Le opere di Hanne G.: spazi meditativi, forme archetipiche e incontro degli opposti

Traduzione  a cura di Marina Dlacic e Chiara Cordoni

Hanne G., artista tessile di origine danese, crea sculture in cui il tessuto, quasi fosse “congelato”, assume le fattezze e l’apparente consistenza della ceramica.

Con un’opera costituita da un gruppo scultoreo dal titolo “Splinter Group“, ha avuto l’onore e il merito di partecipare alla 16a Triennale Internazionale dell’Arte Tessile di Lodz, in Polonia nel 2019, il più antico evento di arte tessile europeo.

I lavori di Hanne esprimono un intenso senso di quiete ed equilibrio, fantasie poetiche senza tempo in cui l’uso misurato del colore, la scelta di forme primordiali e simboliche, l’organizzazione spaziale ispirata al giardino Zen, rivelano l’intenzione dell’artista di evocare insieme calma e vuoto, libertà e solitudine.

L’artista ha conseguito un Master in Architettura presso la Royal Danish Academy of Fine Arts, ha partecipato a numerose mostre internazionali e oggi vive e lavora a Copenaghen, in Danimarca.

Di seguito il link al suo sito web:

http://www.hanneg.dk/

The artist and her artwork “RGB Tempers”, 2013, mohair, polystyrene and spray paint, Red:33 cm x 33 cm in diameter, Yellow :28 cm. 35 cm in diameter, Blue: 28 cm. 46 cm in diameter , copyright Hanne G.

Hanne, puoi dirci come hai iniziato la tua carriera artistica e qual è stato il percorso che ti ha portato a scegliere i tessuti come mezzo di espressione?

Ho affittato il mio primo studio nel 2005 nella zona di Oldharbor di Copenaghen e ho riempito la stanza piuttosto spaziosa con i miei quadri. Fino ad allora avevo esercitato l’arte a casa insieme al mio lavoro nel settore dei media e non avevo avuto molti contatti con la scena artistica attuale.

Quasi nello stesso momento mi sono iscritta a un piccolo corso serale di maglieria e uncinetto condotto da Anette, scultrice diventata guru dell’artigianato e sono rimasta affascinata dai filati e dal potenziale scultoreo dell’uncinetto. Sono rimasta colpita da come semplici azioni, governate da regole abbastanza semplici, possano portare a risultati così complessi. Mi sono dedicata ai materiali morbidi e sono diventata un artista tessile … Ho lasciato la pittura e sono diventata scultrice…

“HR Hanne G” 2007, twenty-three crocheted heads, wool, polyester filling and wooden base, 25 x 13-16cm, copyright HanneG

Come scegli i soggetti delle tue opere? Qual è la tua fonte di ispirazione oggi?

Mi vedo come una persona che non può fare a meno di esprimersi. Ho qualcosa “in tasca” per così dire e la “voce” tessile possiede eccellenti possibilità di affrontare argomenti controversi e poetici in modo umoristico, critico ed estetico.

La mia motivazione è sia esteriore che interiore. I miei primi progetti sono stati piuttosto audaci e politici, e mi sono concentrata sull’uso del contrasto tra alcuni argomenti estremi  e materiali morbidi e innocenti. Nell’opera “Weapon Collection (Crocheting for Peace)“, del 2007, ho affrontato il contributo danese alla guerra in Iraq e le questioni relative alla violenza in generale.

Negli ultimi anni ho realizzato una linea di opere più astratte e leggermente più filosofiche, in cui l’ispirazione è stata data da alcune riflessioni sulla vita moderna, meditazioni sul concetto di Tempo e necessità di pace, sia generale che personale, ma l’umorismo non ha ancora abbandonato del tutto il processo di studio.

Puoi dirci come è nato e di cosa tratta il tuo lavoro “Splinter Group“, esposto alla 16a Triennale Internazionale del Tessuto di Lodz?

“Splinter Group” è un’installazione di 5 oggetti sospesi che formano un “incontro / riunione”. “Gruppo Splinter” significa generalmente “una piccola organizzazione che si è separata da una più grande”. Ed è spesso all’avanguardia.

In questo contesto, volevo che il gruppo significasse le possibilità di indipendenza, libertà e nuovi modi. L’installazione è organizzata come un luogo per sentire la comunità ma è un gruppo di steli di alberi, colonne di templi o corpi/persone? Con riferimento al tema dato: “Breaking Boarders“, ho considerato che la natura (foreste, fiumi ecc.) non rispetta i confini creati dall’uomo e che le separazioni culturali che vediamo ora non sono state storicamente sempre esistenti.  Ma le persone che attraversano questi confini possono essere considerate fuorilegge e questo è assurdo! Ma come sempre l’opera si presta ad essere interpretata e come artista il meglio che si può fare è ispirare la discussione e la riflessione estetica.

“Splinter Group”, Detail, 2018, Mohair, polyester fill and batting, acrylic paint and adhesive, 200 – 270 cm. length and diameter from 4 – 14 cm, copyright Hanne G.

Considerando tutte le opere che hai realizzato finora, per quanto riguarda i concetti o i soggetti che rappresentano, possiamo dire che vi è un principio ispiratore che accomuna tutta la tua produzione artistica?

Riesco a trovare ispirazione in tutto, ma finora sono stata in una sorta di flusso in cui un progetto molto spesso è passato al successivo. E l’ispirazione non è tutto, deve trovarsi nel tuo lavoro. È soprattutto una questione di perseveranza e disciplina. E anche se ho molte idee, sono costantemente alle prese con dubbi e metto in discussione il mio lavoro. Non sono quasi mai soddisfatta dei miei risultati. Ma non posso farci niente, devo andare avanti, al fine di ottenere prestazioni migliori “la prossima volta”. È la mia vita.

Splinter Group, evoca sentimenti di calma e vuoto, creando una sorta di spazio meditativo, ma allo stesso tempo può essere letto come una metafora della solitudine psicologica dell’uomo moderno. Molto spesso nei tuoi lavori c’è una sorta di senso di contrasto, dualismo di significati, soft / hard, cultura / natura … puoi parlarcene?

Con “Splinter Group“, nel 2019, abbiamo voluto creare un piccolo spazio indipendente per la solitudine e il conforto e penso che l’allestimento con i lavori “sospesi” nel museo abbia sottolineato magnificamente quell’intenzione. Lo stesso motivo è presente in “C.O.S. Chapel Of Solitude”, 2017.

Gioco con la percezione e sfrutto le qualità tattili del mezzo tessile. La tattilità delle opere attiva i sensi, invitando lo spettatore a sperimentare trame, superfici e spazialità attraverso la vista. E nel mio pezzo “The Duet”, 2017 anche attraverso l’udito. Tracciano tutti il tocco delle mie mani e di me. Adoro usare materiali senza pretese e a volte lavorare anche con la pasta di carta, anche in combinazione con il filato.

Come è evoluto il tuo lavoro nel tempo? Ci sono importanti differenze stilistiche, estetiche o concettuali tra le tue prime opere e le più recenti? Ad esempio, come è cambiato l’uso del colore nel tuo lavoro nel tempo?

All’inizio il mio lavoro era più naturalistico e in un certo periodo anche piuttosto colorato. A poco a poco mi sono concentrata sulle forme sottili e ho proseguito con un tocco minimalista e toni classici, una tavolozza più morbida e naturale, che per un periodo ha portato all’esplorazione dell’antichità e delle opere di Rodin. L’arte dell’antica Grecia, e in particolare quella statuaria, è stata vista come l’apice della creatività e dell’arte umana. L’arte di far vivere le pietre dure, salvo che io faccio il contrario: congelo / indurisco il materiale tessile morbido, ma rivelo sempre il materiale originale e le imperfezioni nel processo di fabbricazione. Come Rodin che preservò il senso del materiale e dello sforzo nella realizzazione delle sue sculture. Usò una tecnica non finita per lasciare intenzionalmente incompiute parti del blocco di pietra per dare alle sue opere una profonda suspense

E lavoro con interazione e sensualità. Voglio che il mio lavoro appaia sia calmo che intenso allo stesso tempo. Lavoro con forme archetipiche, con contrasti tra duro / morbido, luce / ombra e l’intersezione tra bellezza e decadimento. E sono preoccupata per il tempo. Tempo incorporato nel materiale e nell’opera stessa – come vettore del passato e del tempo in cui è stato realizzato.

C’è un gruppo, tra le tue opere, che ti rappresenta di più e al quale ti senti particolarmente legata? Al contrario, tra i tanti pezzi che hai realizzato negli anni, ce n’è uno in cui non ti riconosci più e che senti distante dal tuo attuale stile artistico?

Ogni progetto è stato radicato alla sua stessa necessità. I miei sforzi e risultati sono stati limitati, ma credo di aver sperimentato una naturale progressione del lavoro e uno sviluppo personale. Ora immagino che alcuni dei miei lavori più vecchi siano migliori, ma trovo difficile valutare le mie creazioni in corso.

Nella tua esperienza, il mezzo tessile ha limiti espressivi?

No, non credo. Il mondo stesso è una grande rete. Il mezzo tessile ha una straordinaria capacità di relazionarsi e connettersi con le persone. Sentivo che stavo spingendo alcuni limiti con la mia arte tessile sviluppando un metodo per “congelare” gli oggetti morbidi. Ma in questi giorni sembra sia tutto possibile per quanto riguarda la scena dell’arte tessile. È una parte versatile e anche affascinante del mondo dell’arte.

Quale pensi sia la differenza più importante tra un artigiano che lavora con fili e stoffe e un artista tessile? Quando un’opera tessile diventa arte?

La definizione di “arte” nell’artigianato e nelle belle arti è stata collegata a tradizioni estetiche separate, ciascuna delle quali si riferisce a condizioni / prerequisiti storici diversi. L’artigianato è attaccato all’oggetto d’uso (razionalità e funzionalità mondane) e ai metodi artigianali e alle belle arti per il lavoro autonomo finalizzato alla contemplazione filosofica e all’apprezzamento estetico.

Ma questi confini sono ora davvero sfocati e in una certa misura dissolti. Penso che la differenza sia fatta dall’intenzione. L’intenzione del creatore e il contesto in cui viene presentato il lavoro? E anche chi lo sta convalidando … Curatori, galleristi, musei, collezionisti e colleghi artisti. E riviste 😉 

A cosa stai lavorando adesso?

Attualmente sto sperimentando la tintura naturale come una sorta di pittura controllata e casuale, molto a seconda di ciò che mi circonda: dove sono, la stagione e i materiali che posso trovare nel mio spazio di lavoro. Questo lavoro è una riflessione sul passare del tempo e osserva il cambiamento climatico in senso sia poetico che letterale, pur evidenziando la sostenibilità dell’illuminazione e mettendo in gioco le domande dell’autore.