INTERVISTA A NIKOLA FILIPOVIC

Per sulla soglia dell’Accademia, il ciclo di interviste che ArteMorbida dedica a giovani artisti neolaureati/laureandi, ho incontrato Nikola Filipovic che ha conseguito lo scorso anno la Laurea Magistrale in Decorazione per l’Architettura presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna avendo però già all’attivo mostre, partecipazioni e premi (premiato IV al Valcellina Award 2021 e vincitore del Tramanda Young Fiber Artist Award 2019) anche in ambito internazionale. La sua ricerca artistica radicata nella dimensione autobiografica approda a temi esistenziali e di attualità trovando il suo linguaggio espressivo nel medium tessile che declina in una molteplicità di tecniche e sperimentazioni. I suoi lavori densi di rimandi e citazioni, coniugano un’apparente semplicità formale con una ricchezza di simboli e segni dalla semantica complessa ed articolata.

RITRATTO ph.credit Ghazal Kohandel

L’arte è un mezzo per indagare la tua storia, la memoria, per capire da dove vieni e il mondo che ti circonda?

Con la mia arte cerco di capire da dove vengo e a quale luogo appartengo. Lo considero un modo per elaborare i miei ricordi e rendere più facile la comprensione del mondo che mi circonda. Per me l’arte è sempre stata una sorta di meccanismo di adattamento, la uso per elaborare i miei sentimenti e le mie memorie. Quando mi sono trasferito per la prima volta in Italia per studiare all’Accademia di Belle Arti, l’arte mi ha dato una prospettiva completamente diversa sulla mia infanzia e sul periodo complicato che il mio paese stava attraversando in quel momento. I miei genitori hanno fatto un ottimo lavoro proteggendomi dalla maggior parte delle cose che non riuscivo a capire da bambino.

Il ricamo è il tuo linguaggio, una modalità espressiva in cui, come per le parole, ogni punto lascia una traccia incancellabile. Ma è anche una scelta di rottura rispetto alla tradizione che lo relegava a tecnica artigianale ad esclusivo uso domestico e femminile. Dunque cos’è il ricamo per te e quali sono le ragioni all’origine di questa scelta?

Per me il ricamo è un linguaggio. Quando vuoi disfare un punto, devi tagliarlo e rimuovere il filo, ma per quanto ci provi non sarai mai in grado di rimuovere tutti i buchi lasciati lì da un ago. In un certo senso è lo stesso con le parole, una volta che dici qualcosa e vuoi riprenderla, è quasi impossibile perché qualcuno potrebbe sempre ricordare, proprio come il tessuto ricorda tutti i piccoli buchi.

Quando le persone che non mi conoscono vedono il mio lavoro, di solito pensano che l’autore sia una donna. E di solito segue la domanda, tua nonna ti ha insegnato a ricamare? In realtà nessuna delle mie nonne si è mai interessata al ricamo, loro lo trovavano una perdita di tempo. Ero curioso di provarlo, quindi sono andato online e ho seguito i tutorial. Online ho anche trovato un numero enorme di esempi moderni di ricamo come forma di resistenza femminista, quindi lo trovo un mezzo espressivo ottimo per fare affermazioni e raccontare diversi tipi di storie. Il ricamo è un processo molto lento e lo trovo molto rilassante. Per me è una sorta di meditazione, e lo trovo molto piacevole come tecnica perché mi dà una sorta di precisione che non potrei gestire con tecniche diverse, e usarla come dichiarazione contro le forme di patriarcato è un valore aggiuntivo.

What the wind brings, 2018, ricamo a mano, 6 moduli cm.30×30, ph.credit Nikola Filipovic

In LE MAL DU PAYS affronti il tema delle radici che identifichi sostanzialmente con la famiglia, gli affetti più che il luogo fisico di un determinato paese. Ci racconti quest’opera e la riflessione da cui è nata?

Il titolo di quest’opera, proviene da una composizione di Franz Liszt. Il brano in questione è “Le mal du pays”, ottavo pezzo della raccolta “Années de pèlerinage”. Ho sentito parlare di questa canzone per la prima volta durante la lettura del ” L’incolore Tazaki Tsukuru e i suoi anni di pellegrinaggio ” di Haruki Murakami, dove ha spiegato il significato dettagliato delle parole “Le mal du pays”. Di solito è tradotto dal francese come “nostalgia” o “malinconia”. L’idea principale era quella di creare una sorta di bandiera personale che riflettesse le mie emozioni riguardo all’idea della mia origine.

La storia del mio paese è molto complicata e ho iniziato a capirla meglio solo quando mi sono allontanato da lì. All’età di 12 anni avevo già vissuto in 3 paesi diversi senza mai allontanarmi dalla mia casa d’infanzia. Quando finalmente me ne sono andato, la parte principale che mancava era la mia famiglia. Questo lavoro rappresenta la mia idea della famiglia come bandiera personale, usando la simmetria per riflettere lo stesso numero di membri che si rivolgono a entrambi i lati della mia famiglia, che considero l’unica costante nella mia vita, indipendentemente dal nome del luogo in cui viviamo. L’opera è stampata utilizzando il processo di trasferimento per sublimazione sul materiale utilizzato per la realizzazione delle bandiere. Il colore rosso dell’elemento vegetale è identico a quello della bandiera nazionale del Montenegro che simboleggia il territorio. Tutte le figure sono ricamate a mano utilizzando il filo nero che ha molti valori simbolici nel nostro paese, molti legati alla vita familiare e alla tradizione. Il lavoro viene svolto nella proporzione canonica della bandiera, 3×2 m, che per la legge montenegrina è la dimensione standard della  bandiera.

Le mal du pays, 2019, stampa su tessuto, ricamo a mano, cm.300×200, ph.credit Nikola Filipovic

La percezione della realtà è spesso mutevole a seconda della prospettiva o del punto di vista da cui la si osserva e/o si vive. E la realtà stessa è perennemente in mutazione. Cos’è il cambiamento – tema ricorrente nei tuoi lavori?

Ebbene, se ho imparato qualcosa nell’ultimo anno è che tutti dobbiamo imparare a convivere con cambiamenti costanti, adattarci e trarre il meglio dalla situazione data. Mi piace il cambiamento, negli ultimi due anni ho vissuto in Montenegro, Italia e Polonia, mi piace muovermi e cambiare spesso l’ambiente circostante. Penso che mi spinga fuori dalla mia zona di comfort e mi permette di vedere le cose da un punto di vista diverso. Più cresco, più le mie opinioni e le mie simpatie e antipatie cambiano su molte cose. Quando ero bambino ero un tipo schizzinoso, e mia madre mi diceva sempre che, quando sarei diventato più grande, avrei cambiato idea, quindi ho solo bisogno di continuare a provare cose nuove. Ora una delle mie cose preferite da mangiare sono i broccoli, il mio più grande incubo d’infanzia. Quello che ho imparato da questo, a parte che dovrei ascoltare mia madre più spesso, è che non riesco a controllare il cambiamento, di solito è esattamente quello che mi ispira e spinge a creare qualcosa di nuovo.

Utilizzi spesso materiali di recupero e riciclati. Scelta tecnica, etica o di contenuto?

Stiamo vivendo nell’era del cambiamento climatico, potremmo probabilmente iniziare già a chiamarla l’emergenza climatica. Penso che tutti gli artisti e designer, sopratutto quelli della nuova generazione, dovrebbero considerare questo aspetto quando creano il loro nuovo lavoro. Non possiamo permetterci di non utilizzare più materiali riciclabili, sono consapevole che questo non è sempre possibile ma quando lo è preferisco sempre le opzioni eco sostenibili. Lavoro principalmente con tessuti usati, perché mi piace pensare che abbiano una storia tutta loro, un frammento di memoria, che diventa parte del mio lavoro finale.

Linguaggio nel linguaggio, i colori dei fili che utilizzi veicolano anche significati simbolici?

Il mio lavoro è molto illustrativo e i colori hanno un enorme impatto su questo. Mi piace sempre pensare al mio lavoro come a una narrazione in quanto racconta una storia, quindi scegliere i colori è una delle cose che preferisco fare. In “Le mal du pays”, il colore rosso che ho usato è la stessa tonalità di rosso sulla bandiera montenegrina, ha un significato simbolico stretto per me e per il mio paese d’origine.Ultimamente ho lavorato solo nella maniera monocromatica. Usando solo il colore blu come nel mio lavoro “The Theory of Youth”. Il blu è un colore che trovo molto affascinante perché è un po’ difficile da trovare in natura, inoltre usare una sola tonalità mi fa lavorare in modo diverso e mi fa concentrare molto di più sulla tecnica del disegno.

The Theory of youth, 2020, stampa su tessuto, 3 elementi, cm.140×190, ph.credit Nikola Filipovic

Qual è la genesi dei tuoi lavori? Quali sono le tue fonti di ispirazione e come procedi dall’idea fino all’opera finita?

Non ho un ordine specifico nelle cose che faccio. Di solito mi siedo e inizio a disegnare il più possibile. Penso sempre in anticipo agli aspetti tecnici del lavoro, amo ricercare le schede e le combinazioni di colori. Non sono una persona molto organizzata, quindi c’è sempre molto da cancellare, rifare e ricominciare da capo. Questo è un aspetto su cui sto lavorando su me stesso. Faccio anche fatica con la procastinazione, penso che sia uno dei miei peggiori difetti, specialmente quando si tratta di alcuni degli aspetti più precisi del lavoro, finisco sempre le cose che trovo divertenti prima, poi mi ci vogliono giorni per approfondire alcuni dettagli, solo perché non mi piace tanto quella parte del processo. La mia ispirazione principale viene dai miei ricordi d’infanzia e dai miei amici e familiari, le persone che mi circondano.

Quali sono – se ci sono – gli artisti o i movimenti che ti hanno influenzato o che senti più affini alla tua ricerca?

La prima persona che mi viene in mente è decisamente Louise Bourgeois. Soprattutto il suo lavoro tessile. Mi piacciono gli argomenti che elabora attraverso le sue opere, la famiglia, la sessualità, il corpo, la morte e l’inconscio. Quando ho visto per la prima volta le sue opere dal vivo, ne sono rimasto così affascinato, non riuscivo a distogliere lo sguardo. Ha detto spesso che questi temi si collegano agli eventi della sua infanzia, che considerava un processo terapeutico, e da quando ho letto quelle parole mi sono rimaste fortemente impresse.

L’altra persona di cui amo il lavoro è sicuramente Fernando Botero. Non ancora trovato un singolo suo lavoro che non mi piaccia. Penso che abbiano un fascino universale, essendo incentrati su personaggi e situazioni, sia pubbliche che private, che le persone ovunque sulla Terra possono riconoscere. C’è qualcosa di così divertente e satirico nel suo lavoro che mi attrae fortemente.

E infine Vojo Stanic, è probabilmente uno dei pittori più importanti montenegrini. Quando ero bambino i miei genitori mi hanno portato a una delle sue mostre e mi sono innamorato del suo lavoro. Gli argomenti dei caffè, del mare o di casa sono spesso mescolati con dei dettagli surreali o di relazioni fantasiose di personaggi e oggetti, che mi hanno fatto sognare di diventare un artista un giorno.

A quale progetto stai lavorando in questo periodo? E ce n’è uno in particolare a cui vorresti dare concretezza in futuro?

Ultimamente sto lavorando principalmente con la lana. Sto sperimentando combinazioni di feltro e ricamo. Per me la lana è una fibra molto interessante, e mi piacerebbe saperne di più sulle sue proprietà, vorrei anche iniziare a usare solo lana prodotta localmente. L’altra mia passione è la tecnologia, quindi attualmente sto seguendo alcuni corsi sull’arte digitale, e spero di riuscire a creare progetti di successo combinando i miei due interessi, arti tessili e tecnologia. Al momento sto lavorando a un progetto site specific per Il Museo Civico Medievale di Bologna. È diverso da tutto ciò che ho fatto fino ad ora sia nella dimensione che nella tecnica, quindi spero che sia un successo.

What the water gave us, 2018, ricamo a mano, 6 moduli cm.30×30, ph.credit Ghazal Kohandel