I started incorporating feathers into my artwork, I also researched feathered ritual objects from indigenous Amazonian tribes. I think you can see the influence of both of these cultures for whom beautiful, locally sourced ritual objects were central to their art and spiritual practice.

I was trained in textile design at the Fashion Institute of Technology in New York and my interest in women’s clothing, especially traditional clothing, has persisted throughout my life. I have an ongoing series inspired by traditional women’s garments such as Kimono from Japan and Korea, and the Huipil, still worn in Chiapas, Mexico and Guatemala.

Let me say that I believe that artwork is a product of our early experiences as well as the art that we were exposed to early in life. I don’t think we can escape who we essentially are. In my case, the content and form of my work is clearly impacted by these exposures, specifically textiles, patterning, ecology and women’s garments.

I am inspired by artists who push the boundaries of their materials, especially in fiber, and go on to create new forms. Some of my favorite artists are Olga de Amaral from Colombia, Magdalena Abakanowicz from Poland, Nick Cave from the US and El Anatsui from Ghana.

STUDIO SHOT, photo by Carlos Díaz Corona, 2022, copyright Deborah Kruger

Can you tell us about the process of research and experimentation on techniques and materials that is an important aspect of your practice? How do the characteristics and identity of the materials you use influence the final work? Is the material only a medium or does it somehow become an integral part of the narrative?

I am always looking for ways that materials can also speak to my themes. By using recycled plastic bags, I am conveying information about the relentless consumption that is at the root of the environmental crises we are facing. Giving the material a chance to speak allows for a more nuanced end product. My work has morphed from literal textiles to art that falls within the scope of textility and abstraction. Sometimes viewers think that my tail feathers are fiber or paper and are surprised to encounter plastic. That the feathers still read as textiles is very satisfying to me.

When I transitioned from fiber to recycled materials, I did so with the intention of finding a visual solution that was more integrated with my content. I experimented with digital printing on alternative surfaces. Although I liked the quality of the images, I realized that the crankiness of the digital printers would not be a good solution for my need to produce thousands of feathers.

RED VESSEL, photo by Carlos Díaz Corona, 2022, 83 x 23 x 23"”, screen-printing on recycled plastic bags, sewing, fabric, wrapping, constructed with building foam and papier-mâché, copyright Deborah Kruger

Go to the AM on-line Gallery: RED VESSEL

In the end, going back to a hand process like silk-screen printing felt right and also like a homecoming. When I was a young textile designer, we did all our samples via silk screening. Choosing this method checked off a lot of boxes. Hand screen-printing was part of my early design background. It is a skill that I can share with my Mexican team so that they have a bigger employment toolbox. Preserving culture is central to my overall themes. Bringing screen-printing back into my studio practice is a way to preserve these skills that are waning due to the advent of large-scale digital printing factories.

In a sense, all of my work is about extinction. Not just birds and languages, but also clothing forms and technical processes.

As you will read in another part of this interview, working in different media and materials is both challenging and energizing. In addition to textiles and recycled materials, I have also worked with ceramics and plan to explore 3-D printing, neon and extruded metals. Each media allows me to express my themes in an exciting and new way.

RED FEATHER BASKET 2, photo by Carlos Díaz Corona, 2022, 10 x 10 x 10”, screen-printing on recycled plastic bags, sewing, wrapped cord, waxed linen thread, copyright Deborah Kruger
BROKEN ROUND SCULPTURE, photo by Carlos Díaz Corona, 2022, 26 x 26 x 26”, broken ceramic plates hand-painted with drawings of endangered birds grouted around round ceramic form, copyright Deborah Kruger
BROKEN, photo by Miguel Mata, 2018, 80 diameter X 11”, broken ceramic plates hand-painted with drawings of endangered birds and building rubble, copyright Deborah Kruger

Is there a project, a work that is in your thoughts that you have not yet had a chance to realise?

I have two projects that have been rumbling around for a few years. One of them is a neon wall installation that addresses bird extinction. The other is a public art sculpture shaped like a birdcage. Instead of bars, the cage would be made from simplified drawings of endangered birds fabricated from aluminum, steel or 3-D printing. I am excited about using other media to express my environmental concerns. Both of these will require funding and I am applying for grants. I welcome additional support through my Patron page: just press the Support button the bottom of my landing page. I would be most grateful for donations of any amount!

SCREEN PRINT SAMPLE WALL, photo by Deborah Kruger, 2022, copyright Deborah Kruger

Looking back into the past, how do you feel your work has changed from the beginning until today? Do you feel that there are significant stylistic or conceptual differences between your early work and your more recent work?

In some ways, I think that there is a consistent arc to my artwork. Viewers can see how my experience in wallpaper design flowed into my artwork as well as a preference for working in fiber and textiles dating back to the 1980s. By the late 1990s, feathers starting appearing and marked the beginning of my environmental work.

When I was younger, my work was more narrative and figurative. Issues that were hot in my youth like feminism and spirituality were apparent. I think that my mature work includes those elements but in a more abstract and subtle way. My art practice has also matured and working with a team of Mexican women is evidence of my ongoing commitment to helping women.

I am a deeply spiritual person. Instead of making art about spirituality, I now make art in an intentional and spiritual way. I consider my studio a sacred space and feel deeply grateful to have the time, space, finances and help I need to make museum-scale work.

Viewers can see portfolios of my early work on my website:

DEBORAH WORKING ON, photo by Christian Robertson, 2022, copyright Deborah Kruger

In 2012 you founded 360 Xochi Quetzal, an artist residency program based in Chapala, Mexico. Can you tell us about this project of which you are the director, how it came about and why, what results it is achieving and how you hope it will grow?

When I was a young artist and a young mother, I had the opportunity to attend the Millay Colony in Austerlitz, NY as their first fiber artist. For the first time in my life, I had the chance to focus on my artwork for an entire month. It changed everything! When I moved to Mexico, I realized that Lake Chapala would make an ideal place for a residency because of the perfect year-round weather and beautiful scenery.

ROPA MEXICANA, photo by Carlos Díaz Corona, 2022, 55 X 45”, screen-printing on recycled plastic bags, sewing, wrapping, waxed linen thread, copyright Deborah Kruger

Go to the AM on-line Gallery: DEBORAH KRUGER

Over the last eleven years, over 300 artists and writers have attended the residency. Most stay for a month, some longer. What I never anticipated was that some of the artists fell in love with Chapala and have moved here. We are now seeing a year-round artist community grow and flourish. The local artists enrich the experience of the resident artists and vice versa.

This year, I have begun a collaboration with textile and performance artist Sunya Folayam. Sunya came for a two-month residency and decided to make Chapala her home. We offered our first BIPOC residency in Spring 2023 (for Black, Indigenous, People of Color) in order to extend the residency to creatives for whom this opportunity hasn’t been possible.

I am happy to report that I have just sold the residency to a friend and colleague, Bethany Anne Putnam. She is already an administrative powerhouse and is the outgoing president of the Art Association of Lake Chapala where she has implemented a wide range of art-related programming which will enrich the residency program. 360 Xochi Quetzal is in excellent hands and I have more time to devote to my growing international art practice.

ROPA BLANCA, photo by Carlos Díaz Corona, 2021, 48 x 57 x 5”, screen-printing on recycled plastic bags, sewing, wrapping, waxed linen thread, copyright Deborah Kruger

Future projects?

The Museum of Art and Design (MAD) in New York City has just acquired two of my large environmental pieces, Accidentals and Ropa Pintada. This is a dream come true and is sure to open more doors for my artwork. These pieces will be on display at MAD beginning in May 2024 as part of their upcoming exhibition featuring new acquisitions.

After a long hiatus due to Covid, the World of Threads exhibition, which is the largest fiber exhibit in North America re-opens in Oakville, a suburb of Toronto, Canada in October 2023. Devotional, my largest mural and part of my White Series, will be on display.

KIMONO 2, photo by Carlos Díaz Corona, 2023, 59 X 39 X 2", screen-printing on recycled plastic bags, sewing, wrapping, waxed linen thread, copyright Deborah Kruger

Go to the AM on-line Gallery: KIMONO 2



In occasione delle prossime mostre e dei prestigiosi progetti in programmazione, tra cui la mostra Avianto che sarà itinerante negli Stati Uniti tra il 2023 e il 2025 e la mostra al MAD di New York prevista a partire da maggio 2024, vi proponiamo un’interessante intervista a Deborah Kruger, per tracciare una panoramica sulla carriera di questa pluripremiata artista e un approfondimento degli aspetti salienti della sua pratica.

Lasciamo quindi la parola ad una delle figure più attive nel panorama dell’arte tessile mondiale, presente nella selezione di artisti internazionali del nostro magazine con una vetrina dedicata e una selezione di opere visionabile nella Gallery online riservata al collezionismo d’arte.

Una selezione delle sue opere sono visionabili ed acquistabili nella Galleria on-line di AM

BREASTPLATE, foto di Carlos Díaz Corona, 2022, 25 x 40 x 2", serigrafia su sacchetti di plastica riciclati, cucito, confezione, filo di lino cerato, copyright Deborah Kruger

Deborah, andiamo subito al cuore del tuo lavoro. Puoi parlarci delle opere che saranno presenti nella tua nuova mostra personale itinerante?

La mia mostra personale, Avianto, sarà itinerante negli Stati Uniti tra il 2023 e il 2025 e comprende lavori dal 2018 al 2023. Il mio studio di produzione si trova sul lago Chapala, in Messico, dove svolgo una pratica di gruppo e questa mostra itinerante è la prima volta, dopo molti anni, che ho una serie di opere ambientali negli Stati Uniti.

La mostra includerà Red Wing, uno dei miei lavori su scala murale, sette opere di media grandezza e alcuni dei miei nuovi lavori incorniciati di piccole dimensioni. Sono entusiasta di riportare il mio lavoro negli Stati Uniti, dove ho vissuto ad Amherst, nel Massachusetts, fino al mio trasferimento in Messico nel 2010.

Su consiglio del mio coach d’arte, il curatore Peter Gynd di Houston, ho sviluppato un corpo di opere in scala ridotta, più accessibili ai nuovi collezionisti d’arte. Tutti questi pezzi sono in relazione con le opere più grandi e sono realizzati con le mie caratteristiche piume di coda.

Una mostra dei miei lavori più piccoli debutterà alla Tennessee Tech University Art Gallery nell’estate del 2023 e si sposterà alla Shelley Heffler Gallery di Palm Desert, California, nei mesi di dicembre e gennaio.  Avianto sarà inaugurata alla Gately Gallery della Marion Francis University di Florence, nella Carolina del Sud, dal 26 marzo al 14 maggio 2024.

REDWING, foto di Carlos Díaz Corona, 2023, 60 X 110 X 2", serigrafia su sacchetti di plastica riciclati, cucito, confezione, filo di lino cerato, copyright Deborah Kruger

Vai alla Galleria on-line di AM: REDWING

Sei finalista del Premio Arte Laguna 2023. Il tuo lavoro è stato esposto allo storico Arsenale Nord di Venezia. Può raccontarci la storia di quest’opera e il tema che esplora?

Con l’incoraggiamento del mio collega Doug Winter, mi sono candidata al Premio Arte Laguna perché la loro mission è promuovere l’arte con un tema sostenibile. Non dimenticherò mai la mattina in cui mi sono svegliata e ho visto il mio nome tra i finalisti per la scultura e l’installazione!

Mi sono recata a Venezia per assistere alla chiusura della mostra nell’aprile 2023. È stato il mio primo viaggio in Italia ed è stato emozionante vedere le mie opere in questo importante centro culturale e vedere anche l’arte italiana classica e contemporanea.
Ora che la mostra è chiusa, le mie opere sono esposte presso lo Stile Design Center di Brescia.

CORONA DE PLUMAS, foto di Carlos Díaz Corona, 2022, 53 x 37 x 2", serigrafia su sacchetti di plastica riciclati, cucito, confezione, filo di lino cerato, copyright Deborah Kruger

Vai alla Galleria on-line di AM: CORONA DE PLUMAS

La frammentazione degli habitat, la migrazione degli uccelli, l’estinzione delle specie e la perdita delle lingue indigene. lingue indigene. Questi sono I temi di fondo attorno ai quali ruota la tua pratica artistica. Da dove nasce il tuo interesse per questi temi?

La lettura di “Primavera silenziosa” di Rachel Carson, quando ero giovane, mi ha colpito profondamente per il modo in cui i pesticidi, in particolare il DDT, stavano influenzando le popolazioni di uccelli canori negli Stati Uniti. Questo libro ha dato il via al movimento ambientalista internazionale e mi ha spinto a diventare un’artista ambientale.

La ricerca e il disegno degli uccelli in pericolo sono diventati la componente principale della mia pratica artistica. Uso i disegni per creare i progetti che vengono serigrafati a mano su sacchetti di plastica riciclata. Le piume sono utilizzate per la costruzione di tutte le mie opere d’arte: pezzi appesi a muro, sculture e installazioni. La scelta di utilizzare materiali riciclati è un altro aspetto importante del mio lavoro, perché porta l’attenzione sui rifiuti e sul consumo che contribuiscono all’inquinamento e alla frammentazione dell’habitat. Questi fattori, insieme al cambiamento climatico, sono tutti responsabili dell’allarmante diminuzione delle popolazioni di uccelli nel mondo.

DRAWINGS (COMPOSITE), foto di Deborah Kruger, 2022, copyright Deborah Kruger

Nel corso della ricerca sugli uccelli in via di estinzione, ho anche appreso che i problemi che interessano le popolazioni di uccelli hanno anche un impatto sulle culture indigene di tutto il mondo.  Attualmente nel mondo si parlano 7.000 lingue. Tuttavia, entro il 2100 ne rimarranno solo 3.000.

Mi rattrista molto pensare a questa drammatica perdita di storia, cultura, conoscenza e arte indigena.

La mia speranza è che le mie opere d’arte stimolino una maggiore riflessione sui modi in cui ciascuno di noi può ridurre la portata della propria presenza e adottare misure per preservare il nostro prezioso pianeta. Per vedere i miei disegni di uccelli:

DEBORAH SURROUNDED BY DRAWINGS, foto di Deborah Kruger, 2021, immagine scattata in studio, copyright Deborah Kruger

Quali culture e tradizioni influenzano il tuo lavoro? Quali correnti artistiche sono per te fonte di ispirazione e come si riflettono questi aspetti nei tuoi lavori?

Sono cresciuta a New York e adoravo guardare le maschere dell’Africa occidentale al Metropolitan Museum of Art. Quando ho iniziato a incorporare le piume nelle mie opere d’arte, ho fatto ricerche anche sugli oggetti rituali piumati delle tribù indigene dell’Amazzonia. Credo che si possa notare l’influenza di entrambe queste culture, per le quali gli oggetti rituali più belli e di provenienza locale erano fondamentali per la loro arte e la loro pratica spirituale.

Ho seguito una formazione in design tessile presso il Fashion Institute of Technology di New York e il mio interesse per l’abbigliamento femminile, in particolare per quello tradizionale, è proseguito per tutta la vita. Ho una serie in corso ispirata a capi tradizionali femminili come il Kimono del Giappone e della Corea e l’Huipil, ancora indossato in Chiapas, Messico e Guatemala.

Vorrei dire che credo che l’opera d’arte sia un prodotto delle nostre prime esperienze e dell’arte a cui siamo stati abituati fin dall’inizio della nostra vita. Non credo che si possa sfuggire a ciò che siamo essenzialmente. Nel mio caso, il contenuto e la forma del mio lavoro sono chiaramente influenzati da queste influenze, in particolare per quanto riguarda i tessuti, i modelli, l’ecologia e gli abiti femminili.

Mi ispirano gli artisti che si spingono oltre i confini dei loro materiali, soprattutto in fibra, e creano nuove forme. Alcuni dei miei artisti preferiti sono Olga de Amaral dalla Colombia, Magdalena Abakanowicz dalla Polonia, Nick Cave dagli Stati Uniti e El Anatsui dal Ghana.

STUDIO SHOT, foto di Carlos Díaz Corona, 2022, copyright Deborah Kruger

Può parlarci del processo di ricerca e di sperimentazione su tecniche e materiali che è un aspetto importante della tua pratica? In che modo le caratteristiche e l’identità dei materiali che utilizzi influenzano il risultato finale? Il materiale è solo un mezzo o diventa in qualche modo parte integrante della narrazione?

Sono sempre alla ricerca di soluzioni che permettano ai materiali di parlare dei miei temi. Utilizzando sacchetti di plastica riciclati, trasmetto informazioni sul consumo incessante che è alla base delle crisi ambientali che stiamo affrontando. Dare al materiale la possibilità di parlare permette di ottenere un prodotto finale più ricco di sfumature. Il mio lavoro si è trasformato da tessile tradizionale ad arte che rientra nell’ambito della testualità e dell’astrazione. A volte gli spettatori pensano che le piume siano fibre o carta e sono sorpresi di trovare la plastica. Il fatto che le piume siano comunque tessili è per me motivo di grande soddisfazione.

Quando sono passata dalla fibra ai materiali riciclati, l’ho fatto con l’intenzione di trovare una soluzione visiva più adeguata ai miei contenuti. Ho sperimentato la stampa digitale su superfici alternative. Sebbene mi piacesse la qualità delle immagini, mi sono resa conto che la lentezza delle stampanti digitali non sarebbe stata la soluzione ideale per la mia esigenza di produrre migliaia di piume.

RED VESSEL, foto di Carlos Díaz Corona, 2022, 83 x 23 x 23"", serigrafia su sacchetti di plastica riciclati, cucito, tessuto, involucro, costruito con schiuma da costruzione e cartapesta, copyright Deborah Kruger

Vai alla Galleria on-line di AM: RED VESSEL

Alla fine, tornare a un processo manuale come la serigrafia mi è sembrato più giusto e anche un modo per tornare a casa. Quando ero una giovane designer tessile, realizzavamo tutti i nostri campioni con la serigrafia. La scelta di questo metodo ha dato una risposta a molte domande. La serigrafia a mano faceva parte della mia formazione iniziale di designer. È un’abilità che posso condividere con il mio team messicano, in modo che abbiano un bagaglio di strumenti di lavoro più ampio. La conservazione della cultura è al centro dei miei temi principali. Riportare la serigrafia nel mio studio è un modo per preservare queste abilità che stanno scomparendo a causa dell’avvento delle fabbriche di stampa digitale su larga scala.

In un certo senso, tutto il mio lavoro riguarda l’estinzione. Non solo uccelli e lingue, ma anche forme di abbigliamento e processi tecnici.

Come leggerete in un’altra parte di questa intervista, lavorare con mezzi e materiali diversi è stimolante ed energizzante. Oltre ai tessuti e ai materiali riciclati, ho lavorato anche con la ceramica e ho intenzione di esplorare la stampa 3D, il neon e i metalli estrusi. Ogni mezzo mi permette di esprimere i miei temi in modo nuovo e stimolante.

RED FEATHER BASKET 2, foto di Carlos Díaz Corona, 2022, 10 x 10 x 10", serigrafia su sacchetti di plastica riciclati, cucito, corda avvolta, filo di lino cerato, copyright Deborah Kruger
BROKEN ROUND SCULPTURE, foto di Carlos Díaz Corona, 2022, 26 x 26 x 26", piatti di ceramica rotti dipinti a mano con disegni di uccelli in via di estinzione stuccati intorno a forme rotonde di ceramica, copyright Deborah Kruger
BROKEN, foto di Miguel Mata, 2018, 80 diametro X 11", piatti di ceramica rotti dipinti a mano con disegni di uccelli in via di estinzione e macerie di edifici, copyright Deborah Kruger

C’è un progetto, un’opera che è nei suoi pensieri e che non hai ancora avuto modo di realizzare?

Ho due progetti che mi frullano in testa da qualche anno. Uno è un’installazione murale al neon che affronta il tema dell’estinzione degli uccelli. L’altro è una scultura d’arte pubblica a forma di gabbia per uccelli. Al posto delle sbarre, la gabbia sarebbe realizzata con disegni semplificati di uccelli in via di estinzione fabbricati in alluminio, acciaio o con la stampa 3D. Sono entusiasta di utilizzare altri mezzi di comunicazione per esprimere le mie preoccupazioni ambientali. Entrambi questi progetti richiedono finanziamenti e sto facendo domanda per ottenere delle sovvenzioni. Sono lieta di ricevere ulteriore sostegno attraverso la mia pagina Patron: basta premere il pulsante Support in fondo alla mia pagina. Sarei molto grata di ricevere donazioni di qualsiasi importo!

BROKEN, foto di Miguel Mata, 2018, 80 diametro X 11", piatti di ceramica rotti dipinti a mano con disegni di uccelli in via di estinzione e macerie di edifici, copyright Deborah Kruger

Guardando a ritroso nel passato, come senti che è cambiato il tuo lavoro dagli inizi ad oggi? Ritieni che ci siano significative differenze stilistiche o concettuali tra i primi lavori e quelli più recenti?

In un certo senso, penso che ci sia un percorso coerente nelle mie opere d’arte. Gli spettatori possono vedere come la mia esperienza nella progettazione di carte da parati sia confluita nelle mie opere d’arte, così come la mia preferenza per il lavoro in fibra e nei tessuti, che risale agli anni Ottanta. Alla fine degli anni Novanta sono comparse le piume, che hanno segnato l’inizio del mio lavoro ambientale.

Quando ero più giovane, il mio lavoro era più narrativo e figurativo. Erano evidenti i temi caldi della mia giovinezza, come il femminismo e la spiritualità. Credo che il mio lavoro maturo includa questi elementi, ma in modo più astratto e sottile. Anche la mia pratica artistica è maturata e la collaborazione con un gruppo di donne messicane è la prova del mio impegno costante nell’aiutare le donne.

Sono una persona profondamente spirituale. Invece di fare arte sulla spiritualità, ora faccio arte in modo intenzionale e spirituale. Considero il mio studio uno spazio sacro e sono profondamente grata di avere il tempo, lo spazio, le finanze e l’aiuto di cui ho bisogno per realizzare opere di dimensioni museali.

I lettori possono vedere i portfolio dei miei primi lavori sul mio sito web:

DEBORAH WORKING ON, foto di Christian Robertson, 2022, copyright Deborah Kruger

Nel 2012 hai fondato 360 Xochi Quetzal, un programma gratuito di residenza d’artista con sede a Chapala, Messico. Puoi parlarci di questo progetto di cui sei la direttrice, come è nato e perché, quali risultati sta raggiungendo, come auspichi che possa crescere?

Quando ero una giovane artista e una giovane madre, ho avuto l’opportunità di frequentare la Millay Colony di Austerlitz, NY, come prima fiber artist. Per la prima volta nella mia vita, ho avuto la possibilità di concentrarmi sul mio lavoro artistico per un mese intero. È cambiato tutto! Quando mi sono trasferita in Messico, mi sono resa conto che il lago Chapala sarebbe stato il luogo ideale per una residenza, grazie al clima perfetto tutto l’anno e alla bellezza del paesaggio.

ROPA MEXICANA, foto di Carlos Díaz Corona, 2022, 55 X 45", serigrafia su sacchetti di plastica riciclati, cucito, confezione, filo di lino cerato, copyright Deborah Kruger

Vai alla Galleria on-line di AM: DEBORAH KRUGER

Negli ultimi undici anni, oltre 300 artisti e scrittori hanno partecipato alla residenza. La maggior parte si ferma per un mese, alcuni per più tempo. Quello che non avevo previsto è che alcuni artisti si sono innamorati del Chapala e si sono trasferiti qui. Ora stiamo assistendo alla crescita e alla fioritura di una comunità di artisti che vive tutto l’anno. Gli artisti locali arricchiscono l’esperienza degli artisti residenti e viceversa.

Quest’anno ho iniziato una collaborazione con l’artista tessile e performativa Sunya Folayam. Sunya è venuta per una residenza di due mesi e ha deciso di fare della Chapala la sua casa. Nella primavera del 2023 abbiamo offerto la nostra prima residenza BIPOC (per neri, indigeni, persone di colore) per estendere la residenza a creativi per i quali questa opportunità non è stata possibile.

Sono felice di annunciare che ho appena venduto la residenza a un’amica e collega, Bethany Anne Putnam. È una persona molto efficiente dal punto di vista amministrativo ed è la presidente uscente dell’Associazione d’Arte del Lago Chapala, dove ha implementato una vasta gamma di programmi legati all’arte che arricchiranno il programma di residenza. 360 Xochi Quetzal è in ottime mani e io ho più tempo da dedicare alla mia crescente pratica artistica internazionale.

ROPA BLANCA, foto di Carlos Díaz Corona, 2021, 48 x 57 x 5", serigrafia su sacchetti di plastica riciclati, cucito, confezione, filo di lino cerato, copyright Deborah Kruger

Progetti futuri?

Il Museum of Art and Design (MAD) di New York ha appena acquistato due delle mie grandi opere ambientali, Accidentals e Ropa Pintada. È un sogno che si avvera e che sicuramente aprirà altre porte al mio lavoro artistico. Queste opere saranno esposte al MAD a partire dal maggio 2024, nell’ambito della prossima mostra dedicata alle nuove acquisizioni.

Dopo una lunga pausa dovuta a Covid, la mostra World of Threads, la più grande esposizione di fiberart in Nord America, riaprirà a Oakville, un sobborgo di Toronto, in Canada, nell’ottobre 2023.  Sarà esposto Devotional, il mio murale più grande e parte della mia White Series.

KIMONO 2, foto di Carlos Díaz Corona, 2023, 59 X 39 X 2", serigrafia su sacchetti di plastica riciclati, cucito, confezione, filo di lino cerato, copyright Deborah Kruger

Vai alla Galleria on-line di AM: KIMONO 2

Maria Rosaria Roseo

English version Dopo una laurea in giurisprudenza e un’esperienza come coautrice di testi giuridici, ho scelto di dedicarmi all’attività di famiglia, che mi ha permesso di conciliare gli impegni lavorativi con quelli familiari di mamma. Nel 2013, per caso, ho conosciuto il quilting frequentando un corso. La passione per l’arte, soprattutto l’arte contemporanea, mi ha avvicinato sempre di più al settore dell’arte tessile che negli anni è diventata una vera e propria passione. Oggi dedico con entusiasmo parte del mio tempo al progetto di Emanuela D’Amico: ArteMorbida, grazie al quale, posso unire il piacere della scrittura al desiderio di contribuire, insieme a preziose collaborazioni, alla diffusione della conoscenza delle arti tessili e di raccontarne passato e presente attraverso gli occhi di alcuni dei più noti artisti tessili del panorama italiano e internazionale.