Interview

ELIN IGLAND

  • *Feautered photo: From the exhibithion «Weights and Free Flocs of Birds» at Soft Gallery in 2017. Photo Credit: Øystein Thorvaldsen

    Elin Igland, 1982, is a Norwegian textile artist, living in Landvik, Grimstad.

Igland holds a bachelor’s degree in textile art from the Bergen School of Art and Design (2006-2009) and a master’s degree from the Oslo School of Art (2010-2013).

Her practice reworks the textile tradition; the classical structures of warp and weft are, for Igland, a constant subject of inquiry and a basis on which to experiment with materials, techniques and concepts. As a result, her work reflects a broad awareness of this expressive medium.

Her historical and technical knowledge, based upon years of academic study and apprenticeship in Como, Italy, in 2009, where she worked as a textile designer and intern, and in Tilburg, the Netherlands, is complemented by the experimental knowledge of modern Norwegian textile art.

For the last 10 years, Igland has participated in several major exhibitions, including Southern Norway Art Museum in Kristiansand, Gallery 3,14 in Bergen, Trafo Art Gallery in Asker. Her first solo show was hosted by Kampen Visningsrom in January 2014. In October of the same year, Igland opened a large solo exhibition in Reimangården with the support of the Grimstad Art Association. Her latest solo exhibition took place at Soft Galleri in Oslo (2017) and Buen Gallery in Mandal (2022).

The artist’s practice has been supported by major awards: regional and state grants such as Statens kunstnerstipend and support from Bildende Kunstneres Hjelpefond (BKH).

In this interview, the Norwegian artist explains the process and thinking behind her works and how her interesting visual language has developed.

Woven installation «spring freely» at Reimangården in Grimstad, woven by hand on a digital TC1-loom. Credit: Elin Igland

Your practice involves a material-based approach that experiments with and reinterprets traditional weaving techniques. Can you explain your relationship with tradition and the liberating aspect of this creative action?

In set traditions, there are often several roles and expectations to relate to – I would rather be without these frameworks, and construct my own expressions based on my own thoughts, values, materials, and techniques. Many traditions benefit from being discussed and broken.

I draw a lot of inspiration from the moments in textile art, and especially history, where traditions were challenged and broken, which have opened other possibilities for interpretation and expression in textiles. In the Norwegian textile art community, we have a unique history and long experience of experimenting with textile expressions in visual art, with a liberation from the traditional. This has roots back to i.a. The artist action in 1974 and the formation of the association Norwegian Textile Artists. My colleagues and I have many before us we can thank for this freedom. The freedom I can work with as an artist it is not obvious and must be safeguarded constantly.

In my practice, I alternate between working freely and using the technical system in the loom, such as Patterns, the grid and combinations of warp and weft. The properties of the material are important. I experiment and investigate to what extent I can be independent of the loom as a machine, and ask questions like when is this no longer weave? What defines a tapestry? And what defines the flat, two-dimensional vs. the sculptural, spatial, and three-dimensional?

«Colour options no 1-28» at Buen Gallery, Mandal in 2022. Ph. Credit Elin Igland

In 2009, you lived in Italy, working as a trainee textile designer. Can you tell us about the formative experiences that contributed to the development of your practice?

This was a very exciting experience and has given me a lot of inspiration! I got to experience the textile industry from a different point of view than what I know. It gave me a lot of knowledge and an insight into the Italian textile industry and its culture, which was fantastic. It was instructive to experience how textiles for the European fashion houses were worked out and produced. There is an enormous amount of knowledge and creativity that was fantastic to learn from. The industry is sometimes both close and far away from how I work in my practice, but I still see parallels with the experimental, how the material has its function and how you can work technically in the loom to be able to bring out the visual expressions you want.

I work very materially, and in process and constantly get new ideas by working with technique and material, and in that way materialize an object, a sculpture, or an installation. By working with material and being hands-on, the conceptual and the thoughts behind the work I do also come. In Como and the textile industry, one is hands-on in a different way; you look at patterns, samples, qualities, colours, combinations and work towards a visual expression. Como was a wonderful place. I am incredibly impressed with their knowledge and dedication to the textiles and the industry.

Detail of the woven installation «spring freely», woven by hand on a digital TC1-loom. Ph. Credit Elin Igland

Most of your sculptures are abstract – with very organic surfaces mixed and juxtaposed with others regulated by the geometric intersection of warp and weft. How and why did you choose to alternate these aspects?

I alternate between weaving on industrial jacquard machines, hand-weaving and weaving freely in the room by hanging up the warp on hooks in the ceiling and walking around with wefts, where I almost act as a giant shuttle. This ranges from very intricate industrial machines that require precision, to being able to work as big and rough as possible by deciding everything even, in what I call free loom. This is a need and a contrast I alternate between working in. The contrast I an inspiration to me, and what occurs when the material is allowed to behave without having to conform to the looms system and grid. This is the excitement I often work in; what occurs when the looms principles, as the grid and technology, that provides the system and the ability to hold thousands of threads in place, disappear? The nature of the material is to curl itself. What happens without mechanical and human influence and control, and the tight grid? When is it no longer a tapestry? What defines a tapestry?

«Grid Extensions – purple bodies» From the solo exhibithion Grid Extensions at Buen Gallery in Mandal, 2022.

Norwegian wool, synthetic yarns and wood; how do you choose the materials for your works?

Material contrasts are important to me, and the concept around materials; what do they mean? What qualities do they have? Where are they from? On what intention are they made? The wool I use comes from a fantastic spinning mill named Norsk Kunstvevgarn, which stays nearby my hometown in Norway. Norsk Kunstvevgarn and the Hoelfeldt-Lund family spins yarn from Norwegian Spæl-sheep, specialising in tapestry. They have produced yarn for decades, with extraordinary quality and hand-picked fibres with qualities such as gloss and strength, so that the yarn will provide quality, especially for tapestries. H. Lund has also made a special warp in wool from Spæl-sheep – a quality with lots of strength and stiffness where the warp-thread have fibres that protrude and act as hooks against the light nylon quality.

From the Southern Norway Art Museum collection. Ph. Credit K.O. Mortensen

The nylon is a quality used in the knitwear industry and has an effect where it expands when it comes from its cones. This is a property I have used in weaving to get volume between layers and as a volumizing effect in the weaving surface when I use industrial looms. Eventually, I started experimenting with this nylon quality in my free-loom experiments and bundled the thread into thicker bundles that I could use as a weft when I weave freely in the room.

The combination of this rigid wool fibre and the fine nylon quality makes the yarns stick together and interact with each other. It provides an opportunity to work with the sculptural form and the visual expression I want.

"Tigerhomage» 2021. From the solo exhibition Grid extensions vol 2 at Buen Gallery, Mandal. This piece is a homage to the former artists, a group of strong women, who founded The Norwegian Association of Textile Artists. They fought for their freedom to work as artists, to use textile as a medium in art, and they called themselves tigers. Ph. Credit Elin Igland

The thread seems to play an essential role, becoming a protagonist on a formal level and suggesting hidden meanings (as in work Lodd og Frie Fugleflokker); what significance does it take in your practice?

The thread and the material play a very important role. With an abstract expression, it is the materials, shape and colors that stand in the front line and meet the viewer. These hidden meanings are present in different degrees, some distinct others completely abstract. The titles I use play an important role as part of sending viewers into a meaning. At the same time, I want to have as open an interpretation space as possible for the viewer; I want them to be responsible for the experience of the works themselves; either as colour and materials together with the architecture and space, nothing more. Or as more symbolic interpretations they find in the experience of an abstract work of art.

From the solo exhibition «Grid Extensions vol 2 » at Agder Art Gallery in Kristiansand, 2021. Photo credit: Christina Leithe Hansen

In addition to a visual force of their own, your works dialogue with each other and space. Can you expand on this relationship?

In my process, I always work with the room where my next exhibition is set, in mind. The combination of the different objects is essential, and I want them to work together in the gallery space and give the audience a holistic and spatial experience. How the different objects are mounted, how many objects are in the room, what height they hang on the wall, how the sculptural objects hang in the room in relation to the objects mounted on the wall is very important to me when I mount an exhibition and affects the experience of all objects together in the room, and the experience of each single object.

From the exhibithion «Weights and Free Flocs of Birds» at Soft Gallery in 2017. Photo: Øystein Thorvaldsen

In Ny Horisont, created for the Nye Flekkerøy Kirke altar, a typical Scandinavian sky of light and clouds stands out against the wall’s concrete background. The thread is present, but the textile technique used here seems different from your other works; how did you create this work and what inspired you

This altar installation is manufactured at Textile-Lab in Tilburg, the Netherlands. An amazing place I stayed as a trainee before I went to Como. In this lab, you have the opportunity as an artist to produce works on industrial weaving machines. A completely unique place, where you can use the machine in a different way than otherwise. You can experiment and push the machines largely to produce the expression you want, regardless of having to stick to what else you must do when working on the same machine in the purpose of weaving meters of textiles; pace of weaving, stable materials for the loom to work without complications, the pattern must be balanced so that the warp works for many meters, etc. The desire for this work was to be able to use the high-quality materials that H.Lund produces for tapestries, in industrial machines, because they have a completely unique quality that such a church project deserves.

From the solo exhibithion Grid Extensions at Buen Gallery in Mandal, 2022. Ph. Credit Elin Igland

As far as I know, this has not been used like this in any other projects, because the thread is so stiff, and way too thick for that purpose. But luckily, we made it possible at the Lab, with lots of testing and finding solutions for it to work with the looms. I also wanted to use these materials form H.Lund, which have a long tradition to be used in church textiles. The church previously had an altar tapestry woven by the Norwegian weaver Else Marie Jackobsen, which is a great inspiration. The inspiration for this work was also an anchorage for the religion and the people who use the church. Flekkerøy is a beautiful place with a long tradition associated with nature, sea, and fishing. The visual starting point is from a tiny stone that lay on the old church steps. It was magnified in a microscope, and the most amazing colours emerged; the same colours that are central to the Christian faith; the liturgical colours green, red, purple, and white. The architecture was also a basic aspect in the proses with this project.

From Flekkerøya Church, 2020. Photo credit: Christina Leithe Hansen

2022 seems to be an eventful year for you; what are your plans?

My plans for 2022 and further is to develop new sculptures and installations, both for group-exhibitions and solo. And some works towards public commissions.

In recent years, I have also worked with politics and organization in Norwegian Textile Artists – who run Gallery Soft in Oslo, a gallery based on textile art. This organisation and the women who started it back in the 70-ties are a huge inspiration to me. The freedom they fought for is not obvious, and has made a big impact on the possibilities myself and other textile artist work today – such freely and experimental. I am also attending the Textile Art Triennale – Textile Art of Today which is ongoing in eastern Europe throughout 2022.

Interviste

ELIN IGLAND

*Foto in evidenza: Immagini dalla mostra «Weights and Free Flocs of Birds» alla Soft Gallery, 2017. Crediti fotografici: Øystein Thorvaldsen

Elin Igland, 1982, è un artista tessile norvegese, che vive a Landvik nel comune di Grimstad.

Igland ha conseguito una laurea in arte tessile presso la Bergen School of Art and Design (2006-2009) e un master presso la Oslo School of Art (2010-2013).

La sua pratica rivisita la tradizione tessile; le strutture classiche dell’intreccio di trama e ordito sono un motivo di studio costante e una base sulla quale sperimentare a livello materico, tecnico e concettuale. Il suo lavoro dimostra una vasta consapevolezza di questo mezzo espressivo.

Alle conoscenze storiche e tecniche, basate sugli anni di studio accademico e di apprendistato a Como, nel 2009, dove ha lavorato come designer tessile e stagista, e a Tilburg, nei Paesi Bassi, si affiancano quelle sperimentali tipiche dell’arte tessile moderna di stampo norvegese.

Negli ultimi 10 anni, Igland ha partecipato a diverse mostre in importanti location tra cui il Southern Norway Art Museum di Kristiansand, Gallery 3,14 di Bergen, Trafo Art Gallery di Asker. La sua prima mostra personale è stata ospitata da Kampen Visningsrom nel gennaio 2014. Nell’ottobre dello stesso anno, Igland ha aperto una grande mostra personale a Reimangården con il sostegno della Grimstad Art Association. Le sue ultime mostre personali hanno avuto luogo alla Soft Galleri di Oslo (2017) e alla Buen Gallery di Mandal (2022).

La pratica dell’artista è stata sostenuta da importanti premi e sovvenzioni sia regionali che statali come lo Statens kunstnerstipend e il Bildende Kunstneres Hjelpefond (BKH).

In questa intervista, l’artista norvegese spiega come si è sviluppato il suo interessante linguaggio visivo e le tecniche che lo sostengono.

Installazione tessuta «spring freely» at Reimangården in Grimstad, Tessuta a mano su un telaio digitale TC1-loom. Credit: Elin Igland

La tua pratica artistica si basa su un approccio materico che attua una sperimentazione sulle tecniche tradizionali di tessitura e le reinterpreta. Parlaci del tuo rapporto con la tradizione e dell’aspetto liberatorio di questa azione stilistica.

Nella tradizione, ci sono spesso molte regole e aspettative con le quali ci si deve confrontare. Preferirei non avere queste limitazioni e formare la mia modalità espressiva basandomi su valori materici e tecniche proprie. Molte tradizioni hanno beneficiato dall’essere messe in discussione e anche distrutte. Sono ispirata dai momenti storici legati allo sviluppo dell’arte tessile, nel corso della quale le tradizioni sono sempre state messe in discussione e scardinate aprendo le porte a molte possibilità interpretative e espressive.

La comunità norvegese che si è riunita attorno all’arte tessile ha una storia unica e una lunga esperienza di sperimentazione con questo mezzo nell’arte visiva, ed è marcata da una liberazione rispetto ai metodi tradizionali. Questo atteggiamento trova le sue radici nella mobilitazione degli artisti del 1974 che ha portato alla formazione dell’associazione Norwegian Textile Artists. Io e i miei colleghi contemporanei possiamo ringraziare i molti venuti prima di noi per questa libertà. La libertà in cui mi trovo a lavorare come artista non è scontata e deve essere salvaguardata costantemente.

Nella mia pratica, alterno lavorazioni libere ad altre che realizzo utilizzando la tecnologia propria del lavoro a telaio come l’uso dei pattern e degli schemi del disegno che definiscono le combinazioni di trama e ordito. Le proprietà dei materiali sono importanti. Sperimento e indago fino a che punto posso essere indipendente dal telaio come macchina, e mi pongo domande quali: quando non si tratta più di tessitura? Cosa definisce un arazzo? Cosa definisce una superficie piana e bidimensionale in opposizione allo scultoreo, spaziale e tridimensionale?

«Colour options no 1-28» alla Buen Gallery, Mandal, 2022. Crediti fotografici: Elin Igland

Nel 2009 hai vissuto in Italia, lavorando come designer tessile durante un periodo di apprendistato. Puoi parlarci delle esperienze formative che hanno contribuito allo sviluppo della tua pratica?

È stata un’esperienza molto emozionante e mi ha dato molta ispirazione! Ho potuto sperimentare con mano l’industria tessile da un punto di vista diverso da quello che conoscevo. Mi ha permesso di acquisire molte conoscenze e di farmi un’idea dell’industria tessile italiana e della sua cultura, il che è stato fantastico.

È stato istruttivo sperimentare come venivano elaborati e prodotti i tessuti per le case di moda europee. C’è un’enorme quantità di conoscenza e creatività da cui è stato bellissimo imparare. La mentalità dell’industria è vicina ma anche distante da come approccio la produzione nella mia pratica; vi riconosco un parallelo nell’aspetto sperimentale, il modo in cui il materiale assume una funzione specifica e come si può lavorare tecnicamente usando il telaio per ottenere le espressioni visive che si desiderano.

Lavoro in modo molto materico, nel processo creativo le idee nascono dal confronto con la tecnica e il materiale. In questo modo concretizzo un oggetto, una scultura o un’installazione. Approcciandomi con il materiale mediante dei processi pratici, arrivano anche le idee, i concetti e i pensieri sottesi al lavoro stesso. A Como e nell’industria tessile, si è pratici in un modo diverso; si guardano modelli, campioni, qualità, colori, combinazioni e si lavora verso un’espressione visiva. Como è stato un posto meraviglioso. Sono incredibilmente impressionata dalla quantità di conoscenza e dalla dedizione al tessile e all’industria.

Dettagli dell’installazione tessuta «spring freely», tessuta a mano su un telaio digitale TC1-loom. Crediti fotografici: Elin Igland

La maggior parte delle tue sculture assumono forme astratte dove superfici molto organiche si mischiano e confrontano con altre regolate invece dall’incrocio geometrico di trama e ordito. Come e perché hai scelto di alternare questi aspetti?

Alterno la tessitura su macchine industriali jacquard, la tessitura a mano e la tessitura libera dove appendo l’ordito al soffitto con dei ganci e mi muovo attorno ad esso con le trame, agendo come una gigantesca navetta. La mia pratica spazia dal lavoro su macchine industriali molto complesse, che richiedono precisione, all’utilizzo di quello che io chiamo “telaio libero” dove posso creare in grandi dimensioni e in maniera grezza, decidendo tutto sul momento. Questa è sia una necessità che un contrasto nel mio lavoro. Quest’opposizione mi è d’ispirazione, e ciò che accade quando si permette al materiale di agire senza doversi conformare al sistema o alla cornice dei telai. Questa è l’emozione in cui spesso lavoro; cosa succede quando i principi del telaio, come la struttura e la tecnologia, che forniscono il sistema e hanno la capacità di tenere migliaia di fili al loro posto, scompaiono? La natura del materiale è quella di arricciarsi da solo. Cosa succede senza l’influenza e il controllo meccanico e umano, e senza una struttura rigida? Quando l’opera non è più un arazzo? Cosa definisce un arazzo?

«Grid Extensions – purple bodies» dalla mostra personale Grid Extensions alla Buen Gallery in Mandal, 2022. Crediti fotografici: Elin Igland

Lana Norvegese, filati sintetici e legno; come scegli i materiali da usare nelle tue opere?

I contrasti materici sono importanti per me, e il concetto dei materiali: cosa significano? Che qualità hanno? Da dove vengono? Con quale intenzione sono stati prodotti? La lana che uso proviene da una magnifica filatura chiamata Norsk Kunstvevgarn, che si trova vicino alla mia città natale in Norvegia.

Norsk Kunstvevgarn e la famiglia Hoelfeldt-Lund producono filati, specialmente per arazzeria, da pecore norvegesi Spæl. La loro produzione dura da decenni con una qualità straordinaria e fibre selezionate a mano che hanno caratteristiche quali lucentezza e resistenza, in modo che il filato fornisca speciali effetti di superficie nella tessitura dell’arazzo. H. Lund produce anche un ordito particolare in lana di Spæl-sheep, una qualità con molta forza e rigidità dove il filo ha delle fibre che sporgono agendo, nel mio caso, come ganci per contenere la leggerezza del nylon.

Quest’opera è parte della collezione del Southern Norway Art Museum. Crediti fotografici: K.O. Mortensen

Il nylon è una tipologia di filato usata nell’industria della maglieria e possiede una proprietà che, quando viene estratto dai suoi coni, lo fa espandere. Questa è una caratteristica che ho usato nella tessitura, per ottenere volume tra gli strati e come effetto di volume nella superficie quando uso telai industriali. Alla fine, ho iniziato a testare questa proprietà del nylon nei miei esperimenti a telaio libero; ho avvolto il filo in matasse più spesse da usare come trama quando tessevo liberamente nella stanza.

La combinazione della fibra di lana rigida e della finezza del nylon fa sì che i filati si attacchino tra loro e interagiscano l’uno con l’altro. Questo aspetto mi dà l’opportunità di lavorare con la forma scultorea e l’espressione visiva che voglio.

“Tigerhomage» 2021. Immagine tratta dalla mostra personale “Grid extensions vol. 2” alla Buen Gallery, Mandal. Crediti fotografici: Elin Igland

Il filo sembra avere un ruolo essenziale diventando protagonista a livello formale e indicando significati nascosti (come nell’opera Lodd og Frie Fugleflokker); che significato assume nella tua pratica?

Il filo e il materiale giocano un ruolo molto importante. In un’opera astratta sono i materiali, la forma e i colori che si pongono in prima linea e incontrano lo spettatore. I significati nascosti sono presenti a diversi livelli, alcuni leggibili e altri completamente astratti. I titoli che uso giocano un ruolo importante nel trasmettere un significato allo spettatore. Allo stesso tempo, desidero che lo spettatore abbia uno spazio di interpretazione il più aperto possibile; voglio che sia responsabile in prima persona dell’esperienza delle opere stesse, anche solo come percezione fisica di colori e materiali in relazione all’architettura e allo spazio, niente di più. O magari attraverso interpretazioni più simboliche, che essi ritrovano nell’esperienza di un’opera d’arte astratta.

Dalla mostra personale «Grid Extensions vol 2» alla Agder Art Gallery in Kristiansand, 2021. Crediti fotografici: Christina Leithe Hansen

Oltre ad avere una forza visiva propria, le tue opere dialogano fra di loro e con lo spazio. Ci puoi parlare di questa relazione?

Nel mio processo di creazione di un’opera lavoro sempre con in mente la stanza dove si terrà la mia prossima mostra. La combinazione dei diversi oggetti è essenziale, voglio che essi funzionino nello spazio della galleria per dare al pubblico un’esperienza olistica e spaziale. Come sono montati i diversi oggetti? Quante opere ci sono nella stanza, a che altezza sono appese al muro? Come gli oggetti scultorei sospesi si relazionano a quelli appesi al muro? Queste considerazioni sono molto importanti per me quando allestisco una mostra, influenzano la percezione di ogni singolo oggetto e del loro insieme.

Dalla mostra «Weights and Free Flocs of Birds» alla Soft Gallery in 2017. Crediti fotografici: Øystein Thorvaldsen

Nell’opera Ny Horisont realizzata per l’altare di Nye Flekkerøy Kirke un tipico cielo scandinavo di luce e nuvole si staglia sullo sfondo di cemento della parete. Il filo è presente ma la tecnica di lavorazione del tessuto sembra essere differente rispetto ad altre tue opere, come hai realizzato questo lavoro e da cosa è stato ispirato?

Questa installazione per altare è prodotta al Textile-Lab di Tilburg, in Olanda. Un posto incredibile dove ho soggiornato come tirocinante prima di recarmi a Como. In questo laboratorio si ha la possibilità, come artista, di produrre opere su macchine tessili industriali. Un posto unico, dove si possono usare le macchine in un modo diverso dal solito. Si può sperimentare stimolando ampiamente i telai per produrre l’espressione visiva desiderata. Non ci si deve attenere a ciò che sarebbe consono fare se si dovessero tessere metri di tessuto: ritmo di tessitura, materiali stabili perché il telaio lavori senza complicazioni, il disegno che deve essere bilanciato in modo che l’ordito continui per molti metri, ecc. Lo scopo di questo lavoro è stato quello di utilizzare i materiali di alta qualità per arazzeria prodotti da H.Lund in macchine industriali, perché possiedono una qualità del tutto unica che un tale progetto ecclesiastico merita.

Dalla mostra personale “Grid Extensions” alla Buen Gallery in Mandal, 2022. Crediti fotografici: Elin Igland

Per quanto ne so, questo filato, essendo molto rigido e spesso, non è mai stato usato in questo modo prima. Ma fortunatamente nel laboratorio l’abbiamo reso possibile, effettuando molti test e trovando soluzioni per farlo funzionare. Mi interessava usare i materiali di H.Lund perché hanno una lunga tradizione nel campo dei tessuti per la chiesa. La chiesa aveva precedentemente un arazzo d’altare tessuto dalla tessitrice norvegese Else Marie Jackobsen, che è una mia grande ispirazione. L’idea dietro quest’opera è stata anche quella di creare un punto di riferimento per la religione e per le persone che usano la chiesa.  Flekkerøy è un posto bellissimo con una lunga tradizione associata alla natura, al mare e alla pesca. Il punto di partenza visivo è una piccola pietra che giaceva sui gradini della vecchia chiesa. È stata ingrandita con un microscopio, e sono emersi i colori più sorprendenti; gli stessi colori che sono centrali nella fede cristiana: i colori liturgici verde, rosso, viola e bianco. Anche l’architettura ha avuto un ruolo fondamentale in questo progetto

Immagine della chiesa di Flekkerøya, 2020. Crediti fotografici: Christina Leithe Hansen

Il 2022 sembra già essere un anno ricco di eventi per te, cosa hai in programma?

stata coinvolta in politica e nell’organizzazione Norwegian Textile Artists – che gestiscono la Galleria Soft a Oslo, una galleria che pone l’arte tessile al centro della propria programmazione. Questa organizzazione e le donne che l’hanno fondata negli anni 70 sono una grande ispirazione per me. La libertà per cui hanno lottato non è ovvia, e ha avuto un grande impatto sulle possibilità mie e di altri artisti tessili di lavorare liberamente e a livello sperimentale. Attualmente sto anche partecipando alla Textile Art Triennale – Textile Art of Today che sarà in corso, per tutto il 2022, nell’Est Europa.

Elena Redaelli

English version Dal 2010 mi occupo di arte contemporanea realizzando progetti fra scultura tessile, arte ambientale e social practices. Negli ultimi anni il mio lavoro mi ha portato a vivere viaggiando con progetti e residenze artistiche nel mondo. Esploro processi di generazione e trasformazione della materia, applicando diversi livelli di controllo e indagando i limiti tra autorialità e partecipazione.Talvolta il materiale prende il sopravvento, altre volte sono i partecipanti di un progetto o l’ambiente stesso a farlo, risultando in un dinamico e continuo scambio. Il fare manuale è per me un processo d’interrogazione dell’ambiente e uno strumento per entrare in contatto con nuove persone e culture. Nei miei progetti applico una commistione di tecniche differenti prese dalla scultura, dall’artigianato, dal disegno e dall’ estetica relazionale. Ricerco e utilizzo tecniche antiche: tessitura a telaio, arazzo, crochet, feltro, ricamo, annodature e carta fatta a mano. Nelle mie installazioni, che si sviluppano su larga scala, unisco metodi di lavorazione lenta a nuove tecnologie. Tutto ciò che riguarda il tessile è sempre stato estremamente affascinante per me. Mi piace imparare e condividere idee e conoscenze sul vasto mondo delle fibre ed e’ quello che ho fatto durante i miei viaggi di ricerca tra Europa, Asia, USA e Africa.