Intervista con Robb Putnam

*Out-of-Towner, wool, thread, glue and mixed media 38″ x 40″ x 19″ 2017. Photo courtesy of Walter Maciel Gallery

Le opere di Robb Putnam coinvolgono l’osservatore in un gioco ambiguo di attrazione e repulsione da cui non riesce più a liberarsi. I suoi lavori danno forma alle emozioni umane più profonde, indagando  luci e ombre, sul confine misterioso tra inferno e paradiso.

Mutt, fabric, plastic, leather, vinyl, thread, glue, acrylic medium and mixed mediums. 82” x 34” x 68” 2008. Photo courtesy of Walter Maciel Gallery

Stray, fabric, plastic, leather, vinyl, thread glue, acrylic medium and mixed mediums. 109” x 54” x 45” 2008. Photo courtesy of Walter Maciel Gallery

Attrazione e repulsione, tenerezza e paura, luce e ombra: i vostri animali domestici danno forma a contraddizioni e ambivalenze. Cosa ci raccontano questi lavori? Come sono nati?

Sono molto interessato alle dualità nel mio lavoro. Per me è importante che ci sia qualcosa di sincero in loro, che comunichino un senso di vulnerabilità ma anche emozioni umane contraddittorie. Sono quasi sempre parzialmente in disordine, sembrano a malapena tenersi insieme, mentre comunicano ancora una presenza viva. Mi interessa trovare uno spazio liminale e maturo che suggerisca che le superfici delle opere si uniscono e si disfano, o addirittura si scompongono. Creando opere che abbiano un mix di qualità scoraggianti e seducenti, spero di creare una risposta emotiva in cui lo spettatore è attratto dall’opera solo per essere respinto e poi risucchiato. La mia speranza è che gli spettatori trovino qualcosa di  nuovo in se stessi attraverso ogni ri-esperienza dell’opera.

Qual è il processo creativo dei tuoi lavori? Come si procede dall’idea all’opera d’arte finale? Quali sono le fonti di ispirazione da cui è nata l’idea?

Il mio processo è intuitivo. Passo il tempo a abbozzare idee per sculture, ma raramente lavoro direttamente da schizzi. Spesso parto dall’idea del tipo di cosa che voglio realizzare, eppure i lavori in corso diventano quasi sempre qualcos’altro man mano che si uniscono. È importante dialogare con il mio lavoro durante la sua realizzazione e permettere alla scultura di dirmi cosa deve diventare. A volte inizio con una massa di materiale e comincio a costruire lentamente intorno e sopra di essa fino a quando un’immagine inizia a emergere. Mi regolo mentre vado.

Quali materiali e quali tecniche utilizzi per i tuoi lavori? Come scegli i materiali?

Il cucito è parte integrante del mio lavoro. Cucio a mano e uso anche una macchina industriale.

Cucire è più di un metodo per unire i frammenti e costruire una forma. Per me, cucire è un modo per imprimere emozioni sulla pelle delle mie sculture, nonché un mezzo per integrare la trama della superficie nel mio lavoro. Di solito lascio i fili appesi per mostrare le tracce della realizzazione delle sculture e suggerire una sorta di disfacimento che circonda i pezzi.

Proprio come gli animali spazzini che spesso ritraggo nel mio lavoro, sono un avido spazzino di materiali. Nel corso degli anni, ho raccolto materiali da pile di roba  gratuita, negozi dell’usato e negozi di recupero. Mi è stato offerto anche materiale da amici e altri che hanno familiarità con il mio lavoro.

È importante che ci sia una storia di tatto per la maggior parte dei materiali che uso perché penso che ci sia una risonanza nei materiali che hanno già una storia. Sono anche noto per usare i miei vestiti, coperte, bagagli e altri oggetti personali nel mio lavoro. Altri materiali che ho usato includono zaini, vecchi guantoni da boxe, tende e paracaduti. Conservo gli avanzi e gli avanzi di progetti passati nei contenitori e li riutilizzo anche nelle mie sculture.

Alcuni tuoi lavori di qualche anno fa erano molto grandi (per esempio quelli esposti in occasione della tua mostra alla Walter Maciel Gallery di Los Angeles). Gli ultimi lavori hanno una dimensione molto più piccola. È cambiato il tuo rapporto con le opere e il rapporto artista/opera/spazio?

Negli ultimi 12 anni ho oscillato avanti e indietro tra opere di grandi e piccole dimensioni. Quando stavo realizzando sculture di cani su larga scala, ero interessato a usare la scala come un modo per creare un rapporto difficile con lo spettatore e la scultura, uno che avrebbe suscitato un mix di emozioni contraddittorie. Recentemente ho sentito il desiderio di connettermi con i materiali e gli argomenti in un modo più intimo, soprattutto dall’inizio della pandemia. L’isolamento di quel periodo mi ha reso molto riflessivo. Era come se il mondo stesse diventando più piccolo, restringendosi intorno a me, e ho risposto realizzando opere che erano tentativi di trovare un senso di concentrazione e intimità in quel senso di piccolezza.

C’è qualcosa di autobiografico nelle tue opere?

I miei lavori sono autobiografici e, in molti casi, possono essere visti come riflessioni sull’esperienza dell’infanzia dal punto di vista di un adulto. Sono cresciuto come un bambino un po’ isolato ed ero molto coinvolto nel mio mondo immaginario. Un animale con cui ho un rapporto speciale è il coniglio. Da bambino, immaginavo di essere circondato da un cerchio di conigli spirituali. Erano i miei protettori e potevo mandarli nel mondo per difendermi dalle minacce infantili come i bulli. Ho anche avuto un amico immaginario che era un coniglio rosa gigante di nome Wombly che è servito come fonte diretta di ispirazione per molte opere d’arte, in particolare l’Orphan Suit e i pezzi di coniglio. All’età di 16 anni, sono stato inseguito da un orso. Da allora, ho sogni ricorrenti di orsi che rappresentano una minaccia e mi proteggono allo stesso tempo.

È così che sono nate le sculture di orsi. Nel tempo i diversi animali sono diventati il ​​punto di partenza di un linguaggio fluido, un pantheon di personaggi animali in grado di mutare e cambiare forma. Per me rappresentano sia i totem dell’esperienza vissuta che gli amici immaginari.

Quali sono le riflessioni più frequenti che i tuoi lavori suscitano nel pubblico?

Alcuni dicono di trovare il mio lavoro inquietante, probabilmente a causa della crudezza delle superfici. I rosa che uso spesso sono a volte interpretati come carne esposta. Alcuni dicono che evocano le paure dell’infanzia.Altri vedono la giocosità e la fantasia nelle opere. Ho incontrato spettatori che chiedono il permesso di abbracciare alcune delle mie opere più grandi. Ho sentito alcuni adulti dire che le mie sculture farebbero impazzire i bambini, ma ho notato che molti bambini le trovano piuttosto invitanti… per nulla scoraggianti o minacciose.

La serie più recente a cui stai lavorando è la serie ORPHAN SUIT. Puoi dirmi di più su questi lavori? Cosa sono, cosa significano e soprattutto hanno un rapporto con il periodo difficile che abbiamo attraversato nell’ultimo anno?

Queste opere suggeriscono il senso di essere stati un tempo abitati da un bambino che se n’è andato. Non sono solo costumi, ricordi di Halloween passati e feste: innocenti, deliziosi e sciocchi. Gli Orphan Suit sono come la pelle di cui un serpente diventa troppo grande e che deve liberarsi. Un abito orfano è costruito attorno a un vuoto. Qui, il vuoto non è un buco nero illimitato e minaccioso, ma è circondato da strati di tessuti morbidi con trame elaborate.  Ogni frammento di materiale rappresenta un accumulo di esperienze vissute. I materiali di scarto e dismessi in ogni pezzo rafforzano il senso di abbandono e la fretta del tempo. Suggeriscono anche l’ingegno di un bambino per costruire con i materiali a portata di mano. Il mio uso delle cuciture ricorda l’opera di un sarto o di un chirurgo. Qui un ago può riparare o guarire.  C’è un implicito ottimismo in ogni opera. Sì, l’occupante ha superato il suo guscio, ma questo faceva parte del corso naturale della maturazione, una rigenerazione che è trionfante e piena di speranza. Il capriccio è abbinato al terrore poiché tutti portiamo una certa quantità di oscurità dentro di noi, che si tratti di solitudine o perdita, che possiamo abbracciare e persino superare. C’è una saggezza nel guardare indietro alle esperienze passate e ai meccanismi di coping che un bambino userebbe.

La natura autoriflessiva di queste opere e il senso di isolamento che comunicano è stata parzialmente influenzata dal senso di disconnessione e da un forte desiderio di riconnettersi nato dagli effetti della pandemia.