*Featured photo: Studio portrait, 2021. Photo by Joe Kramm


Liz Collins is a multimedia artist based in Brooklyn, New York; she holds a BFA and an MFA in Textiles from RISD. After graduation, she launched her knitwear-focused fashion label that went from the New York Fashion Week runway to international and media recognition for its innovation within a few years.

In 2003, Collins joined RISD’s textile faculty, moving into art creation, design consultancy and development for other brands.
Her fashion brand then became a project-based business, with occasional forays into capsule collections. In 2013, she left the faculty to further her path in art and design, Since then, she has taught at SAIC, MICA, Pratt, Parsons and Moore College, while also lecturing as a guest artist and critic at many schools.

Her research flows fluidly between art and design with a particular preference for the textile medium. Her solo exhibitions have been held in New York City – at the Museum of Arts and Design, Candice Madey, LMAK, Heller and BGSQD, and at the Armory, NADA, Collective and Spring Break art fairs – and in various institutional venues and galleries nationally and internationally, including Tang Museum (Saratoga Springs, NY), ICA/ Boston (MA), Knoxville Museum of Art (TN), Gallery DLUL (Ljubljana) and Rossana Orlandi (Milan). In addition, she has participated in countless collective projects from MoMA and the Drawing Center in New York to NoLAB in Istanbul, Kristin Hjellegjerde in Berlin and Luis de Jesus in Los Angeles.

Her work has received numerous awards and recognitions, including a MacColl Johnson Fellowship, a Foundation for Contemporary Arts & ArtistRelief grant and the CeCARtsLink Grant that enabled her to create the performance/installation KNITTING NATION in Zagreb, Croatia.
In 2021, Tang Museum published the monograph Liz Collins Energy Field.

Plaid, 14.5 x 14 inches, 2021, acrylic, cashmere, cotton, lurex, silk, wool. Images courtesy of the artist and Candice Madey Gallery
Brick Plaid, 14 x 13.5 inches, 2021, cotton, mohair, silk, wool. Images courtesy of the artist and Candice Madey Gallery
Forcefield, 14 x 16 inches, 2021, cashmere, cotton, lurex, silk, wool. Images courtesy of the artist and Candice Madey Gallery
Neverland, 15.5 x 14 inches, 202, cashmere, cotton, lurex, mohair, silk, wool. Images courtesy of the artist and Candice Madey Gallery

Art, fashion, design and a plurality of materials and techniques: yet textiles are always present in all of this. What makes this medium so special to you?

I feel there is so much magic in textiles- an abundance of possibility that never exhausts itself….both in the materials and the techniques, there is the potential for both extreme intricacy and complexity along side free gestures and chaos….and to have malleability, color, and such a range of textures and forms all in this realm feels endlessly inspiring to me.

However, I suppose this could be said of anything really- every artist can say such things about their chosen areas of focus and obsessions that drive them to make. But what you are asking is about me working in different areas (art, design) and always with textiles.

I learned about textiles early in my life and I think one of the core truths for me is about my family lineage and an affinity for fabric being in my blood. I come from people who made cloth or things with cloth, so it’s part of my heritage. My grandmother used to knit at the movie theater when she was a young woman in the 1920s. My other grandmother had a dress shop. My dad made sails on an industrial sewing machine. I grew up with a very diy craft environment so got into making things with yarn, thread, cloth, and although I did explore many other art making methods from photography to ceramics as a youth, by my late teens what I discovered in textiles cracked open a truly magical world for me full of alchemical processes that would allow for a big full life of making in many forms.

CRONEY, 2021, nylon, chicken wire, latex paint, flashe, ikea chairs, rayon yarn. A transformation of an old gazebo at Stoneleaf Retreat in Upstate New York, Photo by Joe Kramm

In this fluidity of areas in which you have worked, what is the difference from the point of view of the expression of your creativity and your talent between fashion, art and design?

I have always had an affinity for creative people who moved from one area to another in ways that seemed expansive, natural and deeply intuitive and have always felt that in myself…that in art there is so much freedom- one can really do anything, and there are no limits. So then it’s up to the creator to find places that feel right for the ideas. Design often has requirements tied to use, to be sure, but there is so much grey area in that concept… so it’s up to the person who has the ideas to problem solve to address the needs of that object or experience. I use a lot of design thinking in my art installations because they are often social spaces and thus tied to use – it doesn’t feel different or separate in the work I do these days. What I do and have done are all elements of a long continuum of creativity that is beautifully intertwined with one thing feeding into another and ideas moving from one realm to another.

In New York we’ve just had a wonderful exhibition of Sophie Taueber Arp at MoMA, who along with Sonia Delaunay is one of the many people I have long looked at and admired for working robustly across disciplines in art and design, with a focus on textiles. I see in them what I see in myself, which is an ability to shape shift, to instigate and apply my ideas to whatever area I feel drawn to with passion, love and vision.

Installation view: Strainer (version 3), 2017, nylon ropes, mdf, latex paint, part of the Energy Field installation. Image courtesy of the artist and The Tang Museum.

Color is undoubtedly the other feature of your works. What is color for you, what does it mean in your artistic practice and how do you choose the color palette of your works?

Color is something that is also deeply intuitive for me. I believe that color sensibility can be carried through one’s genetic makeup just like other traits, and I do think I have some of my mom’s sense of color.

Why do I love hot pink so much? Why does it make me feel so alive and give me so much pleasure when I see it? Why do I keep going to it again and again? Is it too much?… I ask myself many questions about color, and am perpetually curious about why I have these default palettes and fixations. The other day I ordered a bunch of new yarns for new works for an upcoming solo show, and there I saw the same colors I always go to: red, pink, grey, black, purple, blue. There they were again. I do work with other palettes and enjoy when a project forces me to go outside of my defaults, and have seen some of my best work come out of instances where I am limited to one color or group of colors that I would not ordinarily use.

I approach my works and projects from a place of feeling- what am I feeling right now (which includes what I am thinking about) and what does that look like? And the color comes from that. I saw a huge exhibition about color in Turin at GAM and Castelo di Rivoli some time ago that has stayed in my mind on the topic of color. The show was grounded in and started with Thought-Forms, the brilliant Theosophist project by Annie Besant and C.W. Leadbeater from 1901, where feelings and emotional states were represented by abstract colorful illustration-paintings and tied to spirituality, metaphycics and the cosmos. That was my first time experiencing that project and those philosophies and it put into words and image many things I had always felt. For me color is spiritual and that includes being connected to nature and the experience of being alive. So then, to put it in simple terms, color for me is an expression of my existence and life force.

Frozen, 2020, 74 x 87 inches, silk, linen, steel. Image courtesy of the artist and R & Company. Photo by Joe Kramm.

Your works range up to three-dimensional installations, even large ones, or articulated installations that completely change the perception of the environment. What relationship do your works have with space?

When I first moved into working with space and had dropped making clothing, I felt as if space was my new body- that instead of making intimate experiences for people, that I was taking a step back to allow for a different and less personal kind of intimacy. When you put something on your body it’s so intimate and direct, so tactile and also so specific. In a room or a space, there is the possibility for a multisensory experience and for many to have it instead of one. The space becomes a container for so much. I love that idea of the container that holds energy and objects, and can cause layers of experiences for those who enter.

One of my first times really engaging with architecture in a way that shifted my perceptions and ideas was for an exhibition at the ICA Boston called Dance/Draw curated by Helen Molesworth for which I did 2 iterations of my KNITTING NATION project. The show was, broadly, about bodies making marks in space, and that really became something to me- I took that as a directive for my work there. I started to see the knitting machines and knitters as an apparatus and a sort of 3D plotting tool – that we could make material that could function as malleable color and be moved around in all directions.

I want my installations to feel like other worlds and for one to be both agitated and comfortable, seduced and mystified, curious, and relaxed. They are like dreams to me, fantasies that blend my obsessions and affinities for things that also reference domestic space, so that one gets a bit confused. I am interested in being disoriented and what happens to perception when you shift things so that one can for a moment feel free and experience wonder and see things in a new but incredibly familiar way.

Shapeshifter 2, 100 x 36 x 1.75 inches, 2020, acrylic yarn & paint, rayon, flashe, wood
Shapeshifter 4, 60 x 30 x 1.5 inches, 2020, acrylic yarn & paint, rayon, flashe, wood

Among the various experiments with techniques and materials there is the paper with which you have created very different artworks, some woven and others three-dimensional. Can you tell me about this project and about these works?

I was invited to produce an edition in pulp paper with the Brodsky Center, a paper and print studio now based in Philadelphia at PAFA, formerly based in New Jersey at Rutgers.

The Brodsky has been producing paper editions with artists for decades. This was a residency I did over 3 visits in summer 2021. For this work – a new process & medium for me, I decided to create a new version of a work on paper I had made in 2013 which was an important piece that was falling apart. The piece was a yarn and tape on paper piece that I had made to plan a woven textile that I was designing with Pollack for a collection called the Makers. The fabric was to be a drapery fabric with long floats that would be cut after weaving to result in long floats. I set up a situation on the wall with tacks outside the edges of the paper whereby I could wind yarn across the surface of the paper and adhere it as I went.

But never got back to that process and the paper piece slowly was disintegrating after I showed it a couple times and wasn’t taking care of it properly-rolling it up and not transporting it well etc.

this piece was a very generative piece for subsequent works, and I had long wanted to make it again. So the paper processes seemed like the right opportunity to create a facsimile.

Added to the new piece was an embossing of the yarn into the paper, so that makes a very special look along with the fusion of the elements due to the nature of the pulp.

I also wanted to expand into colored works where the pieces could be more like my woven paintings, so pushed the idea in that direction making 2 additional larger pieces with multiple colors.

The pieces are available through the Brodsky Center.

Fractured/ Smoldering, 57 x 30 inches, 2021, Handmade cotton paper with cotton pulp painting, embedded rayon yarns, and pigmented cotton pulp. Unique edition of 2 unique variants. Collaborative papermaker: Nicole Donnelly. Published by the Brodsky Center at PAFA, Philadelphia.
Fractured/Portal, 2021 Handmade cotton paper with cotton pulp painting, embedded rayon yarns, and pigmented cotton pulp Approximately 57 x 30 inches overall Unique edition of 2 unique variants. Collaborative papermaker: Nicole Donnelly. Published by the Brodsky Center at PAFA, Philadelphia. Photo courtesy of the artist and the Brodsky Center at PAFA, Philadelphia. Photo by Adrian Cubillas. Copyright of the artist and the Brodsky Center at PAFA, Philadelphia.

What is art, Liz, in your opinion? And what does ‘making art’ mean to you?

I like to look up definitions because they help remind me of what words are supposed to mean and sometimes are not neutral or objective, and thus somehow revelatory. In the case of “art”, the Merriam Webster dictionary says art means:

“something that is created with imagination and skill and that is beautiful or that expresses important ideas or feelings”

This is amusing because of the “or” between “beautiful” and “that expresses important ideas or feelings”, which implies that you can’t have both!  And this gets at something I do grapple with as a person working in what some call the “Decorative Arts” and educated in a patriarchal system where beauty and decoration were less valid. I am in a process now of decolonizing my creativity, as I have discovered that there are things deep inside of me that I learned in school that impede me from feeling completely free, even though in essence I am and feel free on the surface. Art school was so powerful, transformative and essential for me, but also came with lots of ideas and judgements that I took on as a sort of thought police. It’s not something one would ever think in looking at my work, but the truth is  I learned that I always had to have an IDEA that drove the work, and despite years of working with my strong and sometimes domineering intuition that leads me to make what I want, I still have traces of this that feel burdensome and impede my creativity.

Making art is so many things to me, but at the core is about making and the transformation of material. I identify with the idea of alchemy – that there is magic in this process for me and for so many others. It is about expressing my experience of being a being, of living life, of seeing things, of the realm of the senses, of the world around us. I feel as if I am a sponge and absorb so much and then squeeze it out and that liquid takes form and becomes my art. Actually, I have been so fixated on liquid and making things that look like cascades, showers, and other forms that spill forth liquid- I wonder if maybe this idea of the wrung out sponge is what I am trying to talk about.

Art is asking questions, having conversations, starting revolutions, going backwards, going forwards. Creativity is one of our best attributes- the instinct and capability to make and express.I was going to say something about humans, but I think about all the artistic expressions made by other species, and think again that it’s something beings do: create and express. I am here to do this, and can’t imagine living any other way.

Installation view: Stretched Markers, 2020, silk, dimensions variable. Image courtesy of the artist and the Addison Gallery

A very dynamic artistic career yours, always crowned with success. Who is Liz Collins today and what are your plans for the future?

Thank you! Although I have had many failures and get rejected from many things, so the appearance of success has folded into it those realities every artist faces as part of putting one’s work into the world and competing for resources and opportunities. So today I am a working artist who is both driven and ambitious, yet humbled by the realities of the world in which I work.

I feel proud and grateful for the life I get to live as an artist, because there’s so much freedom and joy, and so many wonderful people involved in the field who are so engaged with the past, present, and future. It’s a very exciting and inspiring way to live, and world to live in, despite the financial instability of it.

Today I remain on the continuum I mentioned at the beginning of this interview- making new works that draw from past works and move things forward into bigger and more expanded versions of ideas that are evolving over time. Usually I am juggling multiple projects that span short to longer term, and this moment has me engrossed in a couple big things that will land later this year. I have a solo show at Luis de Jesus Los Angeles in June 2022 with new works called “Shapeshifters” and a big solo exhibition opening in October at Rochdale Art Museum in Northern England, guest curated by Julia Bryan-Wilson, that will be a sort of mid-career retrospective. Another very exciting upcoming thing in 2023 is Lynne Cooke’s new survey show about textile design and abstract art that will open at LACMA in Los Angeles, and then travel to the National Gallery of Art in Washington DC, in which I will have several works.



*Foto in evidenza: Studio portrait, 2021. Photo by Joe Kramm


Liz Collins è un’artista multimediale con sede a Brooklyn, New York, ha conseguito un BFA e successivamente un MFA in Textiles al RISD. Dopo la laurea, ha lanciato il suo marchio di moda incentrato sulla maglieria che dalla presentazione in passerella a New York durante la settimana della moda ha raggiunto in pochi anni un successo internazionale e riconoscimenti dai media per la sua cifra innovativa.

Nel 2003 Collins è entrata a far parte della facoltà tessile di RISD, passando alla creazione artistica e alla consulenza e sviluppo del design per altri marchi. Il suo brand di moda si è trasformato in un’impresa basata su progetti, con occasionali incursioni nelle capsule collection. Nel 2013, lascia la facoltà per approfondire il suo percorso nell’arte e nel design. Da allora ha insegnato al SAIC, al MICA, al Pratt, al Parsons e al Moore College tenendo anche lezioni come artista e critica ospite in molte scuole. La sua ricerca si snoda in maniera fluida tra arte e design con una particolare predilezione per il medium tessile. Sue mostre personali si sono tenute a New York City – al Museum of Arts and Design, LMAK, Heller e BGSQD e alle fiere d’arte NADA, Collective e Spring Break – e in diverse sedi istituzionali e gallerie in ambito nazionale ed internazionale, tra cui Tang Museum (Saratoga Springs, NY), AMP (MA), Knoxville Museum of Art (TN), Gallery DLUL (Lubiana) e Rossana Orlandi (Milano). Innumerevoli le partecipazioni a progetti collettivi dal MoMA di New York alla NoLAB di Istanbul, a Kristin Hjellegjerde di Berlino fino alla Luis de Jesus di Los Angeles.
Il suo lavoro ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui una borsa di studio MacColl Johnson, una della Foundation for Contemporary Arts & ArtistRelief e il CeCARtsLink Grant che le ha consentito di realizzare la performance/installazione KNITTING NATION a Zagabria, in Croazia.
Collins è un Queer Art Mentor, membro dell’Advisory Board di Fire Island Art Residency e membro del Comitato Esposizioni del Leslie Lohman Museum. Nel 2021, il Museo Tang ha pubblicato la monografia Liz Collins Energy Field.

Plaid, 14,5 x 14 pollici, 2021, acrilico, cashmere, cotone, lurex, seta, lana. Images courtesy of the artist and Candice Madey Gallery
Brick Plaid, 14 x 13,5 pollici, 2021, cotone, mohair, seta, lana. Images courtesy of the artist and Candice Madey Gallery
Forcefield, 14 x 16 pollici, 2021, cashmere, cotone, lurex, seta, lana. Images courtesy of the artist and Candice Madey Gallery
Neverland, 15.5 x 14 inches, 202, cashmere, cotton, lurex, mohair, silk, woolNeverland, 15,5 x 14 pollici, 202, cashmere, cotone, lurex, mohair, seta, lana. Images courtesy of the artist and Candice Madey Gallery

Arte, moda, design e una pluralità di materiali e tecniche: in tutto questo il tessile è sempre presente. Cosa rende questo medium così speciale per te?

Sento che c’è tantissima magia nei tessuti, un’abbondanza di possibilità che non si esaurisce mai… sia nei materiali che nelle tecniche, c’è il potenziale sia per un’estrema intricatezza e complessità che per i gesti liberi e il caos… la malleabilità, il colore e una vasta gamma di texture e forme, tutto questo in un solo ambito mi sembra infinitamente stimolante.

Comunque, suppongo che lo stesso si possa dire di qualsiasi cosa, ogni artista può dire queste cose sulle aree di interesse e sulle ossessioni che lo spingono a creare. Ma quello che mi stai chiedendo riguarda me, il mio operare in aree diverse (arte, design) e sempre con i tessuti.

Ho imparato a conoscere i tessuti molto presto e penso che una delle verità fondamentali di me stessa sia legata al mio lignaggio familiare e all’affinità per il tessuto che scorre nelle mie vene. Discendo da persone che hanno fabbricato stoffe o fatto cose con le stoffe, quindi il tessuto è parte della mia eredità. Mia nonna era solita lavorare a maglia al cinema quando era una giovane donna negli anni ’20. L’altra mia nonna aveva un negozio di vestiti. Mio padre realizzava vele da regata con una macchina da cucire industriale. Sono cresciuta in un ambiente dove l’artigianato e il fai-da-te erano molto presenti. Mi sono appassionata all’uso di filati e stoffe, e anche se da giovane ho esplorato molti altri metodi per fare arte, dalla fotografia alla ceramica; nella tarda adolescenza quello che ho scoperto nel tessile mi ha aperto un mondo veramente magico e pieno di processi alchemici che mi avrebbero garantito una vita piena di creazione, in molte forme.

CRONEY, 2021, nylon, rete metallica, vernice al lattice, sedie ikea, rayon. CRONEY Una trasformazione di un vecchio gazebo allo Stoneleaf Retreat a Upstate New York, foto di Joe Kramm.

In questa fluidità di ambiti in cui hai lavorato qual è la differenza da un punto di vista dell’espressione della tua creatività e del tuo talento tra moda, arte e design?

Ho sempre avuto un’affinità con le persone creative che si muovono da un’area all’altra in modi che sembrano estesi, naturali e profondamente intuitivi e ho sempre sentito questo in me… che nell’arte c’è tanta libertà – si può davvero fare tutto, e non ci sono limiti. Quindi sta al creatore trovare gli spazi che si adattino alle idee. Il design ha spesso dei requisiti legati all’uso, per essere sicuri, ma c’è così tanta area grigia in quel concetto… quindi spetta alla persona che ha avuto le idee risolvere i problemi per soddisfare le esigenze di quell’oggetto o esperienza. Applico spesso il pensiero del design nelle mie installazioni artistiche perché sono spazi sociali e quindi legati all’uso – non mi sembra diverso o separato dal lavoro che sto facendo in questo periodo. Le cose che faccio e ho fatto in precedenza sono tutte parti di un lungo continuum di creatività; intrecciandosi meravigliosamente una cosa alimenta l’altra e le idee si muovono da un ambito all’altro.

A New York abbiamo appena avuto una meravigliosa mostra di Sophie Taueber Arp al MoMA che, insieme a Sonia Delaunay, è una delle persone a cui ho fatto riferimento e che ho ammirato per aver lavorato in modo solido attraverso le discipline nell’arte e nel design, con particolare attenzione ai tessuti. Vedo in loro ciò che vedo in me stessa, cioè una capacità di cambiare forma, di provocare e applicare le mie idee a qualsiasi area da cui mi sento attratta con passione, amore e visione.

Installation view: Strainer (version 3), 2017, nylon ropes, mdf, latex paint, part of the Energy Field installation. Image courtesy of the artist and The Tang Museum

Il colore è indubbiamente l’altra caratteristica immancabile dei tuoi lavori. Cos’è il colore per te, che significati ha nella tua pratica artistica e come scegli i colori delle tue opere?

Il colore è qualcosa di profondamente intuitivo per me. Credo che la sensibilità al colore possa essere trasmessa attraverso il proprio patrimonio genetico, proprio come altre caratteristiche, e credo di avere in parte acquisito il senso del colore di mia madre.

Perché amo così tanto il rosa caldo? Perché mi fa sentire così viva e mi dà così tanto piacere quando lo vedo? Perché torno ad esso ancora e ancora? È troppo? … Mi faccio molte domande sul colore e sono perennemente curiosa di sapere perché uso le stesse tavolozze e ho certe fissazioni. L’altro giorno ho ordinato un gran numero di filati per fare nuovi lavori per una prossima mostra personale, vi ho visto gli stessi colori che uso sempre: rosso, rosa, grigio, nero, viola, blu. Erano di nuovo lì. Lavoro anche con altri colori e mi piace quando un progetto mi costringe a cambiare le mie abitudini. Ho visto alcuni dei miei lavori migliori nascere nel momento in cui mi sono dovuta limitare a un colore o a un gruppo di colori che normalmente non avrei usato.

Approccio la creazione dei miei lavori e progetti partendo da un sentimento – cosa sto provando in questo momento (che include ciò a cui sto pensando) e che aspetto ha? E il colore viene da lì. Ho visto una grande mostra sul tema del colore a Torino alla GAM e al Castello di Rivoli qualche tempo fa che mi è rimasta in mente. La mostra si basava e prendeva le mosse da Thought-Forms, il brillante progetto teosofico di Annie Besant e C.W. Leadbeater del 1901, dove sentimenti e stati emotivi venivano rappresentati da illustrazioni-pitture astratte colorate e legate alla spiritualità, alla metafisica e al cosmo. Era la prima volta che mi avvicinavo a quel lavoro a quelle filosofie, scoprendo che traducevano in parole e immagini molte delle cose che avevo sempre sentito. Per me il colore è spirituale e questo include l’essere connessi alla natura e l’esperienza di essere vivi. Quindi, per dirla in termini semplici, il colore per me è un’espressione della mia esistenza e della mia forza vitale.

Frozen, 2020, 74 x 87 inches, silk, linen, steel. Image courtesy of the artist and R & Company. Photo by Joe Kramm

I tuoi lavori spaziano fino a installazioni tridimensionali anche di grandi dimensioni o allestimenti articolati che mutano completamente la percezione dell’ambiente. Che rapporto hanno le tue opere con lo spazio?

Quando ho iniziato a lavorare con lo spazio e ho smesso di fare vestiti, mi sentivo come se lo spazio fosse il mio nuovo corpo – che invece di offrire esperienze intime alle persone, stavo facendo un passo indietro per consentire un tipo di intimità diversa e meno personale. Quando metti qualcosa sopra il tuo corpo, il contatto è così intimo e diretto, così tattile e anche così specifico. In una stanza o in uno spazio, c’è la possibilità per un’esperienza multisensoriale che può essere percepita da più persone, oltre che dal singolo. Lo spazio diventa un contenitore di tante cose. Mi piace l’idea del contenitore che contiene energia e oggetti, e può provocare diversi livelli di esperienze per coloro che vi entrano.

Una delle mie prime volte in cui mi sono davvero confrontata con l’architettura, in un modo che ha cambiato le mie percezioni e idee, è stata per una mostra all’ICA di Boston chiamata Dance/Draw, curata da Helen Molesworth, per la quale ho fatto due versioni del mio progetto KNITTING NATION. La mostra era, in generale, sui corpi che fanno dei segni nello spazio; questo tema è diventato davvero importante per me, l’ho preso come una linea guida per il mio lavoro. Ho iniziato a vedere le macchine da maglieria e le magliaie come un apparato e una sorta di strumento di tracciatura 3D. Esse potevamo realizzare un materiale che potesse funzionare come un colore malleabile ed essere mosso in tutte le direzioni.

Voglio che le mie installazioni vengano percepite come mondi ulteriori e che lo spettatore sia agitato e comodo, sedotto e mistificato, curioso e rilassato. Per me, sono come sogni, fantasie che fondono le mie ossessioni e la mia predilezione per quelle cose che richiamano lo spazio domestico, in modo che ci si confonda un po’. Mi interessa il disorientamento e quello che succede alla percezione quando le cose vengono dislocate in modo che il fruitore possa per un momento sentirsi libero e provare meraviglia vedendo le cose in un modo nuovo eppure incredibilmente familiare.

Shapeshifter 2, 100 x 36 x 1,75 pollici, 2020, filato acrilico & vernice, rayon, flashe, legno
Shapeshifter 4, 60 x 30 x 1,5 pollici, 2020, filato acrilico & vernice, rayon, flashe, legno

Tra le diverse sperimentazioni di tecniche e materiali c’è la carta con cui hai realizzato opere molto diverse, alcune tessute altre tridimensionali. Mi racconti questo progetto e queste opere?

Sono stato invitato a produrre un’edizione in carta di cellulosa con il Brodsky Center, uno studio di carta e stampa che ha ora sede a Filadelfia al PAFA, mentre prima si trovava in New Jersey alla Rutgers.

Da decenni, il Brodsky produce edizioni su carta in collaborazione con artisti. Questa è stata una residenza che ho sviluppato nel corso di 3 soggiorni, nell’estate del 2021.

Per questo lavoro, che per me implicava l’uso di un nuovo mezzo e processo, ho deciso di ricreare una versione di un lavoro su carta che avevo fatto nel 2013, un pezzo importante che stava cadendo a pezzi.

L’opera, (filo e nastro su carta) era stata realizzata per progettare una superficie tessuta che stavo sviluppando con Pollack per una collezione chiamata “Makers”. Il tessuto doveva essere un drappeggio con lunghe fibre che sarebbero state tagliate dopo la tessitura per ottenere lunghe frange.  Ho allestito una soluzione sul muro con dei chiodini fuori dai bordi del foglio in modo da poter avvolgere il filo sulla superficie della carta e farlo aderire man mano. È stato un bel lavoro e ogni fase è stata interessante. Ho fatto molte fotografie durante il processo di realizzazione.

Non sono mai tornata a ripetere quel processo e purtroppo il pezzo di carta si stava disintegrando, dopo averlo mostrato un paio di volte e non essendomene presa cura correttamente – arrotolandolo e non trasportandolo adeguatamente.

La creazione di quest’opera è stata un’esperienza molto formativa per i lavori successivi, da tempo volevo rifarla. Così, i processi di lavorazione della carta mi sono sembrati l’occasione giusta per creare un facsimile.

Al nuovo pezzo è stata aggiunta un’impronta lasciata dal filo nella carta, il che rende l’aspetto molto speciale insieme alla fusione degli elementi dovuta alla natura della polpa di cellulosa.

Volevo anche ampliare sperimentando con lavori colorati dove i pezzi sarebbero stati più simili ai miei dipinti intrecciati, così ho spinto l’idea in quella direzione facendo altri 2 pezzi più grandi e con più colori.

I pezzi sono disponibili attraverso il Brodsky Center.

Fractured/Smolderin, 57 x 30 pollici, 2021, Carta di cotone fatta a mano con pittura di polpa di cotone, filati di rayon incorporati e polpa di cotone pigmentata. Edizione unica di 2 varianti. Realizzazione della carta in collaborazione con Nicole Donnelly. Pubblicato dal Brodsky Center at PAFA, Philadelphia. Donnelly. Published by the Brodsky Center at PAFA, Philadelphia
Fractured/Portal, 2021 Handmade cotton paper with cotton pulp painting, embedded rayon yarns, and pigmented cotton pulp Approximately 57 x 30 inches overall Unique edition of 2 unique variants. Collaborative papermaker: Nicole Donnelly. Published by the Brodsky Center at PAFA, Philadelphia. Photo courtesy of the artist and the Brodsky Center at PAFA, Philadelphia. Photo by Adrian Cubillas. Copyright of the artist and the Brodsky Center at PAFA, Philadelphia.

Cos’è l’arte secondo te? E cosa significa per te “fare arte”?

Mi piace cercare le definizioni delle parole perché mi aiutano a ricordarmi il loro significato; a volte non sono neutre o oggettive e quindi, in qualche modo, sono rivelatrici. Nel caso di “arte”, il dizionario Merriam Webster dice che arte significa: “qualcosa che è creato con immaginazione e abilità e che è bello o che esprime idee o sentimenti importanti.”

Questo è divertente per l’uso della “o” tra “bello” e “che esprime idee o sentimenti importanti”, che implica che non si possono avere entrambi! Questo riporta a un aspetto con cui mi scontro spesso come persona che lavora in quelle che alcuni chiamano “Arti Decorative” e che è stata educata in un sistema patriarcale in cui la bellezza e la decorazione erano considerate meno valide. Ora sto attraversando un processo di decolonizzazione della mia creatività, poiché ho scoperto che ci sono cose dentro di me che ho imparato a scuola e che mi impediscono di sentirmi completamente libera, anche se in sostanza sono e mi sento libera in superficie. La scuola d’arte è stata un’esperienza potente, trasformativa ed essenziale per me, ma è stata anche accompagnata da idee e giudizi che ho assunto come una sorta di “polizia del pensiero”. Non è qualcosa di percepibile dal mio lavoro ma la verità è che ho imparato ad avere un’IDEA che guida la creazione dell’opera. Nonostante anni di lavoro con il mio forte e talvolta dominante intuito, che mi porta a fare ciò che voglio, ho ancora tracce di questa modalità che mi pesano e ostacolano la mia creatività.

Fare arte significa tante cose per me, ma al centro c’è il fare manuale e la trasformazione del materiale. Mi riconosco nell’idea di alchimia – per me e per molti altri c’è magia in questo processo. Si tratta di esprimere la mia esperienza di essere un essere, di vivere la vita, di vedere le cose, del regno dei sensi, del mondo che ci circonda. Mi sento come se fossi una spugna che assorbe tutto e poi lo spreme e quel liquido prende forma diventando la mia arte. In realtà, sono talmente fissata col liquido e sul fare opere che sembrano cascate, docce e altre forme che spillano liquido, che mi chiedo se forse questa idea della spugna strizzata sia ciò di cui sto cercando di parlare.

L’arte è fare domande, avere conversazioni, iniziare rivoluzioni, andare indietro, andare avanti. La creatività è uno dei nostri migliori attributi – l’istinto e la capacità di fare ed esprimere. Stavo per dire qualcosa sugli umani, ma penso a tutte le espressioni artistiche fatte da altre specie, e penso ancora che è qualcosa che gli esseri fanno: creare ed esprimere. Sono qui per fare questo, e non posso immaginare di vivere in altro modo.

Installation view: Stretched Markers, 2020, silk, dimensions variable. Image courtesy of the artist and the Addison Gallery

Un percorso artistico molto dinamico il tuo e sempre coronato dal successo. Chi è oggi Liz Collins e quali sono i progetti per il futuro?

Grazie! Anche se ho avuto molti fallimenti e sono stata rifiutata in molte occasioni, sembra che la parvenza di successo abbia incorporato quelle realtà che ogni artista affronta nel presentare il proprio lavoro al mondo, competendo per risorse e opportunità. Così oggi sono un artista professionista, motivata e ambiziosa eppure umiliata dalla realtà del mondo in cui lavoro. Mi sento orgogliosa e grata per la vita che posso vivere come artista, perché c’è così tanta libertà e gioia, e così tante persone meravigliose coinvolte in questo campo, che sono così impegnate con il passato, il presente e il futuro. È un modo eccitante di vivere e un mondo stimolante in cui vivere, nonostante la sua instabilità finanziaria.

Oggi mi trovo nel continuum che ho menzionato all’inizio di questa intervista – facendo nuovi lavori che attingono da quelli passati e portano avanti le cose in versioni più grandi e più dilatate, sono idee che si evolvono nel tempo. Di solito mi destreggio tra più progetti che vanno dal breve al lungo termine, e in questo momento sono impegnata in un paio di grandi progetti che arriveranno più avanti nel corso dell’anno. Ho una mostra personale al Luis de Jesus Los Angeles nel giugno 2022 con nuovi lavori chiamati “Shapeshifters” e una grande mostra personale che aprirà in ottobre al Rochdale Art Museum nel nord dell’Inghilterra, curata da Julia Bryan-Wilson, che sarà una sorta di retrospettiva di metà carriera. Un’altra cosa molto eccitante in arrivo nel 2023 è la nuova mostra di Lynne Cooke sul design tessile e l’arte astratta che aprirà al LACMA di Los Angeles, e poi andrà alla National Gallery of Art di Washington DC, in cui avrò diverse opere.

Barbara Pavan

English version Sono nata a Monza nel 1969 ma cresciuta in provincia di Biella, terra di filati e tessuti. Mi sono occupata lungamente di arte contemporanea, dopo aver trasformato una passione in una professione. Ho curato mostre, progetti espositivi, manifestazioni culturali, cataloghi e blog tematici, collaborando con associazioni, gallerie, istituzioni pubbliche e private. Da qualche anno la mia attenzione è rivolta prevalentemente verso l’arte tessile e la fiber art, linguaggi contemporanei che assecondano un antico e mai sopito interesse per i tappeti ed i tessuti antichi. Su ARTEMORBIDA voglio raccontare la fiber art italiana, con interviste alle artiste ed agli artisti e recensioni degli eventi e delle mostre legate all’arte tessile sul territorio nazionale.