Focus On

Josep Grau-Garriga: Dialogo con la luce

*Foto in evidenza: Josep Grau-Garriga. Exibition view. Copyright MACBA

Fonte dell’articolo MACBA

Fino all’11 settembre 2023
MACBA Museo d’Arte Contemporanea di Barcellona
Edificio Meier

Panoramica di Josep Grau-Garriga, un grande innovatore nell’arte dell’arazzo che ha sperimentato diverse discipline utilizzando tecniche di grande formato per creare i suoi cosiddetti  ambienti. 

Alla fine degli anni ’60, Josep Grau-Garriga, uno dei principali esponenti della Scuola Catalana di Arazzi , iniziò a sperimentare tecniche transdisciplinari e opere di grande formato, al di là delle esigenze dell’arte tessile tradizionale. Lo ha fatto attraverso quelli che ha chiamato ‘ ambienti ‘, in cui gli spettatori erano invitati a immergersi nell’opera , a stretto contatto con i materiali. Spesso creati in un processo creativo collettivo, in questi “ambienti” Grau-Garriga ha esplorato nuove forme di pedagogia artistica in cui arte e vita si sono incontrate in modo che l’opera d’arte diventasse un’esperienza condivisa.

In questo contesto, Diàleg de llum (Dialogo con la luce, 1986-88) ha permesso alla produzione e alla diffusione dell’arte tessile di sviluppare nuove possibilità durante quel periodo. Oltre all’omonima installazione, la mostra comprende una serie di fotografie, documenti e disegni di alcuni ambienti realizzati dall’artista.

Con questi tipi di opere, Grau-Garriga è diventato un referente internazionale nella trasformazione delle tecniche di arazzo durante la seconda metà del XX secolo.

Un progetto di ricerca di Núria Montclús e Esther Grau , in collaborazione con Àlex Castro e Alba Clavell.

Dialogue with Light, Josep Grau-Garriga. Exibition view, Photo Eduard Pedrocchi. Copyright MACBA

Josep Grau-Garriga
Sant Cugat del Vallès, Spain, 1929 – Angers, France, 2011

Josep Grau-Garriga è stato un artista chiave nel rinnovamento dell’arazzo e dell’arte tessile contemporanea, sia a livello nazionale che internazionale. Dopo essersi formato in pittura, disegno, scultura e incisione presso la Scuola di Arti e Mestieri e la Scuola di Belle Arti di Barcellona, ​​ha realizzato numerosi dipinti murali e vetrate artistiche per vari edifici in Catalogna. Nel 1957 inizia a lavorare con Miquel Samaranch alla fabbrica di tappeti e arazzi Casa Aymat. Da questa esperienza, l’anno successivo vide la creazione della Scuola Catalana di Arazzi, dove poté lavorare con artisti come Joan Miró, Josep Maria Subirachs e Antoni Tàpies.

Nel 1957, e in connessione con il suo lavoro a Casa Aymat, Grau-Garriga fece il suo primo viaggio a Parigi, dove conobbe Jean Lurçat, un maestro dell’arazzo moderno le cui idee, basate su una rilettura dell’arazzo gotico, ne rivoluzionarono la tecnica. Passò brevemente sotto l’influenza di Lurçat, ma nel 1959 iniziò a mettere in discussione la sua pratica. Impressionato dall’informalismo materico e gestuale di Jean Dubuffet, si rivolge maggiormente al peso della materia come elemento chiave per raggiungere l’autonomia dei tessuti come opere d’arte. D’ora in poi introdusse nei suoi arazzi nuovi materiali di natura più comune e meno ‘nobile’, come la juta, la corda e il fil di ferro. Iniziò anche ad accostare fili di diverso spessore e ad utilizzare il nodo-tappeto, tanto che i materiali cominciarono ad assumere una loro espressività accentuata nelle sue opere.

Dialogue with Light, Josep Grau-Garriga. Exibition view. Copyright MACBA

Questa ricerca dell’autonomia dell’arte tessile e dei giochi volumetrici dei materiali utilizzati, ha portato l’artista a sperimentare progressivamente il rapporto tra tessuto e spazio, che ha portato a sua volta ad un graduale abbandono della rigidità e della bidimensionalità caratteristica di arazzi e , conseguentemente, dell’uso del telaio e dei cartoni preparatori. Di conseguenza, a partire dagli anni ’70, le opere di Grau-Garriga acquistano un carattere radicalmente diverso e una tecnica più libera: sono sempre più tridimensionali, non più appese a una parete, crescono di formato e tendono ad occupare lo spazio in cui sono installate . Allo stesso tempo, le sue opere cessano di essere puramente descrittive e assumono un valore simbolico, che, sebbene inizialmente di carattere epico, finì per adottare un aspetto più intimo e poetico derivante dai colori e dalle composizioni. In questa nuova simbologia ha giocato un ruolo fondamentale anche l’introduzione di tutta una serie di materiali e oggetti diversi legati alla sua quotidianità personale e professionale, come sacchi di iuta, pezzi di tessuti della fabbrica, vecchi vestiti dei suoi parenti e giornali ritagli.

Dialogue with Light, Josep Grau-Garriga. Copyright MACBA

Incoraggiato da questa progressiva occupazione dello spazio e dall’esplorazione del fattore temporale nell’esperienza percettiva dell’opera, negli anni Settanta Grau-Garriga inizia a creare un insieme di ‘ambienti’ effimeri negli spazi interni di edifici monumentali e anche in spazi pubblici in tutto il mondo, come la Arras Gallery, New York (1971), il Centre Culturel du Marais, Parigi (1975), la pista da sci Sugarbush, Vermont (1978), la Montgomery University, Washington (1979), il French Institute, Barcellona (1984 ), il Castellet, Perpignan (1984) e la Cattedrale di San Nicolás, Alicante (1985), tra molti altri. Questi ‘ambienti’, che ha continuato a sviluppare per tutta la vita, si basavano su composizioni tessili che occupavano lo spazio e invitavano gli spettatori a prendere parte all’opera abitandola e circolandovi attorno.

Nel corso della sua carriera, Grau-Garriga ha combinato il suo lavoro tessile con la sua produzione artistica in altri media, in particolare dipinti, disegni e collage di natura introspettiva e con una spiccata tendenza all’astrazione. Con queste opere, realizzate con gesti rapidi e grande attenzione ai dettagli, l’artista riflette sull’inconscio e sulle emozioni legate non solo alla sua vita personale, ma all’atto creativo stesso.

Dal 1964, il lavoro di Grau-Garriga è stato esposto in numerose istituzioni come The Museum of Fine Arts, Houston (1970), Museo Rufino Tamayo, Città del Messico (1987), Palau Robert, Barcellona (1988) e Musée Jean Lurçat, Angers (1989 e 2002). Più recentemente, il suo lavoro è stato incluso nella 22a Biennale di Sydney (2020).

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Josep Grau-Garriga: Dialogo con la luce

*Foto in evidenza: Josep Grau-Garriga. Exibition view. Copyright MACBA

Fonte dell’articolo MACBA

Until September 11 2023
MACBA Museum of Contemporary Art of Barcelona
Edificio Meier

Overview of Josep Grau-Garriga, a major innovator in the art of tapestry who experimented across different disciplines using large-format techniques to create his so-called environments.

In the late 1960s, Josep Grau-Garriga, one of the key exponents of the Catalan School of Tapestry, began to experiment with transdisciplinary techniques and with works in large formats, beyond the demands of traditional textile art. He did it through what he called ‘environments’, in which viewers were invited to immerse themselves in the work, in close contact with the materials. Often created in a collective creative process, in these ‘environments’ Grau-Garriga explored new forms of artistic pedagogy in which art and life came together so that the artwork became a shared experience.

In this context, Diàleg de llum (Dialogue with Light, 1986–88) enabled the production and dissemination of textile art to develop new possibilities during that period. Besides the eponymous installation, the exhibition includes a series of photographs, documents and drawings of some of the environments made by the artist.

With these types of works, Grau-Garriga became an international referent in the transformation of tapestry techniques during the second half of the twentieth century.

A research project by Núria Montclús and Esther Grau, in collaboration with Àlex Castro and Alba Clavell.

Exibition view,

Josep Grau-Garriga
Sant Cugat del Vallès, Spain, 1929 – Angers, France, 2011

Josep Grau-Garriga was a key artist in the renewal of tapestry and contemporary textile art, both nationally and internationally. After training in painting, drawing, sculpture and engraving at the Arts and Crafts School and the School of Fine Arts, Barcelona, he made a number of mural paintings and artistic stained glass for various buildings in Catalonia. In 1957, he began working with Miquel Samaranch at the Casa Aymat carpet and tapestry factory. Out of this experience, the following year saw the creation of the Catalan School of Tapestry, where he was able to work with artists such as Joan Miró, Josep Maria Subirachs and Antoni Tàpies.

In 1957, and in connection with his work at Casa Aymat, Grau-Garriga made his first trip to Paris, where he met Jean Lurçat, a master of modern tapestry whose ideas, based on a rereading of Gothic tapestry, revolutionised the technique. He briefly came under Lurçat’s influence, but in 1959 he began to question his practice. Impressed by the material and gestural Informalism of Jean Dubuffet, he turned more towards the weight of matter as a key element to achieve the autonomy of textiles as works of art. Henceforth, he introduced new materials of a more common and less ‘noble’ nature into his tapestries, such as jute, rope and wire. He also started combining threads of different thicknesses and using the carpet-knot, such that the materials began to take on a heightened expression of their own in his works.

Dialogue with Light, Josep Grau-Garriga. Exibition view, Photo Eduard Pedrocchi. Copyright MACBA

This search for the autonomy of textile art and the volumetric games of the materials used, led the artist to experiment progressively with the relationship between textile and space, which in turn led to a gradual abandonment of the rigidity and two-dimensionality characteristic of tapestries and, consequently, of the use of the loom and preparatory cartoons. As a result, from the 1970s onwards, Grau-Garriga’s works acquired a radically different character and freer technique: they were increasingly three-dimensional, no longer hanging on a wall, growing in format and tending to occupy the space in which they were installed. At the same time, his works ceased to be purely descriptive and took on a symbolic value, which, although initially epic in character, ended up adopting a more intimate and poetic aspect arising from the colours and compositions. In this new symbology, the introduction of a whole range of different materials and objects linked to his personal and professional daily life also played a key role, such as burlap sacks, pieces of woven materials from the factory, old clothes from his relatives and newspaper clippings.

Dialogue with Light, Josep Grau-Garriga. Copyright MACBA

Encouraged by this progressive occupation of space and by the exploration of the temporal factor in the perceptive experience of the work, in the seventies Grau-Garriga began creating a set of ephemeral ‘environments’ in the interior spaces of monumental buildings and also in public spaces around the world, such as the Arras Gallery, New York (1971), the Centre Culturel du Marais, Paris (1975), Sugarbush ski slope, Vermont (1978), Montgomery University, Washington (1979), French Institute, Barcelona (1984), the Castellet, Perpignan (1984) and the Cathedral of San Nicolás, Alicante (1985), among many others. These ‘environments’, which he continued to develop throughout his life, were based on textile compositions that occupied the space and invited viewers to take part in the work by inhabiting it and circulating around it. In some cases, the participative nature of this initiative resulted in a process of collective and collaborative creation that materialised in the realisation of prior workshops with various collectives, in which Grau-Garriga explored the pedagogical nature of art, inviting the participants to build these ephemeral creations.

Throughout his career, Grau-Garriga combined his textile work with his artistic production in other media, especially paintings, drawings and collages of an introspective nature and with a marked tendency to abstraction. With these works, made with rapid gestures and great attention to detail, the artist reflected on the unconscious and on emotions linked not only to his personal life, but to the creative act itself.

Since 1964, Grau-Garriga’s work has been exhibited in numerous institutions such as The Museum of Fine Arts, Houston (1970), Museo Rufino Tamayo, Mexico City (1987), Palau Robert, Barcelona (1988), and Musée Jean Lurçat, Angers (1989 and 2002). More recently, his work was included in the 22nd Biennale of Sydney (2020).