March 24 – September 10, 2023
Centre for Contemporary Art l’ar[T]senal

13 place Mésirard, 28100 Dreux
Opening hours
10.30am-12.30pm, Mondays, Wednesdays, Thursdays and Fridays
14.00-19.00, Wednesday to Sunday
Contact details:
Estelle Lutaud (press contact): /
Stéphane Auvard (information and reservations) /


The Centre d’art l’arTsenal has the following objectives: education, support through the production of works, hosting artists in residence and dissemination through exhibitions and publications.
The exhibition INSPIRED. E. S – Act 3 – Textile Arts is the logical continuation of the Inspiré. e. s series presented by the Centre d’art since 2018.


The Centre d’art l’arTsenal dedicates an exhibition to contemporary textile art, questioning its role in art history and the themes of contemporary art. It also seeks to understand to what extent the works of certain artists can go beyond their contexts of creation or know-how to make way for monumental art, capable of creating immersive experiences.

From antiquity to the present day, the use of textiles as an artistic medium has spanned history and has never stopped evolving between function and aesthetics, subtlety and monumentality, poetry and manifesto.
Over the course of more than a century, from Arts and Crafts to the Bauhaus, many artists have sought to explore these areas of expression: embroidery, painting, sculpture, bookbinding, knitting, crocheting, etc. out of a desire to produce accessible art that was close to their social environment of production.

Drawing on its history, textile art has returned to the scene as an influential art form, an art form in its own right that tends to emancipate itself from its social environment.
It is an art in its own right that tends to break free from its production methods, making room for the perception and experience of a universal material that reflects our world.


Each exhibition seeks to be inspired by the concept of the masterpiece in art, raising the question of what it means to be a masterpiece.
the question of the creative cycle in the great History of Art, which is still under construction.
The Inspiré. e. s series seeks to get to the heart of a creative medium, deciphering it, challenging it, twisting it to better understand its roots, influences and forms.
In addition to highlighting textiles as a creative medium, this exhibition will draw parallels with the nearby world of fashion and its use of techniques and materials.

These two worlds are linked by the desire to create, but are quite distinct because they do not respond to the same production logic (one is under the authority of the Ministry of Culture, the other under the authority of the State).
For example, the collaboration with the CFAM (Centre de formation des arts de la mode) in Tours was held in the chapel of the Hôtel-Dieu as a prelude to the fashion exhibition.
Because embroidering, sewing, crocheting, dressing
dressing, weaving, knitting, sewing – these are just some of the skills acquired by various artists to create the works presented in the exhibition.
But these steps, repeated several times, are all part of the same process. Are the gestures made by the artist or delegated to the craftsman, the worker or the machine really what makes the work?

Is this the genius of the artist? Is it not the conception? Is it not the idea? Is it not the forming of meaning that gives artists the desire to create in the most imaginative way possible?
Is it not the bubbling up of meaning that gives artists the desire to create as freely as possible, without the logic of output?

Lucile Hitier, director of the Centre d’art and curator of the exhibition ART AND TEXTILES, INFLUENCES AND DANGEROUS RELATIONSHIPS

Il Centro d’arte contemporanea l’ar[T]senal è stato inaugurato nel 2012. La suamissione: sostenere e promuovere l’arte contemporanea. E’ una struttura culturale della città di Dreux, sostenuta dal Drac Centre Val-de-Loire, dal Conseil Régional Centre Valde-Loira. Alcune delle sue attività sono cofinanziate dall’Unione Europea.

Gli artisti presenti


Algen bos, installation, 2018-2019, felted wool, white merino wool, fabric inlay, silk, animal and plant fibre inlay, dimensions variable. Animal and plant fibres, dimensions variable.
Chaos Laineux, installation, 2017-2018, felted wool, white merino wool, animal and plant textile fibres,
fabric cuttings, dimensions variable.
Courtesy of and photo credit to Hannah Barantin.

Born in 1997, Hannah Barantin lives and works in Tours and graduated from the École Supérieure d’Art et de Design TALM-Tours.
Design TALM-Tours. Concerned about the ecological consequences that certain materials can have on the environment, Hannah Barantin naturally turned to a material that she produces herself: wool felt.
Hannah Barantin presents two works at arTsenal. Algen Bos – presented in the mediation space – is an installation composed of organic shapes inspired by the real world.
It is made of merino wool, silk and animal and plant fibres. Woolly Chaos is an installation composed of mineral forms that seem to wander in space, questioning the architecture of space and its relationship to the real world. These two works are representative of a strong commitment on the part of the artist, who has decided to banish colour from his works in favour of experimenting with raw materials and their variations in texture.


Walldrawing, in situ installation of 8 sculptures, 1990-2002, knitting yarn and nails, dimensions variable / Pullover,
1999, 63 x 170 cm / Trousers, 2001, 50 x 90 cm / Shorts, 2001, 42 x 50 cm / Boots, 2001, 58 x 35 cm / Hats, 1997, 40 x 50 cm / Jacket, 2000, 84 x 57 cm / Shoe with laces, 2002, 24 x 44 cm / Trousers and shirt with braces, 1990, 170 x 55 cm / Trousers and shirt with braces, 1990, 170 x 55 cm / Trousers with laces, 2002, 24 x 44 cm
braces, 1990, 170 x 55 cm.
Courtesy of Olga Boldyreff; photo credit: Emmanuel Watteau.

Born in 1957, Olga Boldyreff lives and works in Nantes, where she graduated from the École Régionale des Beaux- Arts in Nantes. After an initial period characterised by drawing and performance, she began to incorporate knitting, crochet and embroidery into her work, at the same time undertaking a conceptual artistic approach and great art: soft sculptures – knitted or crocheted hanging garments, embroidery on painted canvas and Wall Drawings.
Eight works from this series can be seen at arTsenal. As well as quoting works by the American minimalist and conceptual artist Sol LeWitt, who invited anyone to follow his instructions to create a work of art, without having to intervene.
Olga Boldyreff’s Walldrawings are in the form of boxes, consisting of a ball of “knitted” rope, a numbered drawing, nails to be fixed to the wall and instructions on how to use the drawing if you wish to exhibit it.
This work not only testifies to his personal experience of the need for mobility, but also places him firmly in the tradition of his peers who, like Marcel Duchamp, explored the concept of nomadism and ease of use.

Claude COMO

Supernature, 2021-2022, installation in situ, tufted wool, dimensions variable.
Courtesy of Claude Como.

Born in 1964 in Marseille, where she lives and works, Claude Como studied fine arts at the University of Aix-en-Provence. Painting, ceramics, resin, charcoal and wool are some of the materials the artist uses to explore humanity and nature.
For Inspiré.e.s – Act 3 – Textile Arts, Claude Como presents a new group of works from the Supernature series.
It consists of some twenty works reminiscent of flowers, trees and waterfalls. Each piece has its own name and, once assembled in situ in the manner of a natural history painting, we see a generous plant landscape that seems to invade the exhibition space. Through this phantasmagorical representation of a lush nature, the artist invites us to reconnect for a moment with the tactile and the organic, and raises fundamental questions about the relationship between man, his evolution and the social and environmental living space, as well as the often controversial links between design, decorative arts, craftsmanship and contemporary art.

Jérémy GOBÉ

La liberté guidant la laine, installation in situ, 2023, jacquard, dimensions variable.
Courtesy of Jérémy Gobé, photo credit by Marc Domage, produced by the Centre d’art contemporain l’arTsenal.

Born in Cambrai in 1986, Jérémy Gobé lives and works in Paris. Fabrics – raw materials, woven or already transformed into garments – are the materials of choice in his research. This material has been entrusted to him by his environment and his personal history. Born in Nord-Pas-de-Calais and a student in Lorraine, he lived in two regions marked by the disappearance of textile industries.

The monumental installation composed of red and white jacquard fabrics is punctuated by an invisible frame, suggesting the raised fists and bayonets of Delacroix’s famous painting, re-proposed for this exhibition by the Centre d’art contemporain l’arTsenal, represents a further opportunity for the artist to support the French textile industry, currently in decline due to globalisation, and in particular the craftsmanship of the historical site of Clamart (92), home of an important textile factory.
Clamart (92), home of the best French jacquard. For example, this order of around 300 kg of jacquard at the Maille Emma atelier not only supports the industry, but is also part of sustainable development and environmentally-responsible transport, as it was produced within a radius of less than 100 km from the exhibition venue. In addition to highlighting the collapse of textile production in France, the cradle of these crafts, Jérémy Gobé’s work highlights the loss of this artisan savoir-faire and, at the same time, the obsolete image of craft trades.


Les chats de vélès, series of 5 masks, 2018-2019, acrylic, synthetic hair, crochet technique.
crochet technique. Depuis les chemins de la lune, 2018, Dimensions variable / Les épis de la Terre, 2018, Dimensions variable / Le porteur du Chaos, 2018, Dimensions variable / Au sein des racines, 2018, Dimensions variable / Au sortir de la pelle, 2019, Dimensions variable / Les voyageurs des eaux, 2019, Dimensions variable.
Courtesy of Aurore Halpert; photo credit: FLØW.

Aurore Halpert graduated from Cholet with a BTS in fashion design in 2008 and now lives and works in Tours. Her favourite medium is textiles, particularly crochet. She has a special relationship with the body and textiles, magnifying their ability to change.
At arTsenale, Aurore Halpert is exhibiting six masks from the Les chats de vélès series, made between 2018 and 2019. In this work, Aurore Halpert links the myth of Velès and that of its interpreter, the Cat. The former, of war, shadows, animals, magic and reincarnation, and the latter, a protective animal capable of reincarnating and warding off evil spirits. For Aurore Halpert, these masks are the vestiges of a fictitious civilisation and have the capacity to reactivate these myths in our contemporary society.

Sheila HICKS

Au delà, 2017, Wall installation, cardboard, linen, synthetic fibre, leather, Dimensions variable.
Courtesy of the artist and Musée d’art Moderne de la ville de Paris; Copyright Adagp, Paris, 2023; Collection Musée d’art Moderne de la ville de Paris.

Born in 1934 in the United States, Sheila Hicks lives and works in Paris. She was introduced to skills in Colombia, Chile, Peru and Bolivia. Since the late 1950s, she has been knotting, wrapping, folding, twisting and stacking wool, linen and cotton.
To work with textiles for Sheila Hicks is to develop a body of work in continuity with life, in which textiles are omnipresent. As part of the exhibition Inspiré.e.s – Acte 3 – Arts Textiles, the work Au-delà, comme une constellation. presents discs of different sizes and shades, made from a range of textile materials. This monumental work demonstrates Sheila Hicks’ interest in ‘optical mixing’, which consists of combining colours, textures and materials, inviting the audience to compose, through a visual exercise of composing new colours, and is particularly representative of her technique.


Give me your best side, I will give you my best side, installation, 2022-2023, quilted wool on canvas, 700 x 240 cm (in three parts). Courtesy and photo credit: Lux Miranda.

Born in Bourges in 1990, Lux Miranda lives and works between Bourges and Paris. She studied at the Villa Arson in Nice between 2012 and 2015. Lux Miranda is a French-Portuguese artist who works in drawing and sculpture, but it is mainly the technique of tufting that recurs in her work. A long stay in Mexico enabled her to familiarise herself with textile techniques and discover the multiple potential of their materials and colours.
At arTsenal, Lux Miranda presents a monumental work consisting of three parts presented on the floor and walls.
Like a Tibetan mandala, the work invites the viewer to concentration or even meditation. In fact, the artist has conceived it as a calming prism that captures the viewer and invites him to listen to himself and the world around him. In this way, the work appeals to the intimate, everyday sphere of the viewer. With its sound-absorbing, insulating and decorative qualities, it evokes comfort and in this way reassures by its very nature.


Crevasse, interstices et autres vides comblés, series of 6 sculptures, 2018-2019, felt and collage, variable size, Courtesy of Bojana Nikcevic; photo credit: Guillaume Le Baube.

Originally from Montenegro, Bojana Nikcevic lives and works in Tours. Originally a multidisciplinary artist, she abandoned photography and video to devote herself to textiles, with a preference felt sculptures and installations. Seduced by the infinite possibilities of creating flat or voluminous objects using this material light, waterproof and insulating, this medium has become an art form in its own right.
At arTsenal, Bojana Nickevic presents six felt sculptures from the series Crevasse, interstices et autres vides comblés. In these works, the artist explores the possibilities of this material which, unlike other textiles, does not involve weaving. It is simply made up of a tangle of fibres, obtained by crushing, washing and application by hand, which allows the micro-scales of wool to intertwine. In a state of meditation in front of the fibre, Bojana Nickevic produces these works by repeating the same gesture over and over again to create an organic rebirth, while marvelling at this material’s ability to connect with the world.


Aquarela, 2014, installation, 245 x 340 x 315 cm, hand-painted ceramic tiles, handmade wool crochet, polyester ornaments, MDF, iron – Collection of the artist. Courtesy of Atelier Joana Vasconcelos

Born in Paris in 1971, Joana Vasconcelos lives and works in Lisbon. Her work is mainly based on the recovery of everyday objects, which she decontextualises with humour and imagination.
At l’arTsenal, she presents a cascade of tentacles made of coloured, soft, shiny fabrics interspersed with sewn objects. Vasconcelos reappropriates everyday objects and transforms them using inventive and unexpected techniques with sumptuous explosions of colour. This hybrid work is made with azulejos, plastic cutlery, textiles, crochet… The nature of Joana Vasconcelos’ creative process is based on the appropriation, de-contextualisation and subversion of pre-existing objects. Sculptures and installations reveal a true sense of proportion and colour, challenging the weight of everyday life. Starting with ingenious dislocation operations, reminiscent of the ready-made and the practices of New Realism, the artist offers a vision of contemporary society that is both complicit and critical. She evokes, always with detachment, the condition of women, class distinctions and national identity.



24 marzo – 10 settembre 2023
Centro d’arte contemporanea l’ar[T]senal

13 place Mésirard, 28100 Dreux
Orari di apertura
10.30-12.30, lunedì, mercoledì, giovedì e venerdì
14.00-19.00, da mercoledì a domenica
Estelle Lutaud (contatto stampa): /
Stéphane Auvard (informazioni e prenotazioni): /


Il Centre d’art l’arTsenal si pone i seguenti obiettivi: formazione, sostegno attraverso la produzione di opere, accoglienza di artisti in residenza e diffusione attraverso mostre e pubblicazioni.
La mostra INSPIRED. E. S – Atto 3 – Arti Tessili è la logica continuazione della serie Inspiré. e. s presentata dal Centre d’art dal 2018.


Il Centre d’art l’arTsenal dedica una mostra all’arte tessile contemporanea, interrogandosi sulle sue ruolo nella storia dell’arte e sui temi dell’arte contemporanea. Cercando anche di capire fino a che punto le opere di certi artisti possono andare oltre i loro contesti di creazione o di know-how per lasciare il posto a un’arte monumentale, capace di creare esperienze immersive.

Dall’antichità ai giorni nostri, l’uso dei tessuti come mezzo artistico ha attraversato la storia e non ha mai smesso di evolversi tra funzione ed estetica, sottigliezza e monumentalità, poesia e manifesto.
Nel corso di oltre un secolo, dalle Arti e Mestieri al Bauhaus, molti artisti hanno cercato di esplorare queste aree espressive: ricamo, pittura, scultura, pittura, ricamo, rilegatura, annodatura, intrecciatura, lavoro a maglia, uncinetto, ecc. per il desiderio di produrre un’arte accessibile che fosse vicina al loro ambiente sociale di produzione.

Attingendo alla sua storia, l’arte tessile è tornata sulla scena come una forma d’arte influente, una forma d’arte a sé stante che tende a emanciparsi dal suo ambiente sociale.
È un’arte a sé stante che tende a svincolarsi dai suoi metodi di produzione, dando spazio alla percezione e all’esperienza di un materiale universale che rispecchia il nostro mondo.


Ogni mostra cerca di ispirarsi al concetto di capolavoro nell’arte, ponendo la questione di cosa significhi essere un capolavoro e la questione del ciclo creativo nella grande Storia dell’Arte, che è ancora in costruzione.
La serie Inspiré. e. s cerca di arrivare al cuore di un mezzo creativo, decifrandolo, contrastandolo, mettendolo alla prova, contorcendolo per comprenderne meglio le radici, le influenze e le forme.
Oltre a mettere in evidenza il tessile come mezzo creativo, questa mostra traccerà paralleli con il vicino mondo della moda e con il suo uso di tecniche e materiali.

Questi due mondi sono legati dal desiderio di creare, ma sono ben distinti, perché non rispondono alle stesse logiche produttive (uno è sotto l’autorità del Ministero della Cultura, l’altro sotto l’autorità dello Stato). Per esempio, la collaborazione con il CFAM (Centre de formation des arts de la mode) di Tours si è tenuta nella cappella dell’Hôtel-Dieu come preludio all’esposizione di moda.
Perché ricamare, cucire, lavorare all’uncinetto, vestirsi, rivestire, tessere, lavorare a maglia, cucire – sono solo alcune delle competenze acquisite da diversi artisti per creare le opere presentate in mostra.
Ma questi passaggi, ripetuti più volte, fanno tutti parte dello stesso processo. I gesti dall’artista o delegati all’artigiano, all’operaio o alla macchina, sono davvero ciò che fa l’opera?

È questo il genio dell’artista? Non è forse la concezione? Non è forse l’idea? Non è forse il formarsi di un significato che dà agli artisti il desiderio di creare nel modo più estroso possibile?
Non è forse il ribollire del significato che dà agli artisti il desiderio di creare nella massima libertà, senza la logica dell’output?

Lucile Hitier, direttrice del Centre d’art e curatrice della mostra ARTE E TESSUTI, INFLUENZE E RELAZIONI PERICOLOSE

Il Centro d’arte contemporanea l’ar[T]senal è stato inaugurato nel 2012. Il suo obiettivo: sostenere e promuovere l’arte contemporanea. E’ una struttura culturale della città di Dreux, sostenuta dal Drac Centre Val-de-Loire, dal Conseil Régional Centre Valde-Loira. Alcune delle sue attività sono cofinanziate dall’Unione Europea.

Gli artisti presenti


Algen bos, installazione, 2018-2019, lana infeltrita, lana merino bianca, intarsio di tessuto, seta, intarsio di fibre animali e vegetali, dimensioni variabili. Fibre animali e vegetali, dimensioni variabili.
Chaos Laineux, installazione, 2017-2018, lana infeltrita, lana merino bianca, fibre tessili animali e vegetali, ritagli di tessuto, dimensioni variabili.
Per gentile concessione e credito fotografico di Hannah Barantin.

Nata nel 1997, Hannah Barantin vive e lavora a Tours e si è diplomata all’École Supérieure d’Art et de Design TALM-Tours.
Design TALM-Tours. Preoccupata per le conseguenze ecologiche che determinati materiali possono avere sull’ambiente, Hannah Barantin si è orientata naturalmente verso un materiale che lei stessa produce: il feltro di lana.
Hannah Barantin presenta due opere all’arTsenale. Algen Bos – presentata nello spazio di mediazione – è un’installazione composta da forme organiche ispirate al mondo reale.
Realizzata in lana merino, seta e fibre animali e vegetali. Caos lanoso è un’installazione composta da forme minerali che sembrano vagare nello spazio, mettendo in discussione l’architettura dello spazio e la sua relazione con il mondo reale. Queste due opere sono rappresentative di un forte impegno da parte dell’artista, che ha deciso di bandire il colore dalle sue opere a favore della sperimentazione sulla materia con i materiali grezzi e le loro variazioni di consistenza.


Walldrawing, installazione in situ di 8 sculture, 1990-2002, filo di maglia e chiodi, dimensioni variabili / Pullover,
1999, 63 x 170 cm / Pantaloni, 2001, 50 x 90 cm / Pantaloncini, 2001, 42 x 50 cm / Stivali, 2001, 58 x 35 cm / Cappelli,
1997, 40 x 50 cm / Giacca, 2000, 84 x 57 cm / Scarpa con lacci, 2002, 24 x 44 cm / Pantaloni e camicia con bretelle, 1990, 170 x 55 cm / Pantaloni e camicia con bretelle, 1990, 170 x 55 cm / Pantaloni con lacci, 2002, 24 x 44 cm
bretelle, 1990, 170 x 55 cm.
Per gentile concessione di Olga Boldyreff; credito fotografico di Emmanuel Watteau.

Nata nel 1957, Olga Boldyreff vive e lavora a Nantes, dove si è diplomata all’École Régionale des Beaux- Arts di Nantes. Dopo un primo periodo caratterizzato dal disegno e dalla performance, ha iniziato a incorporare nel suo lavoro la maglia, l’uncinetto e il ricamo nel suo lavoro, intraprendendo allo stesso tempo un approccio artistico concettuale e una grande arte: le sculture morbide  – abiti sospesi lavorati a maglia o all’uncinetto, ricami su tela dipinta e Wall Drawings.
Otto opere di questa serie sono visibili ad arTsenal. Oltre a citare opere dell’artista americano minimalista e concettuale americano Sol LeWitt, che invitava chiunque a seguire le sue istruzioni per realizzare un’opera d’arte, senza dover intervenire.
I Walldrawings di Olga Boldyreff hanno la forma di scatole, formate da una serie di un gomitolo di corda “a maglia”, un disegno numerato, chiodi da fissare al muro e le istruzioni per utilizzare il disegno se si desidera esporlo.
Quest’opera, oltre a testimoniare la sua esperienza personale del bisogno di mobilità, lo colloca anche saldamente nella tradizione dei suoi coetanei che, come Marcel Duchamp, hanno esplorato il concetto di nomadismo e di facilità d’uso.

Claude COMO

Supernature, 2021-2022, installazione in situ, lana tufted, dimensioni variabili.
Per gentile concessione di Claude Como.

Nata nel 1964 a Marsiglia, dove vive e lavora, Claude Como ha studiato Belle Arti all’Università di Aix-en-Provence. Pittura, ceramica, resina, carbone e lana sono solo alcuni dei materiali che l’artista utilizza per esplorare l’umanità e la natura.
Per Inspiré.e.s – Act 3 – Textile Arts, Claude Como presenta un nuovo gruppo di opere della serie Supernature.
Si tratta di una ventina di opere che ricordano fiori, alberi e cascate. Ogni pezzo ha un nome proprio e, una volta assemblato in situ alla maniera di un quadro di storia naturale, vediamo un generoso paesaggio vegetale che sembra invadere lo spazio espositivo. Attraverso questa rappresentazione fantasmagorica di una natura rigogliosa l’artista ci invita a riconnetterci per un momento con il tattile e l’organico, e solleva domande di fondo sul rapporto tra l’uomo, la sua evoluzione e lo spazio vitale sociale e ambientale, nonché i legami spesso controversi tra design, arti decorative, artigianato e arte contemporanea.

Jérémy GOBÉ

La liberté guidant la laine, installazione in situ, 2023, jacquard, dimensioni variabili.
Per gentile concessione di Jérémy Gobé, credito fotografico di Marc Domage, prodotto dal Centre d’art contemporain l’arTsenal.

Nato a Cambrai nel 1986, Jérémy Gobé vive e lavora a Parigi. I tessuti – materiali grezzi, tessuti o già trasformati in capi d’abbigliamento, sono i materiali d’elezione della sua ricerca. Questo materiale gli è stato affidato dall’ambiente e dalla sua storia personale. Nato nel Nord-Pas-de-Calais e studente in Lorena, ha vissuto in due regioni contrassegnate dalla scomparsa delle industrie tessili.

L’installazione monumentale composta da tessuti jacquard rossi e bianchi, è punteggiata da una cornice invisibile, che suggerisce i pugni alzati e le baionette del famoso dipinto di Delacroix, riproposto per questa mostra dal Centre d’art contemporain l’arTsenal, rappresenta un’ulteriore opportunità per l’artista di sostenere il settore tessile francese, attualmente in declino a causa della globalizzazione, e in particolare l’artigianato del sito storico di Clamart (92), sede di un’importante fabbrica di tessuti.
Clamart (92), patria del miglior jacquard francese. Per esempio, questo ordine di circa 300 kg di jacquard all’atelier Maille Emma, oltre a sostenere l’industria, fa parte di uno sviluppo sostenibile e di un trasporto eco-responsabile, poiché è stato prodotto in un raggio di meno di 100 km dalla sede della mostra. Oltre a mettere in evidenza il crollo della produzione tessile in Francia, culla di questi mestieri, l’opera di Jérémy Gobé mette in evidenza la perdita di questo savoir-faire artigiano e, allo stesso tempo, l’immagine obsoleta dei mestieri artigianali.


Les chats de vélès, serie di 5 maschere, 2018-2019, acrilico, capelli sintetici, tecnica dell’uncinetto.
tecnica dell’uncinetto. Depuis les chemins de la lune, 2018, dimensioni variabili / Les épis de la Terre, 2018, dimensioni variabili / Le porteur du Chaos, 2018, Dimensioni variabili / Au sein des racines, 2018, Dimensioni variabili / Au sortir de la pelle, 2019, Dimensioni variabili / Les voyageurs des eaux, 2019, Dimensioni variabili.
Per gentile concessione di Aurore Halpert; credito fotografico di FLØW.

Aurore Halpert si è laureata a Cholet con un BTS in fashion design nel 2008 e oggi vive e lavora a Tours. Il suo medium preferito è il tessile, in particolare l’uncinetto. Ha un rapporto speciale in relazione con il corpo e con i tessuti, magnificandone la capacità di mutare.
All’arTsenale, Aurore Halpert espone sei maschere della serie Les chats de vélès, realizzate tra il 2018 e il 2019. In quest’opera, Aurore Halpert collega il mito di Velès e quello del suo interprete, il Gatto. Il primo della guerra, delle ombre, degli animali, della magia e della reincarnazione, e l’altro, un animale protettore capace di reincarnarsi e di allontanare gli spiriti maligni. Per Aurore Halpert, queste maschere sono le vestigia di una civiltà fittizia e hanno la capacità di riattivare questi miti nella nostra società contemporanea.

Sheila HICKS

Au delà, 2017, Installazione a parete, cartone, lino, fibra sintetica, pelle, Dimensioni variabili.
Per gentile concessione dell’artista e del Musée d’art Moderne de la ville de Paris; Copyright Adagp, Paris, 2023; Collezione Musée d’art Moderne de la ville de Paris.

Nata nel 1934 negli Stati Uniti, Sheila Hicks vive e lavora a Parigi. È stata introdotta alle abilità in Colombia, Cile, Perù e Bolivia. Dalla fine degli anni Cinquanta, l’artista annoda, avvolge, piega, attorciglia e impila lana, lino e cotone.
Lavorare con i tessuti per Sheila Hicks, è sviluppare un corpo di opere in continuità con la vita, in cui i tessuti sono onnipresenti.
Nell’ambito della mostra Inspiré.e.s – Acte 3 – Arts Textiles, l’opera Au-delà, comme une constellation. presenta dischi di diverse dimensioni e tonalità, realizzati con una gamma di materiali tessili. Quest’opera monumentale dimostra in particolare l’interesse di Sheila Hicks per la “mescolanza ottica”, che consiste nell’associare colori, texture e materiali, invitando il pubblico a comporre, attraverso un esercizio visivo di composizione di nuovi colori ed è particolarmente rappresentativa della sua tecnica .


Give me your best side, I will give you my best side, installazione, 2022-2023, lana trapuntata su tela, 700 x 240 cm (in tre parti). Per gentile concessione e credito fotografico di Lux Miranda.

Nata a Bourges nel 1990, Lux Miranda vive e lavora tra Bourges e Parigi. Ha studiato presso la Villa Arson di Nizza tra il 2012 e il 2015. Lux Miranda è un’artista franco-portoghese che lavora nel disegno e nella scultura, ma è soprattutto la tecnica del tufting che ricorre nel suo lavoro. Un lungo soggiorno in Messico le permette di familiarizzare con le tecniche tessili e scoprire le molteplici potenzialità dei loro materiali e colori.
All’arTsenale, Lux Miranda presenta un’opera monumentale composta da tre parti presentate sul pavimento e sulle pareti.
Come un mandala tibetano, l’opera invita lo spettatore alla concentrazione o addirittura alla meditazione. Infatti, l’artista l’ha concepita come un prisma rasserenante che cattura lo spettatore e lo invita ad ascoltare se stesso e il mondo che lo circonda. In questo modo, l’opera fa appello alla sfera intima e quotidiana dello spettatore. Con le sue qualità fonoassorbenti, isolanti e decorative, evoca il comfort e in questo modo rassicura per la sua stessa natura.


Crevasse, interstices et autres vides comblés, serie di 6 sculture, 2018-2019, feltro e collage, dimensione variabile, Per gentile concessione di Bojana Nikcevic; credito fotografico di Guillaume Le Baube.

Originaria del Montenegro, Bojana Nikcevic vive e lavora a Tours. In origine artista multidisciplinare, Ha abbandonato la fotografia e il video per dedicarsi ai tessuti, con una predilezione
sculture e installazioni in feltro. Sedotta dalle infinite possibilità di creare oggetti piatti o voluminosi utilizzando questo materiale
leggero, impermeabile e isolante, questo medium è diventato una forma d’arte a sé stante.
Ad arTsenal, Bojana Nickevic presenta sei sculture in feltro della serie Crevasse, interstices et autres vides comblés. In queste opere, l’artista esplora le possibilità di questo materiale che, a differenza di altri tessuti, non prevede la tessitura. È semplicemente costituito da un groviglio di fibre, ottenuto per frantumazione, lavaggio e applicazione a mano, che permette alle microscale della lana di intrecciarsi. In uno stato di meditazione davanti alla fibra, Bojana Nickevic produce queste opere ripetendo sempre lo stesso gesto fino a creare una rinascita organica, meravigliandosi allo stesso tempo della capacità di questo materiale di connettersi con il mondo.


Aquarela, 2014, installazione, 245 x 340 x 315 cm, piastrelle in ceramica dipinte a mano, uncinetto in lana fatto a mano, ornamenti in poliestere, MDF, ferro – Collezione dell’artista
Per gentile concessione dell’Atelier Joana Vasconcelos

Nata a Parigi nel 1971, Joana Vasconcelos vive e lavora a Lisbona. Il suo lavoro si basa principalmente sul recupero di oggetti di oggetti quotidiani, che decontestualizza con umorismo e fantasia.
A l’arTsenal, presenta una cascata di tentacoli realizzati con tessuti colorati, morbidi, lucidi o allo stesso tempo intervallati da oggetti cuciti. Vasconcelos si riappropria di oggetti di uso quotidiano e li trasforma utilizzando tecniche inventive e inaspettate con sontuose esplosioni di colore. Quest’opera ibrida è realizzata con azulejos, posate di plastica, tessuti, uncinetto… La natura del processo creativo di Joana Vasconcelos si basa sull’appropriazione, la de-contestualizzazione e la sovversione di oggetti preesistenti. Sculture e installazioni, che rivelano un vero senso delle proporzioni e del colore, sfidando il peso della vita quotidiana. Partendo da ingegnose operazioni di dislocazione, che ricordano il ready-made e le pratiche del Nuovo Realismo, l’artista offre una visione della società contemporanea al tempo stesso complice e critica. Evoca, sempre con distacco, la condizione femminile, le distinzioni di classe e l’identità nazionale.