Intervista con Denise Labadie

Artista e insegnante tessile riconosciuta a livello internazionale, Denise ha iniziato a creare art quilts negli anni’90. Il suo lavoro è stato esposto in mostre nazionali ed internazionali di prestigio e pubblicato in numerose riviste di settore. 

Diane ha un profondo legame con l’antico paesaggio irlandese. I soggetti dei suoi art quilts sono rappresentati da imponenti pietre megalitiche, dolmen, croci celtiche e rovine di antiche chiese. L’enigmatica cultura megalitica porta con sé la sensazione di essere di fronte ad un grande rebus storico ancora irrisolto che esercita una magica attrazione sull’artista. Questi gli elementi che fondano il suo lavoro e informano la sua poetica, e che con abilità e passione Denise propone in infinite diverse sfumature attraverso il medium tessile.

Per onorare al meglio queste antiche icone, per esprimere gli stati d’animo e le texture inerenti a questi complessi paesaggi, utilizza una grande varietà di colori, tessuti e fili. Dipinge e trapunta a mano ogni pietra per ottenere l’aspetto più realistico possibile, mentre sviluppa i paesaggi più astratti utilizzando una tecnica di stripping che imita in modo unico l’intimità, le ombre, i toni e quelle tonalità cromatiche così comuni alle viste irlandesi. 

Questo il link al sito web dell’artista: 

https://labadiefiberart.com/ 

Denise Labadie

Denise, come (e perché) ti sei avvicinata al quilting? Perché la scelta di questa tecnica come mezzo per esprimere la tua creatività?

Ho sempre amato sia il tessuto – toccandolo, creando con esso – sia il cucito. Ho iniziato a cucire abiti da bambola da bambina, e sono diventata una sarta professionista fin dall’inizio. Mi piace ancora stare alla macchina da cucire, lavorare con i tessuti fino a tarda notte

Lavorando come sarta professionista però, alla fine ho voluto smettere di cucire per altre persone e concentrarmi invece sull’uso della mia abilità artigianale come punto di partenza per creare la mia arte. All’epoca non sapevo quale potesse essere il tema di quell’arte o dove mi avrebbe potuto portare…solo che avrebbe coinvolto il cucito e il tessuto.

L’arte del quilting mi ha dato l’opportunità di usare il cucito per creare arte in un modo completamente nuovo, ma comunque attraverso le abilità manuali.

Per anni ho trapuntato a mano, piccoli pezzi patchwork tradizionali come hobby. Poi ho visto cosa creavano le persone usando tessuti moderni con modelli tradizionali. Ho anche visto come l’avvento e la libertà di taglio della taglierina a rotella permettesse di allontanarsi dai modelli rigidi. Il risultato è stato un’opportunità creativa sfrenata e in precedenza non disponibile. Sono rimasta affascinata da tutto questo.

Così ho iniziato partendo dal cucito, piuttosto che vedere il quilting artistico come l’unico mezzo in grado di permettermi di realizzare o raggiungere una particolare o preconcetta visione artistica. Invece, volevo vedere come avrei potuto fondere e integrare tutte queste tendenze del cucito,  tessuto,  tecniche e artistiche in continua evoluzione, insieme alla mia abilità artigianale, rendendo mio il collage che ne risultava.

Quando ho scoperto e ho deciso di dedicarmi al quilting artistico (all’inizio degli anni ’90), ero già abbastanza competente come sarta, ma avevo poca formazione artistica. Credevo, tuttavia, (e lo faccio ancora di più che mai) che un’artista deve essere pienamente istruito nelle basi, ed essere assolutamente sentirsi a suo agio con il mezzo scelto e (almeno un insieme minimo di) tecniche associate, per permettere alla propria creatività non solo di emergere pienamente – senza pensiero consapevole o vincolo indebito – ma anche di “vedere” soluzioni compositive che altrimenti potrebbero rimanere inascoltate. Così ho sviluppato e seguito un piano deliberato per acquisire “le basi”. Prima di produrre la mia prima trapunta d’arte, ho seguito non solo corsi di “come si trapunta”, ma anche corsi di design e d’arte selezionati che coprivano argomenti chiave (ad esempio, disegno, pittura, composizione, colore, prospettiva, ombreggiatura e simili) di cui sapevo che alla fine avrei avuto bisogno.

È importante sottolineare che volevo prendere lezioni per imparare sia la composizione che le tecniche specifiche, non per imitare altri artisti. Sapevo che alla fine avrei creato il mio stile unico, e non volevo essere influenzata indebitamente da una particolare “scuola” di pensiero o personalità.

Questo ancora prima che io scoprissi le pietre (vedi la prossima domanda sulla mia attenzione per le pietre).

Il mio stile di quilting ha cominciato a prendere piede. Pietre e rovine sono diventate la mia passione, e il mio approccio al quilting ha guadagnato attenzione. Ho anche capito che un’arte “di successo” richiede una forte interazione tra ispirazione e focalizzazione personale, uno stile, un “marchio di fabbrica” e l’uso della propria arte e del mezzo scelto per raccontare storie avvincenti in modi particolarmente efficaci o memorabili – il risultato è un’emotività, e speriamo un’anima ricca, che può togliere il fiato allo spettatore.

Quando mostro le mie trapunte vedo spesso lo spettatore diventare sorprendentemente emotivo (non più sorprendente per me, ma certamente sorprendente per loro!) È meraviglioso. L’arte deve essere più che “interessante”. Deve in qualche modo muovere lo spettatore, evocare emozioni, sembrare vivo, farti sentire o ricordare qualcosa di importante, farti desiderare di andarci, farti desiderare di esserci ora, nel momento.

Queste reazioni e risposte dello spettatore sono il motivo per cui continuo a fare trapunte e perché la natura a forma libera e la creatività del mezzo artistico del quilting, insieme alla sua sorprendente (e per me, piacevole) dipendenza dalla tecnica corretta (sia dal punto di vista del cucito che artistico), mi permette di raccontare storie con un’emotività che non potrei mai raggiungere con altri mezzi.

Le tue opere raffigurano paesaggi con pietre o strutture architettoniche in pietra. In ogni caso la pietra è il tuo soggetto, perché? Da dove viene questa necessità?

Sono attratta dalle pietre antiche, dai loro paesaggi e dalle loro storie.

La mia bisnonna è venuta negli Stati Uniti dall’Irlanda, e la mia prima visita in Irlanda ha stabilito un legame profondo. E’ stato durante la pianificazione di una seconda visita che ho visto per la prima volta una foto delle Piper Stones, un cerchio megalitico in pietra di Co. Wicklow, che mi ha fatto venire i brividi. Li ho cercati appena possibile dopo il mio ritorno. Queste pietre – e più tardi molte altre – “parlano con me”, e da allora mi sono concentrata sull’uso della mia arte per cercare di introdurre la persone a queste meravigliose strutture e alle loro storie antiche ed emozionanti. Allo stesso modo mi trovo a contemplare rovine monastiche più recenti (specialmente portali e passaggi).

Le mie trapunte tendono a sottolineare (tematicamente) la permanenza, la stabilità e la continuità, e ricordano memorie di un passato umano in gran parte dimenticato. In ogni trapunta cerco anche di catturare le storie più private di ogni singola pietra – nozioni di atemporalità, pazienza, gloria precedente, magia, età (e invecchiamento), tristezza, abbandono, incuria, abbandono e simili.

Il mio obiettivo è quello di creare “ritratti di pietra” emotivi, umorali e stilizzati.  Alcune delle mie trapunte sono state acquistate come strumenti di meditazione e di guarigione. Le persone mi dicono anche che sentono le trapunte “tirarle dentro”, che vogliono entrare e attraversarle. Le trapunte sembrano far esplodere un nucleo profondo di memorie cellulari, aiutando gli spettatori a ricordare ciò che già intuitivamente conoscono e onorano, ma che possono aver messo da parte o dimenticato.

Questa capacità di impatto multidimensionale sembra essere una capacità e un risultato che l’arte del quilting è in grado di offrire.

La scelta cromatica è principalmente la stessa in tutti i tuoi quilts, ma a volte il colore entra nel tuo lavoro. Bisogno rappresentativo o emotivo?

Recentemente mi è stato detto “quanto sono coraggiosa di lavorare con il grigio”. Ma io non lavoro solo in grigio, o in un solo colore; a ben guardare le pietre sono in realtà piuttosto colorate, riflettendo la complessità della natura stessa (e fornendo alla trapunta una significativa sfumatura materica). Il colore granulare e la complessità materica è al centro del realismo delle mie pietre; al contrario, qualsiasi elemento paesaggistico o cielo è abbastanza astratto (anche se spesso abbastanza colorato), ma è sufficientemente rappresentativo solo per stabilire o rafforzare il contesto e il luogo, senza mai competere con le pietre stesse.

Le storie e l’emotività delle pietre possono essere lievi – spesso solo sussurri – e i colori (e il contrasto e l’ombreggiatura) che uso certamente riflettono questo messaggio. Ma il colore – rappresentativo ed emotivo al tempo stesso – è sicuramente presente, e gioca un ruolo centrale nel disegno complessivo di ogni trapunta.

In cosa consiste il tuo processo creativo?

Il mio stile dipende dalla combinazione e dall’integrazione mirata di una buona pratica artigianale (legata al cucito) e da una forte comprensione dei fondamenti dell’arte.

Questa combinazione mi permette di riunire la mia pittura su tessuto, la costruzione del top del quilt, le tecniche compositive e i soggetti in un modo unico e stilizzato. Mi dà gli “occhiali” per vedere e creare diverse possibilità e soluzioni artistiche che altrimenti non sarebbero visibili.

Conoscere con sicurezza il proprio mestiere, in tutti i suoi aspetti, favorisce la creatività e permette di raccontare storie migliori, più efficaci e più dinamiche possibili. Capire i fondamenti del cucito e dell’arte non è un vincolo. È liberatorio. Permette alla creatività di venire alla ribalta, permette di mostrare il tuo talento innato e rende il tuo lavoro più divertente e più capace di essere apertamente esplorativo e innovativo… devi essere in grado di mettere il “come” e il “cosa” del quilting nel tuo subconscio, lasciando che questa conoscenza ti aiuti a guidare e rendere reale la tua visione creativa.

La tecnica e la conoscenza non sono secondarie all’ “espressione artistica”. Se riesci a combinare una conoscenza di base sull’arte – colore, prospettiva, composizione, luci e ombre, ecc. – con buone tecniche di cucito e di costruzione, la tua creatività espressiva si scatena.

L’arte non richiede una rigorosa aderenza alle basi, ma richiede una rigorosa comprensione delle basi.

Giocare con le basi – una volta comprese – ti permette di far evolvere ulteriormente il tuo stile, e (speriamo) rendere il tuo lavoro memorabile (in senso buono!). E proprio come una conoscenza di base del tuo mestiere accresce la creatività, la creatività è esaltata anche dai vincoli imposti dal lavoro verso uno stile inconfondibile. Ad esempio, sia la prospettiva che la “gestione della luce” (ad esempio, illuminazione, ombreggiatura e contrasto, cambiamenti di colore con la profondità, caduta dell’intensità luminosa, etc.) sono diventati elementi centrali nelle mie composizioni, ma sono davvero difficili per me.  Con ogni trapunta cerco di spingere entrambi gli elementi a nuovi limiti compositivi (e quindi stilistici). Affrontare le mie debolezze mi rende più creativa, permettendo uno stile personale in continua evoluzione. Non riesco a immaginare come potrei affrontare questi limiti – o peggio, non rendermi conto di essi – senza il beneficio della mia precedente formazione.

Infine, mi affido anche all’intuizione. Molto. Il che, naturalmente, è favorito dalla tecnica e dall’abilità manuale. Un circolo virtuoso. L’intuizione sono le pietre che mi parlano.

“Irish Stone Fort Ruin”, 2010, 40″ wide x 48″ high, copyright Denise Labadie

Quali tecniche utilizzi per realizzare le tue opere? Perché hai scelto di tingere i tessuti?

Io uso una grande varietà di colori, tessuti, fili e filati nel mio lavoro, costruendo la trapunta come un muratore costruisce un muro – nel mio caso, dimensionando e ritagliando individualmente, riattaccando e applicando ogni pietra, una per una, lavorando dal basso verso l’alto. Penso che questo mi permetta di creare trapunte più realistiche e interessanti, e mi permetta anche di onorare i costruttori originali.

Non c’è molto tessuto commerciale, quindi con i tipi di colori, texture, profondità e complessità di cui ho bisogno per le mie pietre (o paesaggi e cieli), dipingo a mano quasi tutto il mio tessuto. Non uso coloranti. La pittura è atossica e mi permette – utilizzando più strati di vernice trasparente, più varie resine –  di ottenere  complessità strutturali (simili alla pietra vera e propria) che altrimenti non potrei ottenere. Faccio tutto il necessario per agire in modo efficace e determinare l’assorbimento, la diffusione, la miscelazione, la mescolanza, il disegno o le macchie di diverse vernici. I tessuti che ne risultano possono essere davvero interessanti.

Di solito decido in anticipo la tavolozza dei colori che voglio usare per ogni composizione e inizio a lavorare da lì.

In genere lavoro anche a partire dalle foto – non come modello, ma più come guida approssimativa per aiutare con la prospettiva e l’illuminazione.

Come notato sopra, una volta che ho la mia tavolozza di tessuti specifici per il quilt, ritaglio e applico individualmente le mie pietre. Utilizzo diverse tecniche di appliquè. L’obiettivo è rendere le mie pietre il più realistiche possibile. L’appliqué con bordo girato (turned edge appliqué) aiuta le pietre sullo sfondo. L’appliquè a bordo grezzo (raw edge appliqué) fa esattamente il contrario (in quanto tende ad appiattire e a fondere gli oggetti). E l”applique reverse permette la creazione di “micro” ombreggiature e texture, dando ad ogni pietra una dimensionalità e una “personalità” altrimenti impossibile. Spesso metto insieme due o addirittura tutte e tre le tecniche sulla stessa trapunta, a seconda dell’effetto che sto cercando di ottenere.

In contrasto con il realismo delle mie pietre, i miei cieli e paesaggi – che sono centrali nel contesto del luogo e dell’atemporalità di questi luoghi sacri – sono molto più astratti. Per i miei paesaggi uso il free-form strip piecing (e il couching)  integrando sottili pezzi orizzontali del mio stesso tessuto dipinto a mano, finiture, filati, batik, sete, metallizzati, qualsiasi cosa… in un insieme di colori e texture. I cieli possono essere a strisce o basati su singoli (grandi) pezzi di tessuto dipinto ad hoc.

Ti ricordi il tuo primo quilt? Quali sono le differenze con il tuo ultimo lavoro?

Sì. Prima ancora di sapere di essere attratta dalle pietre, il mio primo grande progetto è stato in realtà un tradizionale patchwork irlandese a catena, che ho modificato e rielaborato per far sì che le diagonali siano muri di pietra che racchiudono piccoli campi liberi. Chi lo sapeva?

Poi, durante il mio secondo viaggio in Irlanda, ho visitato il sito di Piper Stones. Sono rimasta incantata dalle pietre. La mia successiva trapunta fu basata su questo tema, e da allora non mi sono più fermata- il mio portafoglio attuale conta più di 50 trapunte di pietra.

Anche il mio lavoro continua ad evolvere. La mia capacità di raccontare storie è notevolmente migliorata, la mia gestione della texture e del colore è molto più sfumata, e la mia comprensione della prospettiva e dell’illuminazione – sempre le mie sfide più grandi, ma che sono anche le tecniche che per molti aspetti definiscono il mio lavoro – sta finalmente iniziando a maturare.

La differenza più grande tra l’inizio e oggi è che ora ho uno stile vero e proprio che porto al mio quilting, mentre all’inizio non avevo ancora sviluppato alcun tipo di tema o estetica. La mia passione, tuttavia, è più forte che mai come lo è la mia abilità in continua evoluzione di raccontare storie sempre più avvincenti ed emozionanti.

Quali sono i tuoi progetti futuri? A cosa stai lavorando?

Ora e in futuro …. lavorerò con le pietre – raccontare più storie; affinare ed evolvere le mie tecniche; comunicare ancora di più l’emozione; ampliare e dare ancora più enfasi a portali e passaggi.