KAIT JAMES
*Foto in evidenza: The KLF (Koorie Liberation Front), 2023, Melbourne Now. Ph. credit and copyright Kait James
Kait James è una artista visuale che attualmente vive e lavora a Melbourne, Australia. James appartiene alla comunità Wadawurrung, una delle numerose popolazioni autoctone del territorio australiano. L’identità culturale indigena costituisce il punto di partenza di una profonda riflessione che coinvolge l’artista nell’esplorazione di temi politici e sociali legati alla tutela, al rispetto e alla condivisione del patrimonio culturale tradizionale Wadawurrung.
Partendo da vecchi canovacci di recupero, attraverso il ricamo, l’uso di colori vivaci e immagini della cultura popolare, James sovverte le stereotipate narrazioni coloniali, usando l’arte per creare consapevolezza e incoraggiare un cambio di prospettiva.
Importanti sono i riconoscimenti al suo lavoro, tra cui il Craft Victoria Emerging Artist Award for “Stolenwealth Games 2019”, il Lendlease Reconciliation Art Award – Koorie Art Show for ‘Hungry for Land 2019” e il Churchies Emerging Artist Awards & Exhibition – Institute of Modern Art Brisbane.
Numerosi sono i progetti a cui l’artista si sta dedicando e che porteranno il suo lavoro ad essere ampiamente esposto nell’anno in corso.
Come ti sei avvicinata all’arte e qual è stato il percorso che ha contribuito alla tua formazione artistica?
Ho sempre amato creare cose e ho trascorso gran parte della mia infanzia a disegnare. Ho conseguito il Diploma di Arti Visive e poi il Bachelor of Media Arts/Photography alla RMIT University nel 2001. Questo è stato un periodo di transizione nella fotografia e ho compreso che la fotografia digitale non era il mezzo che faceva per me.
Sono tornata a fare arte nel 2018 grazie al mio amore per la cultura, una delle mie meravigliose cugine mi ha insegnato la tessitura tradizionale con le erbe autoctone, un’opportunità che mi ha dato la sicurezza per ricominciare a fare arte. Ho sfruttato queste conoscenze e ho iniziato a tessere utilizzando filati colorati per conferire un’impronta contemporanea.
Durante una vacanza nel Queensland ho acquistato in un negozio di seconda mano alcuni strofinacci vintage e un ago da punzone, oltre a del cotone da ricamo e a del filato che speravo di utilizzare per la mia tessitura. Volevo iniziare subito a usare l’ago da punzone, ma non avevo materiale a portata di mano, così ho usato gli strofinacci vintage. D’istinto ho aggiunto riferimenti e scene indigene agli strofinacci usando il filato.
Ho rintracciato online alcuni strofinacci del calendario aborigeno, realizzati negli anni ’70 e ’80 da persone non indigene con immagini rubate di scudi, lance ecc. Le immagini sono molto generiche e stereotipate, qualcosa con cui non potevo relazionarmi in quanto indigena cresciuta in un’area urbana. Ho iniziato a ricamarli per cambiare la narrazione e dare loro una nuova vita.
Realizzavo questi strofinacci solo per me e per gli amici, ma dopo aver ricevuto un riscontro positivo, ho fatto domanda e mi è stata accordata una mostra presso il Koorie Heritage trust di Melbourne. Questa prima mostra personale, intitolata “Dry your dishes on my culture”, è stato il primo grande passo per diventare un’artista a tutti gli effetti.
Quale è la tua principale fonte di ispirazione e quali sono i temi su cui si concentra la tua ricerca artistica? Quando e perché è nato l’interesse per il ricamo e più in generale per il mezzo tessile?
Ho sempre amato i tessuti, in particolare l’uso del colore. Non ho una formazione professionale in campo tessile, ma ho iniziato a guardare molti video di ricamo online e di punch needling e sono rimasta affascinata per il modo in cui usavano il colore, i diversi filati e le fibre per creare immagini. Credo che l’uso di filati colorati nella tessitura sia stato per me una evoluzione naturale verso il ricamo e l’agugliatura a punzone che faccio oggi.
La mia cultura indigena è la principale fonte di ispirazione e i temi che utilizzo nel mio lavoro: razzismo, diritti della terra, trattato e sfollamento sono solo alcuni dei temi che ho esplorato.
In Australia, e in tutto il mondo, c’è una generale mancanza di conoscenza della storia indigena. Per evidenziare questi problemi, utilizzo riferimenti alla cultura pop del passato e del presente. Nel mio lavoro uso anche molto humour, perché trovo che agisca da scudo e disarmi lo spettatore.
Sei una donna Wadawurrung e un’artista, due aspetti che si compenetrano e si nutrono a vicenda. In quale modo l’arte ti permette di sostenere e contribuire a proteggere il patrimonio culturale aborigeno della comunità Wadawurrung?
In Australia ci sono oltre 500 diverse nazioni indigene, ognuna con la propria lingua e i propri costumi. Il Paese di Wadawurrung si trova nel Victoria, inizia dal fiume Werribee appena fuori Melbourne, si estende lungo la costa e comprende le grandi città di Ballarat e Geelong.
Sono molto orgogliosa di essere una donna Wadawurrung e mi ritengo fortunata di potermi immergere quotidianamente nella mia cultura e di poterla esplorare e condividere con gli altri. Fin dalla colonizzazione, le generazioni precedenti hanno dovuto nascondere la loro identità, ci è stato proibito di praticare la cultura e di parlare la lingua. Fortunatamente, i miei cugini e la mia famiglia hanno lavorato intensamente per recuperare la nostra cultura, la nostra lingua e per tornare a essere orgogliosi di ciò che siamo.
Sono molto protettiva nei confronti delle nostre storie e non uso spesso le storie tradizionali nel mio lavoro. Sono una persona piuttosto timida, ma uso la mia arte come voce per sperare di educare, creare consapevolezza e cambiare prospettiva.
Non avrei mai pensato di avere la fortuna di fare ciò che amo ogni giorno. Faccio quello che faccio per le generazioni future, sperando che il loro percorso sia più facile di quello delle generazioni che mi hanno preceduto.
Parlaci dei lavori esposti nella mostra Hang us out to dry. Come è nato il progetto di questa mostra?
Hang us out to dry” è stata una mostra allestita presso l’Art Gallery of Ballarat nel 2021 e presentava 22 opere di canovacci con vari temi, tra cui la colonizzazione, il trattato e la commercializzazione della mia cultura.
È stata un’opportunità straordinaria per me, non solo perché si è tenuta in una delle principali gallerie del Victoria, ma anche perché la galleria si trova nel paese di Wadawurrung.
Poiché si trattava di un periodo di pandemia, è stato piuttosto snervante chiedersi se la mostra sarebbe stata effettivamente aperta, visto il numero di chiusure che si registravano a Melbourne, Victoria. Sono stata molto fortunata che la mostra sia stata aperta al pubblico per 4 delle 8 settimane previste. Conosco molti altri artisti che hanno esposto quell’anno e che nessuno ha potuto vedere o sperimentare.
La mostra comprendeva anche la mia interpretazione contemporanea di una tradizionale gonna di piume di emu, che ho realizzato con corde di Fluro, cucchiaini da souvenir e piume di emu.
Che tipo di routine segui quando inizi un nuovo progetto/lavoro? Com’è una giornata tipica nel tuo studio?
Dipende molto dal progetto a cui sto lavorando. Il più delle volte mi viene un’idea, di solito a causa di qualcosa che mi fa arrabbiare. Ho una lista lunghissima di idee per i futuri lavori sui canovacci! Faccio una bozza del lavoro al computer, uso molto testo nei miei lavori, quindi mi piace guardare diversi tipi di carattere. Gioco con le combinazioni di colori, le immagini, ecc.
Fino a qualche mese fa, realizzavo tutti i miei lavori da casa. Nella mia stanza degli ospiti o semplicemente sul divano. Anche se era comodo lavorare da casa, non mi faceva bene perché iniziavo a lavorare appena sveglia e lavoravo fino a quando andavo a letto. Ora ho uno studio fantastico a circa 10 minuti da casa, mi piace poter lavorare durante il giorno ma tornare a casa per rilassarmi piuttosto che essere circondata dal lavoro 24 ore al giorno. È un equilibrio decisamente migliore e molto meno stressante.
Spesso passo da un progetto all’altro, quindi devo sforzarmi di avere equilibrio. Cerco di sbrigare le pratiche amministrative e le e-mail al mattino prima di andare in studio, così poi ho meno distrazioni, riesco a lavorare molto di più e torno a casa a un orario ragionevole.
Oggi i social network offrono una possibilità di connessione continua con un pubblico molto vasto. Come artista emergente, come vivi il tuo rapporto con il web?
I social media rendono molto più facile raggiungere un vasto pubblico ed essere visti da gallerie e curatori. Conosco artisti affermati della mia età che erano soliti visitare le gallerie per parlare con i curatori del loro lavoro e vendersi letteralmente di persona, non riesco a immaginare di avere il tempo di farlo e di creare anche le mie opere.
Mi piace seguire altri artisti e scoprire il loro lavoro straordinario. I social media non mi vengono naturali, devo fare uno sforzo particolare per postare i miei lavori, ma sto cercando di migliorare e di condividere le mie opere più spesso.
Ci sono artisti contemporanei che senti vicini alla tua ricerca e al tuo linguaggio?
Sono tantissimi gli artisti contemporanei che ammiro, troppi per essere citati. Di recente ho partecipato a una mostra indigena alla National Gallery of Victoria e il mio lavoro è stato installato tra Destiny Deacon e Kaylene Whiskey, due artiste indigene forti e agguerrite che ammiro molto. Non avrei mai pensato che la mia arte sarebbe finita vicino al loro fenomenale lavoro: è stato un onore incredibile e lo conserverò per sempre.
A quali progetti stai lavorando in questo periodo?
Ho appena terminato una grande commessa per la mostra “Melbourne Now” della NGV (National Gallery of Victoria), che si tiene ogni 10 anni e presenta 200 artisti del Victoria. Quest’opera si chiama The KLF (Koorie Liberation Front) ed è il lavoro tessile più grande che ho realizzato, 3 pannelli di 1,4 m x 1,6 m ciascuno e comprende collage di tessuti, ricamo e tufting. Melbourne Now è stata inaugurata la scorsa settimana e rimarrà in mostra fino ad agosto 2023.
Ho appena iniziato a lavorare a un’opera per la Tamworth Textile Triennial, che aprirà a settembre e girerà le gallerie australiane per tre anni. Partecipare a questa Triennale è qualcosa che desideravo fare da quando ho iniziato a lavorare nel settore tessile, è molto emozionante e raggiunge un pubblico molto vasto.
Quest’anno sono in programma altre mostre a Sydney, Hobart e Melbourne. Sto anche lavorando ad alcuni progetti di arte pubblica, di cui non posso parlare in questo momento.
