Josep Grau-Garriga: Dialogo con la luce
*Foto in evidenza: Josep Grau-Garriga. Exibition view. Copyright MACBA
Fonte dell’articolo MACBA
Edificio Meier
Panoramica di Josep Grau-Garriga, un grande innovatore nell’arte dell’arazzo che ha sperimentato diverse discipline utilizzando tecniche di grande formato per creare i suoi cosiddetti ambienti.
Alla fine degli anni ’60, Josep Grau-Garriga, uno dei principali esponenti della Scuola Catalana di Arazzi , iniziò a sperimentare tecniche transdisciplinari e opere di grande formato, al di là delle esigenze dell’arte tessile tradizionale. Lo ha fatto attraverso quelli che ha chiamato ‘ ambienti ‘, in cui gli spettatori erano invitati a immergersi nell’opera , a stretto contatto con i materiali. Spesso creati in un processo creativo collettivo, in questi “ambienti” Grau-Garriga ha esplorato nuove forme di pedagogia artistica in cui arte e vita si sono incontrate in modo che l’opera d’arte diventasse un’esperienza condivisa.
In questo contesto, Diàleg de llum (Dialogo con la luce, 1986-88) ha permesso alla produzione e alla diffusione dell’arte tessile di sviluppare nuove possibilità durante quel periodo. Oltre all’omonima installazione, la mostra comprende una serie di fotografie, documenti e disegni di alcuni ambienti realizzati dall’artista.
Con questi tipi di opere, Grau-Garriga è diventato un referente internazionale nella trasformazione delle tecniche di arazzo durante la seconda metà del XX secolo.
Un progetto di ricerca di Núria Montclús e Esther Grau , in collaborazione con Àlex Castro e Alba Clavell.
Josep Grau-Garriga
Sant Cugat del Vallès, Spain, 1929 – Angers, France, 2011
Josep Grau-Garriga è stato un artista chiave nel rinnovamento dell’arazzo e dell’arte tessile contemporanea, sia a livello nazionale che internazionale. Dopo essersi formato in pittura, disegno, scultura e incisione presso la Scuola di Arti e Mestieri e la Scuola di Belle Arti di Barcellona, ha realizzato numerosi dipinti murali e vetrate artistiche per vari edifici in Catalogna. Nel 1957 inizia a lavorare con Miquel Samaranch alla fabbrica di tappeti e arazzi Casa Aymat. Da questa esperienza, l’anno successivo vide la creazione della Scuola Catalana di Arazzi, dove poté lavorare con artisti come Joan Miró, Josep Maria Subirachs e Antoni Tàpies.
Nel 1957, e in connessione con il suo lavoro a Casa Aymat, Grau-Garriga fece il suo primo viaggio a Parigi, dove conobbe Jean Lurçat, un maestro dell’arazzo moderno le cui idee, basate su una rilettura dell’arazzo gotico, ne rivoluzionarono la tecnica. Passò brevemente sotto l’influenza di Lurçat, ma nel 1959 iniziò a mettere in discussione la sua pratica. Impressionato dall’informalismo materico e gestuale di Jean Dubuffet, si rivolge maggiormente al peso della materia come elemento chiave per raggiungere l’autonomia dei tessuti come opere d’arte. D’ora in poi introdusse nei suoi arazzi nuovi materiali di natura più comune e meno ‘nobile’, come la juta, la corda e il fil di ferro. Iniziò anche ad accostare fili di diverso spessore e ad utilizzare il nodo-tappeto, tanto che i materiali cominciarono ad assumere una loro espressività accentuata nelle sue opere.
Questa ricerca dell’autonomia dell’arte tessile e dei giochi volumetrici dei materiali utilizzati, ha portato l’artista a sperimentare progressivamente il rapporto tra tessuto e spazio, che ha portato a sua volta ad un graduale abbandono della rigidità e della bidimensionalità caratteristica di arazzi e , conseguentemente, dell’uso del telaio e dei cartoni preparatori. Di conseguenza, a partire dagli anni ’70, le opere di Grau-Garriga acquistano un carattere radicalmente diverso e una tecnica più libera: sono sempre più tridimensionali, non più appese a una parete, crescono di formato e tendono ad occupare lo spazio in cui sono installate . Allo stesso tempo, le sue opere cessano di essere puramente descrittive e assumono un valore simbolico, che, sebbene inizialmente di carattere epico, finì per adottare un aspetto più intimo e poetico derivante dai colori e dalle composizioni. In questa nuova simbologia ha giocato un ruolo fondamentale anche l’introduzione di tutta una serie di materiali e oggetti diversi legati alla sua quotidianità personale e professionale, come sacchi di iuta, pezzi di tessuti della fabbrica, vecchi vestiti dei suoi parenti e giornali ritagli.
Incoraggiato da questa progressiva occupazione dello spazio e dall’esplorazione del fattore temporale nell’esperienza percettiva dell’opera, negli anni Settanta Grau-Garriga inizia a creare un insieme di ‘ambienti’ effimeri negli spazi interni di edifici monumentali e anche in spazi pubblici in tutto il mondo, come la Arras Gallery, New York (1971), il Centre Culturel du Marais, Parigi (1975), la pista da sci Sugarbush, Vermont (1978), la Montgomery University, Washington (1979), il French Institute, Barcellona (1984 ), il Castellet, Perpignan (1984) e la Cattedrale di San Nicolás, Alicante (1985), tra molti altri. Questi ‘ambienti’, che ha continuato a sviluppare per tutta la vita, si basavano su composizioni tessili che occupavano lo spazio e invitavano gli spettatori a prendere parte all’opera abitandola e circolandovi attorno.
Nel corso della sua carriera, Grau-Garriga ha combinato il suo lavoro tessile con la sua produzione artistica in altri media, in particolare dipinti, disegni e collage di natura introspettiva e con una spiccata tendenza all’astrazione. Con queste opere, realizzate con gesti rapidi e grande attenzione ai dettagli, l’artista riflette sull’inconscio e sulle emozioni legate non solo alla sua vita personale, ma all’atto creativo stesso.
Dal 1964, il lavoro di Grau-Garriga è stato esposto in numerose istituzioni come The Museum of Fine Arts, Houston (1970), Museo Rufino Tamayo, Città del Messico (1987), Palau Robert, Barcellona (1988) e Musée Jean Lurçat, Angers (1989 e 2002). Più recentemente, il suo lavoro è stato incluso nella 22a Biennale di Sydney (2020).
