KANELLA
*Foto in evidenza: MÉTA. Photography Manos Chatzikonstantis
“Kanella è un’artista concettuale con un rinomato background in graphic design. Nel suo studio, luogo di incontro e galleria d’arte situato nel centro di Atene, arte e design coesistono armoniosamente. La forza trainante dietro le installazioni e i progetti artistici sperimentali di Kanella è quella di vedere le cose da una prospettiva non convenzionale e collocarle fuori dal loro contesto ordinario. La mentalità artistica di Kanella, i viaggi e l’amore per la vita, insieme a un decennio di insegnamento presso il Technological Educational Institute di Atene, sono alla base della sua ispirazione”.
Sembra che i tuoi progetti attingano in egual misura ai contesti dell’arte e del design. Come fai a fondere questi due aspetti nel tuo lavoro?
La mia formazione è in design. Ho un BA in graphic design e un MA in Communication design alla Central Saint Martins di Londra. Lavoro come graphic designer professionista e mi occupo di immagine coordinata e packaging.
Oltre ad avere uno studio di design, ho insegnato graphic design all’università greca. Dopo 10 anni come professore, volevo trovare la mia strada ed esprimere la mia creatività. È così che ho iniziato a lavorare come artista. Questo processo si sta evolvendo organicamente; non ho bisogno di avere un piano. All’inizio, volevo solo decorare le mie pareti, e improvvisamente questa attività ha occupato una grande parte della mia vita lavorativa, questo mi piace molto.
Come ti approcci alla creazione? Sei sia il creatore che l’artefice delle tue idee?
Di solito creo le mie opere da sola. A volte collaboro con dei professionisti che mi aiutano nella realizzazione delle strutture in legno o in metallo. Ricamo tutto da sola; mi piace impegnarmi in prima persona con il lavoro perché si evolve strada facendo. È un processo piuttosto spontaneo.
Il ricamo, specialmente il punto croce, è spesso usato nei tuoi progetti. Perché hai scelto questa tecnica?
Il punto croce è stato il primo tipo di ricamo che ho imparato quando ero piccola. Mi piace anche perché mi ricorda i pixel e, come designer, mi sento particolarmente a mio agio con i pixel.
Tutte le donne della mia famiglia facevano ricami e lavori a maglia. Mia nonna lavorava a maglia, mia madre ricamava, mia zia confezionava abiti ricamati per cantanti e attori della vecchia Atene. Ho molte immagini nella mia memoria legate a questi mestieri femminili, ma anche mio padre era molto creativo; la sua professione era fare borse di pelle. Questo è il mio background, le cose con cui sono cresciuta, quindi è stato naturale, per me, iniziare a creare con le mie mani. Anche se la mia famiglia non si occupava di pittura o scultura, eravamo creativi con l’artigianato.
Quanto della cultura greca è presente nelle tue opere?
Come potete vedere nella mia prima mostra, mi ispiro alla cultura greca: Ta Proikiá: dote, nome /ˈdaʊri/.
“La dote è un’istituzione matrimoniale che tradizionalmente definiva la vita delle donne: il lavoro di una vita, l’investimento della famiglia; simbolo del valore di una donna, attribuiva un prezzo alle nozze. In questa mostra, il corredo viene reinventato: gli schemi del punto croce mancano un punto o due, i fili si aggrovigliano e si immergono nei buchi lasciati dagli aghi di mia nonna. Le vecchie abitudini vengono rielaborate, i ricordi rivisitati e si svela il lavoro manuale di una famiglia”.
Ricordo mia nonna che lavorava a maglia delle tovaglie enormi come corredo per il mio matrimonio. Così, ho iniziato a pensare alle donne di quei tempi; non avevano nient’altro da fare a parte creare la dote per se stesse o per le loro figlie. Questo pensiero è davvero deprimente per me. È come se ci si attribuisse un prezzo, in pratica. Migliore è il ricamo, più prezioso è il materiale da matrimonio.
La mostra ruota intorno a questi concetti, che si sviluppano su tre stanze:
PRIMA SALA
Mi sono chiesta: “Cos’è una Dote?”
L’eredità è il punto di partenza. Nella prima stanza della mostra, l’uso di materiali e tecniche diverse intendono dare una svolta al concetto tradizionale di corredo.
LA SECONDA STANZA era la stanza della depressione, come la chiamavo io. Doveva rappresentare l’effetto psicologico della dote sulle donne. Qui i visitatori devono rimanere fermi. Sono invitati a osservare e a immedesimarsi con le donne del passato e con le costrizioni a cui erano sottoposte.
LA TERZA STANZA
Questa era la mia risoluzione.
Cosa ho imparato da quell’epoca? Quanto sono fortunata ad avere tutte le libertà che le donne di allora non avevano?
Quando gli spettatori arrivano finalmente nella terza stanza, la catarsi attende. Qui è data un’interpretazione personale grazie alla quale si delinea un corredo moderno. Un insieme di oggetti radicati nella tradizione ma influenzati da nuove idee, dalla libertà di scelta e di espressione, dall’amore, dalla compagnia, dalla conoscenza, dalla musica, dalla creatività.
Come donne, abbiamo ancora molta strada da fare, ma in parte abbiamo guadagnato potere.
Questo progetto, realizzato nel 2014, è stato un primo passo al di fuori della mia zona di comfort, verso lo spazio di una galleria d’arte. All’epoca ero piuttosto ingenua, non sapevo molto della scena dell’arte moderna e delle sue regole. Per questa mostra mi sono sentita libera di creare ciò che volevo; sono stata curatrice e ideatrice; ho fatto tutto io.
Puoi dirci di più sul progetto MÉTA?
La mia ultima mostra, MÉTA, al Depo Darm Contemporary Art Space di Atene, presenta una serie di lavori fotografici sulla transitorietà, la natura del tempo e la memoria personale.
Questo progetto è stato molto più organizzato dei precedenti. Ho capito che collaborare con professionisti dell’arte mi aiutava ad evolvere; non volevo più fare tutto da sola.
Il progetto è iniziato due anni fa, all’inizio della pandemia, quando eravamo tutti terrorizzati. C’era il lockdown, era primavera e non potevo uscire. All’improvviso mi ero ritrovata con molto tempo a disposizione. Avevo questa pianta in casa mia e la osservavo ogni giorno; stava morendo, le foglie si seccavano e cadevano; non sapevo cosa farne. Decisi di decorare le foglie per dar loro una nuova vita. In seguito, iniziai a scattare foto delle mie foglie ricamate postandole su Instagram.
Manos Chatzikonstantis, un fotografo greco residente a Londra, era tornato ad Atene a causa della pandemia. Le mie foto postate sui social lo incuriosirono. Non sapevamo cosa stavamo facendo, ma abbiamo iniziato una collaborazione a distanza. Io ricamavo le foglie al mio tavolo, e lui le fotografava con luce naturale al suo tavolo. Quando l’isolamento terminò, Manos si presentò con un pacchetto di foto; mettendole insieme, pensammo: ” Wow, abbiamo qualcosa!”.
Questa è stata un’eccellente collaborazione iniziata per caso. Lui non mi diceva cosa fare; io non gli dicevo come posizionare le foglie. Così MÉTA è genuinamente al 50 per cento Kanella e al 50 per cento Manos. Questo scambio, il dialogo è sfociato in un lavoro collettivo che ha manifestato una sorta di meta-collaborazione, un amalgama di tecniche.
Questo progetto è stato, per me, una spinta alla creazione. Sono sicura che Manos ha provato la stessa sensazione; questo progetto ci ha spinto a sperimentare in aree diverse.
In molti dei tuoi lavori artistici, ΜΠΟΥΜ, Kama Frouta, LOOK AT ME! – la tecnica del punto croce assume un’accezione contemporanea nella costruzione di un immaginario che fa riferimento al mondo del fumetto. Perché hai scelto di unire questa specifica tecnica artigianale alla cultura pop?
L’opera ΜΠΟΥΜ /bu:m/, per esempio, è stata creata durante la crisi economica greca. Era un periodo molto buio, i nostri soldi erano congelati nelle banche e non potevamo ritirare contanti. Mi sentivo come se la testa mi stesse esplodendo perché stavo vivendo qualcosa di inedito: una piccola guerra senza armi e violenza fisica, ma con una violenza psicologica pervasiva.
ΜΠΟΥΜ è una versione moderna dell’arazzo ricamato. Coinvolge il suo pubblico tessendo riferimenti alla cultura pop in una rappresentazione contemporanea del ricamo. Il design tipico delle vignette illustrate emerge dal fumetto e approda nella sua nuova casa: una tela da ricamo. Il lettering del fumetto, che è una forma unica di tipografia, coinvolge i nostri sensi e fa eco ai nostri pensieri. Ho tradotto l’inglese nella mia lingua madre iniziando a ricamare usando l’alfabeto Greco.
Il lettering, la parola scritta, è presente in molti dei tuoi pezzi. È questo un modo per comunicare con il tuo pubblico? Puoi dirci di più sul ruolo dei testi scritti col filo nella tua pratica artistica?
Ho iniziato a usare il testo in maniera creative, quasi per gioco, quando ero in Inghilterra. Incollavo i post-it su delle tazze e su altri oggetti presenti nella mia quotidianità. Era come se la tazza parlasse: “lavami”, mi diceva, e cose del genere. Tutti i progetti in cui ho usato il lettering sono divertenti, con un tocco di malizia.
Puoi dirmi di più sul tuo “studio, luogo di incontro e galleria d’arte nel centro di Atene”?
Ho un grande spazio che è sia il mio studio che la mia galleria. Volevo delle pareti per esporre il mio lavoro, e ora le mie opere sono visibili ovunque intorno a me. A volte i clienti vengono qui. Quando collaboro con altri artisti, cerco di uscire da questo posto; voglio avere un’esperienza e una prospettiva diversa.
Cosa possiamo aspettarci da Kanella in futuro?
Con Manos, stiamo sviluppando ulteriormente il progetto MÉTA. Vorremmo portarlo in tour in diversi paesi. Attualmente sto costruendo un negozio online dove vendere le mie opere. Ci vorrà del tempo, però; voglio vendere pezzi originali e in edizione limitata. Voglio avere una vasta gamma di lavori artistici per poter soddisfare esigenze diverse. Questo progetto richiede molto lavoro e organizzazione, spero che sarà pronto al più presto.
In attesa che il nuovo negozio online sia attivo e funzionante, potete seguire Kanella sul suo sito web: https://kanella.com/
E sui social media, IG: @kanella
