Interview

Jacobo Alonso

*Featured photo: “Periplos” Isothermal emergency blanket and laser cut 102 x 67cm, 2018

Jacobo Alonso was born in Mexico in 1984. He graduated in Computer Systems from UPAEP, Puebla, and in Visual Arts from UABC, Baja California, and completed his education at the University of Rennes 2 in France.

His work has been exhibited at the LA Art Show Contemporary Art Fair in Los Angeles, CA., the Biennial of Contemporary Textile Art in Portugal, the 16th International Tapestry Triennial in Poland, and the 10th Lucca Biennial in Italy. His works are part of permanent collections, including the Bugatti-Segantini International Collection, LUMEN, Homeira Goldstein and the Bank of Mexico Collection.

Starting from the body, the core of his artistic research, Alonso investigates a plurality of existential and social issues through works that combine formal rigour, material experimentation, and breadth of content.

He has taken part in various exhibitions in Mexico, Finland, the United States, England, Hungary, Italy, France, Portugal, Poland, Spain, Slovakia, the Czech Republic and Germany.

Alonso was recently selected to participate in Fiberart International 2022 which will be held June 3 – August 20 at the Brew House Association and Contemporary Craft in Pittsburgh, Pennsylvania.

In this interview for ArteMorbida, he tells us his story.

“Pietà” Laser cut modules of polyester felt assembled and stitched by hand. 125x85x85cm, 2020-2021

From Computer System studies to fiber art: What path led you from one to the other, and how do you combine these two mediums in your current artistic practice?

 

– I worked for a couple of years in Computer Systems while doing a master’s degree in Technologies, and during this time, I questioned the way in which we use a technical language to program/define the actions/reactions of the programs. When I decided to study Arts, I was also constantly questioning the new processes that I was oblivious to, questioning the materials and the way in which I could use them. When I had to develop a project, I started by questioning what was closest to me, my body.

Questioning “the body” has guided my production in the use of materials that conceptually help me in the representation of a body closer to ours; the textile – due to its qualities – allows me to speak of a body that bends, rests, ages, and it tears in the same way ours does.

At the beginning of my studies in Arts, I put aside all kinds of technology, but it was the work with stone in sculpture and engraving that I returned to the use of technological tools to be able to control and obtain the results I was looking for. Now 50% of my work is design and 3D modelling.

“Laocoön and His sons” Laser cut modules of polyester felt assembled and stitched by hand. 95x170x70cm, 2021
“Laocoön and His sons” detail. Laser cut modules of polyester felt assembled and stitched by hand. 95x170x70cm, 2021
“Laocoön and His sons” detail. Laser cut modules of polyester felt assembled and stitched by hand. 95x170x70cm, 2021

How do you get to the finished artwork from the moment you begin to mature an idea? How does its genesis proceed – the choice of materials, techniques, the outline of a project, the variations in progress?

 

My process begins with an idea related to the body, the central axis of my production is the different meanings with which it is referred to. That defines it.

I investigate this idea; what interests me about it? What displacements can you have in the discipline? What has been done about this issue? Along with my research, I make an archive of texts and audiovisual images that could be used to represent the idea. I analyze my file and references thinking what material and what physical characteristics are indicated to conceptually represent my idea. 

This is where my process becomes a rhizome, design and model in the computer to make tests on various materials; these results on the different materials give me physical information given the characteristics of each material, this process is of the utmost importance because new explorations and ideas with each material given its behaviour, something that does not happen in digital design.

The process is not a formula; there are times when I start working directly with a material, with its physical characteristics, its social, symbolic and psychological context, size, texture or composition. But always questioning what approach it has conceptually with the body.

“Isomorfo V” Laser cut modules of polyester felt assembled and stitched by hand. 68x60x25, 2020. Work participant at the International Biennale of Textile, Poznan, Poland 2021.

The theme of the body is one of the recurring themes that you investigate through your artistic research. What is the body?


Transfiguration. You are a body even before you are born and also after you die. Everything in the midst of these events is a constant change. The body is a vehicle, an experience, a tool, a problem, and ourselves. The body is one’s own; it is the agent; it is what allows us to have the experience of the world, material and sensible, the experience of other bodies. It is a paradox of itself; we assume what we are because the other confirms them to us.

“Isomorfo III” Laser cut modules of polyester felt assembled and stitched by hand. 55x40x25cm, 2020.

The body and its mutations imprinted by movement are at the centre of the research you have developed by creating sewn felt works. This fluctuation gives the bodies dilated, sometimes monstrous, shapes. What is the relationship between the concept of ‘body’ and the real body in constant, continuous mutation – a theme that you also investigate in INTERSTICES?


When I started working on this textile series, I did extensive research on the body in sculpture, who had defined these canons, and how they had changed through the filter of time. The sculpture and the materials that were used for the representation of the body thousands of years ago, have arrived stunned/static, a moment for eternity.

I am interested in working with the body we inhabit, which continues to be investigated to date, a living organism that stretches, moves, changes color due to mistreatment, becomes sick, tears and dies. I am looking for a representation that can teach something about ourselves, where the material is the medium.

An interstice is a cleft or space, between the same body or other bodies. Working on my production of body impressions, I noticed that there were gaps, negative spaces of my own body that I did not know, that I had not seen in detail. Which led me to formally develop this series of bodies that are joined to the background by small cuts that go through the background and the shape, in a metaphor of constant change.

INTERCORPO is a series of works in which the reconfiguration of the body takes shape through fragments of radiographs with which you create large tapestries. The body thus becomes an object that has been deconstructed and reconstructed according to different parameters. What is the reflection on the basis of this art project?

 

During the production process, it is the problems that make me question the materials, what I want a material to do, that leads me to explore new materials, this is not fast, sometimes it takes me several months. Things don’t work out the first time, and there is a very important technical learning process for me.

Making body impressions from fumage – technique with smoke – on paper is time-consuming and physically exhausting. Working on a series that began as collages – Intercorporeity – based on body impressions, I started from the idea of ​​reconfiguring the body; cutting it and joining it together, but the paper that I use for prints did not work for this new process. It was this need that led me to rethink my materials, investigate what other object had these characteristics and that would also allow me to have the strength to cut and sew it to itself.

X-rays are a resistant material, with physical, symbolic and social characteristics that are immediate to the body; an internal body, wounded and reconstructed from bone cells to muscle fibers, weaving together in the same way as a tapestry. 

“Periplos – Migration Routes in La Bestia” Isothermal emergency blanket and laser cut 160 x 210 cm, 2018

And the body is still the cornerstone of the works of the PERIPLOS series inspired by the routes of migrants for which it constitutes the only belonging. A project in progress with the latest works representing the escape routes from the war in Ukraine. Can you tell me about this project?

 

This project has been cooking slowly, but it is seeing the light now. It was from a camp in 2014 that I had contact with this material – emergency isothermal blankets. Prior to this the material was irrelevant to me, the person I was camping with told me I would need an emergency blanket for safety. When I got to know the material, I was struck not only by how thin the material was, its colors and use; it was made to save lives. In a way, creative thinking sharpens your perception about the potential of materials, the exercise of creation takes place every day.

In 2016 thousands of Haitian migrants arrived at the northern border of Mexico, I was living in this part of the country, this migratory event and what it brings with it made me analyze the situation, the people, the flowcharts, routes and problems in the massive displacement of bodies, which is normal in nature, but is a phenomenon when there is a political-social-economic problem.

Today other causes are added as reasons for migration; population density, new diseases, climate change, and sadly the war in Ukraine.

These movements generate routes, images of flow, migratory geographic maps – maritime and terrestrial – which I use to create a textile design and pattern, based on textile design patterns of the traditional clothing of the migrant’s place, to cut later in isothermal blankets and emergency ponchos.

“Periplos Poncho – Ukranian Migration Routes” Isothermal emergency poncho and laser cut 125x120x20cm, 2022
“Periplos Poncho – Ukranian Migration Routes” back. Isothermal emergency poncho and laser cut 125x120x20cm, 2022
“Periplos Poncho – Mexican Migration Routes” Isothermal emergency poncho and laser cut 125x120x20cm, 2021
“Periplos Poncho – Mexican Migration Routes” back. Isothermal emergency poncho and laser cut 125x120x20cm, 2021

How has your research and your artistic practice evolved over time? What are the factors that have most influenced your art?


Without a doubt, the greatest evolution I have seen in my production is the discursive articulation from the material and conceptual reflections of the body. What has allowed me to move in different media such as performance – graphics – sculpture and installation, exploring unconventional materials in the arts or techniques that go from the strictly manual to the digital and vice versa.

There have also been external factors, or factors that I cannot control, that have forced me to modify and look for alternatives or ways of producing. For example; the shortage or increase in the cost of materials, the space required in the sculpture to produce it and store it, etc. These challenges force you to think differently, to propose more practical or executable solutions, and in the long run, they are part of the basic questions you ask yourself when you are working. Is it the best solution? o Is there another way to do it better?

“Entidades Corpóreas” Fumage and direct body impression in couché paper. Díptych, 193 x 63 cm, 2017

In your opinion, what is the role – and the responsibility – of art and of the artist towards contemporary instances?


I have always considered that art is a language, with it you can make poems or offend. It is not the means, it is the way of using it, and doing so becomes a responsibility.

The responsibility of the artist and of art is to have a conscientious and critical posture towards the society of which he is a part or the one that receives the work and the spaces in which it is developed. Being a creator is not a passport to do anything, the power of communication that it possesses is the responsibility of the person who produces it.

Contemporary art is a child of its own time, and much of what we see today will not pass the filters of history, but for those of us who experience it in real time it will be part of our short-term memory that marks the horizon of the observer and the one who is observed.

“Irruption XXVII” Fumage and direct body impression in couché paper. Políptych 180x250cm, 2019

Who is the artist Jacobo Alonso today and what does he see in his future?


I am a person who works like any other, discipline is very important for a creator. I maintain a need for constant learning in favor of my professional development, I think I learn a lot travelling, especially to appreciate the fact that we all see the same things differently. That museums are more than collections of old things are an opportunity to see through the eyes of those who built the world for us.

Historically, traveling has been a way of carrying and bringing knowledge, it is my favorite way of learning and sharing, in the future I would like to do it from another place outside of Mexico.

“Irrupción XVII” Fumage and direct body impression in couché paper Diptych, 180 x 125 cm, 2017

Bio

 

Jacobo Alonso. Mexico 1984. Bachelor of Computer Systems from UPAEP and Bachelor of Fine Arts from UABC, Mexico. From 2014 to 2015, he studied at the University of Rennes 2 France. He is a member of the National System of Creators FONCA 2020 – 2023 in the discipline of sculpture. Beneficiary of the Young Creators FONCA program 2016-2017. Professor in the Bachelor of Arts and Design at UNAM, ENES Morelia. He has participated in different exhibitions in Mexico, Finland, the United States, England, Hungary, Italy, France, Portugal, Poland, Spain, Slovakia, the Czech Republic, Germany, Korea, Malaysia and China. His work has been shown at the Biennial of Contemporary Textile Art in Portugal 2018, at the 16th International Tapestry Triennial in Lodz, Poland 2019, at the 10th Biennial Lucca in Italy 2021, at the Cheongju International Biennale in South Korea 2021, at the International Paper Biennale in Shanghai 2021, at the International Textile Biennale in Poznan, Poland 2021 at the International Triennial Textile Art of Today, Slovakia 2021, at the International Triennial of Paper in Deggendörf, Germany 2021, at the International Triennial Mini Textile in Angers, France 2021, at the International Fiber Art in Pittsburgh, USA 2022, among others, his work is part of the Bugatti-Segantini Collection, Italy. LUMEN Collection, Mexico. Bank of Mexico Collection, and Homeira Goldstein Collection, USA. 

“Breather” Laser cut modules of polyester felt assembled and stitched by hand. 60x120x20cm, 2020. Work participant at the “ International Exhibition: Korean Society of Color & Form 2021
Interviste

Jacobo Alonso

*Foto in evidenza:“Periplos” Coperta di emergenza isotermica e taglio laser 102 x 67 cm, 2018

Traduzione a cura di Elena Redaelli

Jacobo Alonso è nato in Messico nel 1984. Laureato in Computer Systems all’UPAEP, Puebla, e in Arti Plastiche all’UABC, Baja California, ha completato la sua formazione presso l’Università di Rennes 2 in Francia.

Il suo lavoro è stato esposto alla LA Art Show Contemporary Art Fair di Los Angeles CA., alla Biennale di Arte Tessile Contemporanea in Portogallo, alla 16a Triennale Internazionale di Arazzi in Polonia, alla 10a Biennale di Lucca in Italia.

Le sue opere sono in diverse collezioni permanenti tra cui la Collezione Internazionale Bugatti-Segantini, LUMEN, Homeira Goldstein e la Collezione della Banca del Messico.

Partendo dal corpo, perno della sua ricerca artistica, Alonso indaga una pluralità di temi – esistenziali e sociali – attraverso opere che coniugano rigore formale, sperimentazione dei materiali e spessore di contenuti.

Ha partecipato a diverse mostre in Messico, Finlandia, Stati Uniti, Inghilterra, Ungheria, Italia, Francia, Portogallo, Polonia, Spagna, Slovacchia, Repubblica Ceca e Germania.

Alonso è stato di recente selezionato per partecipare alla Fiberart International 2022 che si terrà dal 3 Giugno al 20 Agosto presso la Brew House Association e presso la Contemporary Craft  in Pittsburgh, Pennsylvania.

Gli abbiamo chiesto di raccontarsi in questa intervista per ArteMorbida.

“Pietà” Moduli di feltro di poliestere tagliati al laser, assemblati e cuciti a mano. 125x85x85cm, 2020-2021

Dagli studi in Computer System alla fiber art: qual è il percorso che ti ha condotto dall’uno all’altro e come coniughi questi due medium nella tua pratica artistica attuale?

Per un paio di anni ho lavorato in Computer Systems mentre frequentavo un master universitario in Tecnologie. In questo periodo, ho messo in discussione il modo in cui usiamo il linguaggio tecnico per programmare/definire le azioni/reazioni dei programmi. Quando ho deciso di studiare arte, ho continuato a interrogarmi costantemente sui nuovi processi dei quali ero all’oscuro, indagando i materiali e le modalità in cui avrei potuto utilizzarli. Quando mi sono trovato a dover sviluppare un progetto, ho iniziato a pormi domande su ciò che mi era più vicino, il mio corpo.

L’interrogarsi sul “corpo” ha guidato la mia produzione verso l’uso di materiali che concettualmente mi aiutassero a raffigurare un corpo più vicino al nostro. Il tessuto – per le sue qualità – mi ha permesso di raccontare un corpo che si piega, si riposa, invecchia e si lacera come il nostro.

Inizialmente, durante i miei studi artistici, avevo messo da parte ogni aspetto tecnologico. Successivamente, il lavoro con la pietra in scultura e l’incisione mi hanno riavvicinato all’uso di strumenti tecnologici per poter controllare e ottenere i risultati che cercavo. Ora il 50% del mio lavoro consiste in progettazione e modellazione 3D.

“Laocoön and His sons” Moduli di feltro di poliestere, tagliati al laser, assemblati e cuciti a mano. 95x170x70 cm, 2021
“Laocoön and His sons” detail. Moduli di feltro di poliestere, tagliati al laser, assemblati e cuciti a mano. 95x170x70 cm, 2021
“Laocoön and His sons” dettaglio. Moduli di feltro di poliestere, tagliati al laser, assemblati e cuciti a mano. 95x170x70 cm, 2021

Come arrivi all’opera finita dal momento che cominci a maturare una riflessione? Come procede la sua genesi – la scelta dei materiali, delle tecniche, l’abbozzo di un progetto, le variazioni in corso di realizzazione?

Il mio processo inizia con un’idea relativa al tema del corpo, l’asse centrale della mia produzione sono i diversi significati che vengono attribuiti a questo soggetto. Che lo definiscono.

Indago questa idea, cosa mi interessa del corpo?  Quali divagazioni si possono avere rispetto a questo tema? Cosa è stato già fatto rispetto al soggetto in questione? La mia ricerca è supportata da un archivio di testi e immagini audiovisive che potrebbero essere utili a rappresentare quello che ho in testa. Analizzo il mio archivio e i miei riferimenti pensando a quale materiale e quali caratteristiche fisiche possano essere le più adeguate a rappresentare concettualmente la mia idea.

Qui è dove il mio processo diventa un rizoma. Procedo disegnando e modellando al computer per poi effettuare prove su vari materiali. Questi risultati mi danno informazioni fisiche a seconda delle caratteristiche di ogni materiale. Questo processo è importantissimo perché permette di effettuare nuove esplorazioni e avere nuove idee rispetto a ogni materiale a partire dal suo comportamento; qualcosa che non accade nel design digitale. Questo processo non è una formula; a volte inizio a lavorare direttamente con un materiale, con le sue caratteristiche fisiche, il suo contenuto sociale, simbolico, e psicologico, le sue dimensioni, la sua consistenza o composizione. Alla base però c’è sempre l’indagine del suo rapporto concettuale col corpo.

“Isomorfo V” Moduli di feltro di poliestere, tagliati al laser, assemblati e cuciti a mano. 68x60x25, 2020. Partecipante al lavoro alla Biennale Internazionale del Tessuto, Poznan, Polonia 2021.

Il corpo è tra i temi ricorrenti che indaghi attraverso la tua ricerca artistica. Cos’è il corpo?

Trasfigurazione. Tu sei un corpo ancora prima di nascere e anche dopo la morte. Tutto in mezzo a questi eventi è un continuo cambiamento. Il corpo è un veicolo, un’esperienza, uno strumento, un problema e noi stessi. Il corpo è proprio di ognuno di noi, è l’agente, è ciò che ci permette di compiere l’esperienza del mondo; materiale e sensibile, l’esperienza di altri corpi.  È un paradosso di sé stesso, assumiamo ciò che siamo perché l’altro ce lo conferma.

“Isomorfo III” Moduli di feltro di poliestere, tagliati al laser, assemblati e cuciti a mano. 55x40x25cm, 2020

Il corpo e le sue mutazioni impresse dal movimento sono al centro della ricerca che hai sviluppato realizzando opere in feltro cucito in cui questa fluttuazione conferisce ai corpi forme dilatate, talvolta mostruose. E qual è la relazione tra il concetto ‘corpo’ e il corpo reale in costante, continua mutazione – un tema che hai affrontato anche in INTERSTICES?

Quando ho iniziato a lavorare a questa serie tessile, ho fatto una lunga ricerca sul corpo nella scultura, su chi ne aveva definito i canoni, e come questi erano cambiati attraverso il filtro del tempo. La scultura e i materiali che venivano usati per la rappresentazione del corpo migliaia di anni fa, sono arrivati ad oggi attoniti/statici, un momento per l’eternità.

Mi interessa lavorare con il corpo che abitiamo, che continua ad essere indagato anche ai giorni nostri, un organismo vivente che si allunga, si muove, cambia colore a causa dei maltrattamenti, si ammala, si lacera e muore. Cerco una rappresentazione che ci possa insegnare qualcosa su noi stessi, dove il materiale sia un mezzo.

Un interstizio è una fessura o uno spazio, tra lo stesso corpo o altri corpi. Lavorando sulla mia produzione di impronte di corpi, ho notato che c’erano interstizi, spazi negativi del mio stesso corpo che non conoscevo, che non avevo visto in dettaglio. Il che mi ha portato a sviluppare formalmente questa serie di corpi che sono uniti allo sfondo da piccoli tagli che attraversano il supporto e la forma, in una metafora di cambiamento costante.

INTERCORPO è una serie di opere in cui la riconfigurazione del corpo prende forma attraverso frammenti di radiografie con cui crei grandi arazzi. Il corpo diventa così un oggetto decostruito e ricostruito secondo parametri diversi. Qual è la riflessione alla base di questa ricerca artistica?

Durante il processo di produzione, sono i problemi che mi fanno mettere in discussione i materiali e quello che da loro voglio ottenere, il che mi porta a esplorarne di nuovi; questo non è veloce, a volte ci vogliono diversi mesi.  Se le cose non hanno funzionato la prima volta, c’è una lezione tecnica molto importante da imparare per me.

Fare le impronte del corpo dal fumage – tecnica con il fumo – sulla carta è un lavoro che richiede tempo ed è un processo fisicamente estenuante. Lavorando da una serie iniziata come collage – Intercorporeità – basata sulle impronte del corpo, sono partito dall’idea di riconfigurare il corpo, tagliandolo e unendolo insieme, ma la carta che usavo per le stampe non funzionava per questo nuovo processo. Questa necessità mi ha portato a ripensare i miei materiali indagando su quali altri supporti avessero queste caratteristiche, e che mi permettessero di tagliare e cucire. Le radiografie sono un materiale resistente, con caratteristiche fisiche, simboliche e sociali che sono immediatamente collegabili al corpo; un corpo interno, ferito e ricostruito dalle cellule ossee alle fibre muscolari, tessuto insieme come in un arazzo.

“Periplos – Migration Routes in La Bestia” Coperta di emergenza isotermica e taglio laser 160 x 210 cm, 2018

Ed è ancora il corpo l’elemento cardine delle opere della serie PERIPLOS ispirate alle rotte dei migranti per i quali esso costituisce l’unico bene posseduto. Un progetto in fieri – purtroppo – con le ultime opere che rappresentano i percorsi di fuga dalla guerra in Ucraina. Mi racconti questo progetto?

Questo progetto è stato cucinato lentamente, ma ora sta vedendo la luce. Durante un campeggio nel 2014 sono entrato in contatto con un materiale – le coperte isotermiche di emergenza. Prima di allora questo materiale era irrilevante per me. La persona con cui ero andato in campeggio mi aveva detto che avrei avuto bisogno di una coperta di emergenza, come misura di sicurezza. Quando sono venuto a conoscenza di questo materiale sono stato colpito da quanto fosse sottile, dai suoi colori e dal suo utilizzo ma soprattutto dal fatto che era stato creato per salvare vite umane. In un certo senso, il pensiero creativo affina la percezione del potenziale dei materiali, l’esercizio della creazione avviene quotidianamente.

Nel 2016 migliaia di migranti haitiani sono arrivati alla frontiera settentrionale del Messico, io vivevo in questa parte del paese. Questo evento migratorio e ciò che ha portato con sé mi ha fatto analizzare la situazione, le persone, i diagrammi di flusso, i percorsi e i problemi nello spostamento massiccio di corpi; questo è normale in natura, ma diventa un fenomeno se causato da un problema politico-sociale-economico. Oggi, a queste, si aggiungono altre cause come motivi della migrazione; la densità della popolazione, le nuove malattie, il cambiamento climatico, e purtroppo la guerra in Ucraina.

Questi movimenti generano delle rotte, immagini di flusso, mappe geografiche della migrazione – marittime e terrestri – che io uso per creare un design e dei pattern basandomi sui motivi tessili tradizionali dei vestiti della terra d’origine dei migranti tagliandoli poi in coperte isotermiche e poncho di emergenza.

“Periplos Poncho – Ukranian Migration Routes” Poncho isotermico di emergenza e taglio laser 125x120x20 cm, 2022
“Periplos Poncho – Ukranian Migration Routes” retro. Poncho isotermico di emergenza e taglio laser 125x120x20 cm, 2022
“Periplos Poncho – Mexican Migration Routes” Poncho isotermico di emergenza e taglio laser 125x120x20 cm, 2021
“Periplos Poncho – Mexican Migration Routes” retro. Poncho isotermico di emergenza e taglio laser 125x120x20 cm, 2021

Come si è evoluta la tua ricerca e la tua pratica artistica nel corso del tempo? Quali sono i fattori che hanno maggiormente influenzato la tua arte?

Senza dubbio, l’evoluzione più significativa nella mia produzione riguarda l’articolazione discorsiva nata dalle riflessioni materiali e concettuali relative al corpo. Questo mi ha permesso di muovermi tra medium diversi come la performance – la grafica – la scultura e l’installazione esplorando materiali non convenzionali nelle arti o tecniche che vanno da quelle strettamente manuali a quelle digitali e viceversa.

Ci sono stati anche fattori esterni non controllabili che mi hanno costretto a modificare e cercare alternative per la mia produzione. Per esempio, la scarsità o l’aumento del costo dei materiali, lo spazio necessario per produrre e conservare la scultura, ecc.  Queste sfide ti costringono a pensare in modo diverso, a proporre soluzioni più pratiche o realizzabili e, a lungo andare, fanno parte delle domande di base che ti poni quando lavori. È la soluzione migliore? o C’è un altro modo per farlo meglio?

“Entidades Corpóreas” FFumage e impressione diretta del corpo in carta couché. Dittico, 193 x 63 cm, 2017

Qual è secondo te il ruolo – e la responsabilità – dell’arte e dell’artista rispetto ai temi della contemporaneità?

Ho sempre considerato le arti come un linguaggio, con il quale si può fare poesia o offendere. Non è il mezzo, è il modo in cui lo si usa; il suo utilizzo diventa una responsabilità.

La responsabilità dell’artista e dell’arte è quella di avere un atteggiamento coscienzioso e critico nei confronti della società di cui fa parte o di quella che riceve l’opera e degli spazi in cui si sviluppa. Essere creatore non è un lasciapassare per poter fare qualsiasi cosa, il potere comunicativo è responsabilità di chi produce.

L’arte contemporanea è figlia del suo tempo, e molto di quello che vediamo oggi non passerà i filtri della storia, ma per quelli di noi che la vivono in tempo reale farà parte della nostra memoria a breve termine; segna l’orizzonte di chi osserva e di chi è osservato.

“Irruption XXVII” Fumage e impressione diretta del corpo in carta couché. Polittico 180x250cm, 2019

Chi è oggi l’artista Jacobo Alonso e cosa vede nel suo futuro?

Sono una persona che lavora come qualsiasi altra; la disciplina è molto importante per un creatore. Mantengo un bisogno di apprendimento costante a favore del mio sviluppo professionale. Penso di imparare molto viaggiando, soprattutto ad apprezzare il fatto che tutti vediamo le stesse cose in modo diverso. Credo che i musei siano più che collezioni di cose vecchie, sono un’opportunità per vedere attraverso gli occhi di coloro che hanno costruito il mondo per noi. Storicamente, viaggiare è stato un modo di trasportare e portare conoscenza, è il mio modo preferito di imparare e condividere; in futuro mi piacerebbe farlo da un altro posto al di fuori del Messico.

“Irrupción XVII” Fumage e impressione diretta del corpo in carta couché. Dittico, 180 x 125 cm, 2017

Bio

Jacobo Alonso. Messico 1984. Laurea in Computer Systems presso UPAEP e Laurea in Belle Arti presso UABC, Messico. Dal 2014 al 2015 ha studiato all’Università di Rennes 2 Francia. È membro del National System of Creators FONCA 2020 – 2023 nella disciplina della Scultura. Beneficiario del programma Giovani Creatori FONCA 2016-2017. Professore nel Corso di Laurea in Arti e Design alla UNAM, ENES Morelia. Ha partecipato a diverse mostre in Messico, Finlandia, Stati Uniti, Inghilterra, Ungheria, Italia, Francia, Portogallo, Polonia, Spagna, Slovacchia, Repubblica Ceca, Germania, Corea, Malesia e Cina. Il suo lavoro è stato esposto alla Biennale di Arte Tessile Contemporanea in Portogallo 2018, alla 16° Triennale Internazionale di Arazzi di Lodz, Polonia 2019, alla 10° Biennale di Lucca in Italia 2021, alla Biennale Internazionale di Cheongju in Corea del Sud 2021, alla Biennale Internazionale della Carta di Shanghai 2021, alla Biennale Tessile Internazionale di Poznan, Polonia 2021, alla Triennale Internazionale Arte Tessile di oggi, Slovacchia 2021, alla Triennale Internazionale della Carta di Deggendörf, Germania 2021, alla Triennale Internazionale Mini Textile di Angers, Francia 2021, all’International Fiber Art di Pittsburgh, USA 2022, tra gli altri, il suo lavoro fa parte della Collezione Bugatti-Segantini, Italia. Collezione LUMEN, Messico. Collezione Bank of Mexico, e Collezione Homeira Goldstein, USA.

“Breather” Moduli di feltro di poliestere tagliati al laser, assemblati e cuciti a mano. 60x120x20cm, 2020. Partecipante al lavoro alla “ International Exhibition: Korean Society of Color & Form 2021

Barbara Pavan

English version Sono nata a Monza nel 1969 ma cresciuta in provincia di Biella, terra di filati e tessuti. Mi sono occupata lungamente di arte contemporanea, dopo aver trasformato una passione in una professione. Ho curato mostre, progetti espositivi, manifestazioni culturali, cataloghi e blog tematici, collaborando con associazioni, gallerie, istituzioni pubbliche e private. Da qualche anno la mia attenzione è rivolta prevalentemente verso l’arte tessile e la fiber art, linguaggi contemporanei che assecondano un antico e mai sopito interesse per i tappeti ed i tessuti antichi. Su ARTEMORBIDA voglio raccontare la fiber art italiana, con interviste alle artiste ed agli artisti e recensioni degli eventi e delle mostre legate all’arte tessile sul territorio nazionale.