NEHA PURI DHIR

*Foto in evidenza: OVERFLOW, 2022, 95 cm X 128 cm (componente 1), 95 cm X 32 cm (componente 2). Tintura a riserva e punto continuo con plastica su seta tessuta a mano. Pic Courtesy- Neha Puri Dhir, copyright Neha Puri Dhir

Fiber artist di origini indiane, classe 1982, Neha Puri Dhir, si è formata presso il National Institute of Design di Ahmedabad, ha poi conseguito un Master in Strategic Design al Politecnico di Milano, Italia, e un Master in Design for Textile Futures al Central Saint Martins College of Art & Design di Londra, UK.

Dopo un lungo percorso di sperimentazione di diverse tecniche tessili, l’artista rimane affascinata dall’antica tecnica giapponese dello Shibori che, come Puri Dhir afferma, porta con sé un elemento di sorpresa e imprevedibilità che rende il risultato magico e inimitabile.

Le opere di Neha Puri Dhir incarnano la raffinata sensibilità e coscienza estetica dell’artista, il cui lavoro rivela la capacità di trascendere l’aspetto puro e semplice dell’opera stessa permettendole di entrare in risonanza con il pubblico rendendo visibile l’invisibile e riuscendo a comunicare l’essenza dell’atto creativo.

In questa interessante intervista in esclusiva per il nostro magazine e in collaborazione con l’International Art Textile Biennale (IATB) di cui ArteMorbida è media partner, l’artista parla del suo percorso professionale e delle basi su cui si fonda la sua ricerca.

Sei un’artista affermata e di grande esperienza nel campo della fiber art. Che tipo di ricerca caratterizza la tua produzione e cosa influenza maggiormente la tua immaginazione e la tua pratica artistica?

Prima di parlare di cosa influenza la mia arte, vorrei condividere con voi come è iniziato il mio viaggio nell’arte. Ho iniziato la mia pratica artistica circa dieci anni fa, dopo essere stata impegnata professionalmente nell’industria, nell’artigianato e nell’istruzione artistica e di design. È cominciato tutto con il desiderio di trovare un’impronta creativa che fosse frutto di varie esperienze personali. Onestamente, avevo in mente solo il fine, ovvero creare un’espressione autentica sotto forma di arte, ma non ero sicura di come raggiungere quel traguardo.

Per me, la genesi di un’opera d’arte può essere semplicemente un articolo letto da qualche parte o un viaggio in una destinazione qualunque che ha dato il via a un’introspezione o a dei pensieri. Per darvi un’idea, una delle mie opere recenti, intitolata “Dolphin of the Ganges”, è stata concepita dopo aver letto un articolo inquietante su come i delfini, che un tempo prosperavano nel bellissimo fiume indiano “Gange”, siano sull’orlo dell’estinzione, come conseguenza di tutte le attività dell’uomo distruttive per l’ecologia.

Nel 2015 ho creato una serie di opere con il nome di “Shūnya”, che esplora il concetto di vuoto o di nulla. Quasi tutte le opere sono monocromatiche, poiché i colori di base del bianco e del nero (in questo caso il beige, che è il colore naturale della seta) rappresentano magnificamente il nulla. Queste opere nascono da uno stato di pace interiore, e questa pace traspare chiaramente dalle opere.

Sono particolarmente affascinata dalla filosofia giapponese del Wabi-Sabi, che significa essenzialmente celebrare l’imperfetto o l’incompleto. Credo che la mia estetica artistica sia quella che più si avvicina al Wabi-Sabi e il linguaggio visivo ruota inconsciamente attorno ad esso.

Mi sento di dire che l’espressione creativa che nasce da uno stimolo emotivo interno contribuisce a rendere il lavoro inconfutabilmente personale e fedele al cuore.

Personalmente, mi commuovono spesso le storie di lotta e di resilienza, soprattutto delle donne. È stimolante leggere di persone che hanno continuato a darsi da fare e che sono riuscite ad avere successo nonostante le difficoltà. Queste storie sono ciò che mi spinge a svegliarmi ogni mattina e a perseguire la mia passione.

Nei tuoi anni universitari hai vissuto e studiato in vari paesi del mondo come l’India, l’Inghilterra e l’Italia, immersa in realtà multiculturali. Come si riflettono queste esperienze e questi aspetti della tua vita nei tuoi lavori?

Innanzitutto, mi sento estremamente privilegiata per aver avuto l’opportunità di studiare in alcune grandi istituzioni in India e all’estero. L’esposizione a culture diverse è un’esperienza che arricchisce ogni anima creativa e ogni volta che trovo il tempo di insegnare, questa è ancora la prima cosa che sottolineo a tutti i miei studenti. La cultura è di per sé immensa e la sua bellezza sta nel fatto che, il più delle volte, non ne apprezziamo l’influenza nella nostra vita quotidiana, nelle nostre azioni e nei nostri pensieri. Vivere in Paesi diversi mi ha sicuramente fatto abbracciare questo aspetto e mi ha reso una persona più ricettiva. Credo che mi abbia reso più empatica e oggi il mio lavoro trascende i confini geografici non solo nella presentazione ma anche nella concettualizzazione.

Storicamente, l’arte è sempre stata strettamente associata e influenzata da varie questioni socio-politiche dell’attualità. Da quando ho avuto l’opportunità di viaggiare e vivere in diversi Paesi negli anni più incisivi della mia vita, questo ha in qualche modo ampliato la mia sfera di influenza. Per esempio, nonostante viva in India, gli incendi boschivi in qualsiasi parte del mondo mi disturbano come se fossero vicini a me e una notizia sulla rigenerazione dei coralli negli oceani mi dà altrettanta gioia. Molti dei miei lavori oggi sono influenzati da questioni globali isolate e anche da sfide comuni al mondo in generale. Inoltre, sento che questo è un apprendimento continuo nella mia vita. Ad esempio, ricordo che quando ho visitato la Lettonia per una residenza artistica nel 2016, l’esposizione alla demografia e all’architettura del dopoguerra ha lasciato un segno indelebile nella mia mente. Direi che più che la diversa pedagogia delle istituzioni in cui ho studiato, come hai giustamente sottolineato, è questa esposizione a culture diverse, sotto forma di interazione con le persone, che trovo impressa nel mio lavoro in più di un modo.

Parliamo dello Shibori, un’antica tecnica che utilizzi come strumento d’elezione per la creazione delle tue opere. Puoi dirci in cosa consiste e come riesci a trasporre una tecnica così tradizionale in chiave contemporanea? Cosa ti affascina dello Shibori?

Quando ho intrapreso questo viaggio come artista, ho sperimentato a fondo varie tecniche di costruzione tessile che avevo esplorato da studente e poi da professionista. Tra queste, mi sono resa conto di essere più in sintonia con la tintura a riserva (una particolare tecnica di tintura in cui si evidenzia il punto), in particolare con l’antica tecnica giapponese dello Shibori. Considero quell’illuminazione come un momento “wow” della vita e da allora non mi sono più voltata indietro. Ricordo di essere stata introdotta allo Shibori per la prima volta alla mia alma mater, il National Institute of Design di Ahmedabad, in India, in un workshop condotto da maestri come Aditi Ranjan, Yoshiko Wada e Jack Lenor Larsen. La tintura a riserva porta intrinsecamente incertezza e una magica imprevedibilità nella creazione. Per quanto si possano pianificare con fantasia i motivi e i colori dello Shibori, il risultato ha sempre un elemento di sorpresa, come se lo Shibori avesse un linguaggio proprio. Questo è ciò che mi affascina e mi attrae, rendendo ogni opera inimitabile anche per me.

Ho iniziato la mia attività artistica quasi in contemporanea al matrimonio con mio marito, che è un pilota dell’aeronautica militare indiana. Con lui la vita è stata imprevedibile e piena di incertezze. Per cominciare, siamo costretti a trasferirci spesso a causa dei suoi incarichi. Infatti, attualmente sono in procinto di cambiare base. Questo aggiunge sicuramente complessità, dato che opero quasi da uno studio in movimento, ma aggiunge anche molte dimensioni al mio lavoro. A volte mi chiedo se è per questo che sono in grado di associarmi all’imprevedibilità insita nello Shibori e a filosofie come il Wabi-Sabi che celebrano l’impermanenza.
Lo Shibori o tintura a riserva consiste principalmente nel proteggere alcune parti del tessuto dall’esposizione alla tintura. La schermatura può essere ottenuta in vari modi, uno dei quali è quello di cucire il tessuto insieme in un motivo e la tintura a riserva Shibori è la tecnica che uso prevalentemente. Il motivo della cucitura si rivela magicamente quando si apre il tessuto dopo la tintura. Ho abbracciato il concetto di base di questa tecnica, ma la maggior parte dei miei lavori prevede livelli multipli di cucitura, tintura, scarico-tintura e sovratintura, che è un adattamento contemporaneo di questa tecnica. Lavoro principalmente con tessuti fatti a mano, provenienti esclusivamente da tessitori di distretti artigianali in India, con i quali ho collaborato durante i miei anni post-universitari. Oggi considero il mio lavoro anche come un omaggio a queste laboriose tessitrici e come un piccolo mezzo per sostenere il loro lavoro esemplare.

Quest’anno si terrà la seconda edizione di IATB 2023. Quanto è importante per un artista avere accesso a un evento così prestigioso?

Non smetterò mai di ripetere quanto gli eventi prestigiosi come IATB 2023 siano importanti e arricchenti per ogni artista. L’opportunità e il pubblico che promettono sono di immensa importanza per la crescita di un artista. Queste piattaforme riuniscono persone che la pensano allo stesso modo in tutto il mondo e che sono destinate a influenzare reciprocamente la propria vita e il proprio lavoro in maniera positiva.

Dal momento che la mostra viaggerà e sarà presentata in otto sedi in Australia, è ugualmente interessante per i partecipanti e per il pubblico. Sono entusiasta di farne parte e la considero una meravigliosa opportunità per conoscere il magnifico lavoro nel campo dell’arte tessile che viene creato a livello globale.

Avendo sempre lavorato con i tessuti, è un’emozione per me. Pensandoci bene, il tessuto è la prima e l’ultima cosa che tocca la pelle umana. Più volte i tessuti si sono rivelati il filo conduttore che ha permesso di comprendere meglio la storia e le culture. È quindi estremamente gratificante vedere l’Art Textile affermarsi come arte visiva mainstream. Mostre come questa offrono l’opportunità di esplorare la gamma di possibilità offerte dai tessuti come medium di comunicazione.

Puoi parlarci della genesi e del significato dell’opera che esporrai alla International Art Textile Biennale 2023?

L’opera che espongo allo IATB 23 si chiama “Overflow” e consiste in una tintura a resistenza su seta tessuta a mano, con un punto continuo che utilizza la plastica come filo. L’opera, il processo e il concetto sono tutti legati a me.

Questo lavoro è stato concepito dopo un recente viaggio di famiglia nelle isole Andamane e Nicobare, un tempo incontaminate, in India. Si tratta di un gruppo di isole bellissime e serene, ma è stato molto inquietante vedere l’oceano trascurato e la crescente infestazione di plastica. L’egoismo e l’avidità della specie umana sono stati per me insopportabili. Ho provato un sentimento di disperazione quando ho capito che, per come siamo messi, lasceremo solo rovine alla nostra prossima generazione. Quindi, questo lavoro è l’espressione dell’angoscia, dell’inquietudine che ho provato quando ho visto l’insensibilità con cui stiamo sfruttando il nostro ambiente.

È angosciante leggere queste notizie da tutto il mondo. Di tanto in tanto si verificano fuoriuscite di petrolio, la pesca eccessiva sta causando una mortalità di massa della vita acquatica, mentre i nostri oceani sono sempre stati l’emblema della vivacità.

Il processo di creazione di un’opera è per te una cosa istintiva o è più il risultato di un progetto preciso?

Vedo il mio lavoro solo come un tramite per dare forma tangibile a ciò che tocca il mio cuore e la mente. A volte si può manifestare in un grande corpus di opere o può essere solo un’opera d’arte isolata.

Ad esempio, la mia prima mostra personale del 2014 si chiamava “Amoolya”. Ho scelto questa mostra come un progetto che mirava a mostrare i miei concetti con lo Shibori. È stato l’inizio di un viaggio e di una serie in cui ho sperimentato forme geometriche di base ed esplorato l’interazione del tessuto con i colori. Da allora, sento di essere in continua crescita come artista e di avere ancora molta strada da fare. Ma il mio lavoro sarà sempre specchio della mia mente e nascerà da un’emozione o da un istinto innato. A volte, quando mi preparo per una mostra personale come “Shūnya”, seguo una tabella di marcia prestabilita, a causa delle dimensioni del lavoro richiesto.

A volte ti imbatti in storie che per qualche strano motivo hanno su di te un impatto che dura nel tempo, come quando per la prima volta ho conosciuto la tecnica Boro, un insieme di tessuti giapponesi che sono stati riparati o rammendati attentamente da famiglie povere di origine giapponese. Constatare come il concetto di sostenibilità venga celebrato nella sua forma più pura, dato che nulla viene sprecato, è molto interessante.

Probabilmente nata dalla povertà, questa tecnica ha aperto il varco a un’estetica unica nel suo genere. Ero talmente presa dal conoscere e dall’osservare questi pezzi che ho creato una serie di indumenti unici di arte da indossare ispirati a questa pratica giapponese. Le storie così impattanti trovano sempre il modo di esprimersi in modo creativo in un artista.

Questi capi unici, ispirati alla tecnica Boro, sono stati sviluppati principalmente utilizzando campioni di tessuto che facevano parte delle mie ricerche sulla tintura a resistenza. Ho messo insieme questa collezione con il vincolo di utilizzare solo il materiale che era già disponibile nel mio laboratorio, invece di reperirne altro. Questo approccio mi ha portato a gestire il materiale in modo più oculato. L’essenza di questa serie è costituita da capi dal taglio dritto che mettono in mostra la superficie del tessuto nella sua forma più pura. Lo scopo è quello di permettere agli spettatori di apprezzare l’arte da indossare nella sua forma più pura e incontaminata.

Ci sono temi, idee, obiettivi che senti la necessità di sviluppare o approfondire nel prosieguo della tua carriera artistica? Quali progetti hai per il futuro?

Credo che la vita sia tutta una questione di apprendimento e di crescita personale. C’è così tanto da sperimentare in questo bellissimo mondo, così tanto è accaduto e così tanto deve ancora accadere. Considero la mia arte come una parte intrinseca di me, che cresce e si evolve con me. Ci sono sempre obiettivi a breve termine o traguardi per i quali si continua a lavorare e sono questi piccoli passi che si manifestano in trasformazioni più grandi.

Ammetto che negli ultimi anni, essendo madre di una figlia di cinque anni, non è stato facile diversificare o cogliere le opportunità che mi si sono presentate. Ma in futuro mi vedo a collaborare con artisti che lavorano su altri medium, architetti che creano spazi consapevoli. Credo che questo aggiungerà una nuova dimensione al mio lavoro e potrebbe portare a un linguaggio visivo collettivo unico. Sono sempre stata una persona molto socievole e l’idea di collaborazioni multidisciplinari mi entusiasma. Allo stesso tempo, vorrei che il mio lavoro diventasse più forte concettualmente e più semplice visivamente.

Inoltre, l’educazione delle menti creative ha sempre occupato un posto speciale nel mio cuore e, insieme alla mia pratica artistica, è qualcosa che intendo continuare a fare ogni volta che ne avrò l’opportunità.