Focus On

NTK al Contextile

Norwegian Textile Artist’ Association presents twelve Norwegian and Norway-based textile artists at Contextile 3 September–31 October 2022.

Contextile, one of the most significant international biennials for textile and fibre art, in its 10th anniversary, has selected Norway as the invited country.

In collaboration with the Norwegian Textile Artists (NTK), Contextile organises a Norwegian Textile Art exhibition as part of the biennial’s 2022 edition in Guimarães, Portugal.

The Norwegian presence at the biennale will be spread out over three important cultural sites within the historic city of Guimarães: Museu de Alberto de Alberto Sampaio, Palacete Santiago e Museu da Sociedade Martins Sarmento.

The 12 Norwegian contemporary textile artists will present projects including various perspectives, representing some of the most significant concerns in Norwegian contemporary textile art. The exhibitions are curated by Norwegian textile artist Målfridur Adalsteinsdottir and the curator of Contextile 2022, Cláudia Melo, in collaboration with Janis Jefferies and Kiyoshi Yamamoto.

NTK is a democratic organisation for professional textile artists, and the curators have been particularly concerned with showing a wide range of Norwegian contemporary textile art, its vast activity, and its strong position in the art scene. The selected artists come from different parts of the country, and with different generational voices, both newly graduated and experienced older artists are represented, with works of art in various disciplines.

According to Målfridur Adalsteinsdottir: “Thematically, the works span a larger field broadly dealing with the body, nature, ecology and the environment. Some works explore identity and belonging, while others revolve around our place in time and our close but complex relationship with nature. Several artists convey poetic and dreamy works and facilitate meditative and sensory experiences. Some work with elaborate mathematical pattern construction, some with the sculptural potential in textiles, while others map out and document. There is a spotlight directed onto the polluting textile industry and the difficult working conditions of the seamstress and textile worker, on overconsumption and the political landscape of our time.”

The Norwegian Textile Artists Exhibition at Contextile 2022 is a collaboration between Norwegian Textile Artists and Contextile – Contemporary Textile Art Biennial and is supported by Norwegian Crafts through part-financing and advisory roles.

Landskap her vest -2021 di Åse Ljones Crediti fotografici Helge HansenHelsing

Åse Ljones (b. 1954 in Strandebarm, Norway) lives and works in Bergen.  Thus, she presents herself and her practice, “My art process is fundamentally related to embroidery, and it’s a bit like an examination of stitches in cloth. Embroidering by hand is like drawing or writing with a needle. The freedom, flow and rhythm of it create a sense of calm. I start with a format, form or frame and feel free within these boundaries. The needle and the movement create the flow. Sometimes it follows its own path, but I can reign it in at the next turn. The basis is nature: the relationships and experiences of a long life. I draw from within my own attic of experiences, and I’m constantly searching for a movement where the light, shine, lines, stitches and patterns create a tension in the quietness. I want my works to give viewers an experience of something bigger, something that can grow, a type of infinity. I work in both two and three dimensions. The three-dimensional aspect accentuates the shine and light in the thread’s various qualities. Everything is embroidered on linen. Not until I stretch the embroidery onto a frame or a form do I see whether I’ve achieved the result I was searching for.

Åsne Kummeneje Mellem Foto per concessione dell’artista.

Åsne Kummeneje Mellem (b. 1995) lives and works in Tromsø, Norway.

She uses art as an arena for exploring her Kven identity and belonging. Through Kven’s craft, called käsityö, she seeks to create a space for dialogue and to reveal a generational gap in the transfer of knowledge. Using conversations with history witnesses as her starting point, she pieces together fragments of a culture on the verge of extinction. At the same time, she experiments and adds her own expression – thus helping the culture not only to breathe but also to be relevant and continue to grow. At the juncture between traditional crafting techniques and creativity, Åsne Kummeneje Mellem explores the nuances of käsityö – what it has been and what it can be in the context of contemporary art. By using traditional techniques and materials in her own way, she wishes to create a room for dialogue about the Kven culture and identity. Natural materials and recycling are essential elements of käsityö, and in her textile works, Åsne Kummeneje Mellem has focused on the art of natural dyeing with stone lichen, a common plant in the north of Norway.

'Red Fungus' di Siri Bergqvam Immagine per concessione dell’artista.

Siri Berqvam (b. 1977 in Skedsmo, Norway) lives and works in Sandefjord.

I’m interested in the network that connects us all. I make somewhat surrealistic landscapes with needle and thread that are inspired by branching in nature and in the human body – from the hyphae of fungus deep underground to impulses arising through nerve cells in the human brain. My works often take the form of site-specific installations inspired by the idea of an uncontrollable, forested wilderness as seen in relation to the body and chaotic mental states. In this way, I compare the forest with the magic of the human spirit. I find it interesting that we always lack control but are constantly trying to achieve it. Fungus represents the opposite of control; it’s mostly invisible and, at the same time, all around us. The installation Fungus could be associated with abandoned houses or cities – places where catastrophes or unemployment have resulted in ghostly ruins reclaimed by nature and now inhabited by animals. Another theme I work with is the crossover between popular culture and the spiritual world. The installation Dial Tone (Summetone) involves contrasting textile materials and outdated technology. It shows different deconstructed versions of telephones with parts made of stitched and embroidered artificial leather. Communication is beyond time, through another wavelength or in another dimension. The enigmatic perspective is to be found in the nature of art, which may not be defined.

'Turning Strangers into Family' (dettaglio) di Cato Løland Crediti fotografici: Thor Brødreskift

Cato Løland (b. 1982 in Kvinnherad, Norway) lives and works in Bergen.

Says: “I’m an interdisciplinary artist and work with various media and materials. My main focus in recent years has been to explore the sculptural potential of textiles and non-pretentious materials. By combining found materials with ready-mades and textiles with various qualities and purposes, I create sculptural works that can enter into dialogue with a specific spatial situation. This is often a situation that relates to the body and the human scale. The inherent qualities, value and function of my chosen materials are challenged by my improvisation and almost archaeological methods. The sculptural assemblages address a way of thinking that questions hierarchies and highlights new and alternative ways of looking at the world that connects us all.

Linn Rebekka Åmo Immagine per concessione dell’artista.

Linn Rebekka Åmo (b. 1978 in Bodø, Norway) lives and work in Bodø.

Says: “My work is textile based, and the work process has several phases. To begin, I work spontaneously with drawing, collecting materials and cutting. In material selection, I don’t impose limitations but instead, remain open. I work with repurposing textiles because of my interest in their history, and I’m also concerned with the environmental aspect of reusing materials. Working on my textile collages, I put together free-standing elements of colour, form and materials to make elaborate compositions with different textile qualities. I’m constantly gathering materials that may have small historical references, experiences – fragments of lived life. The themes of the works revolve around the discovery of nature, time and our abuse of nature. Still, the works are ambiguous and can be interpreted in many ways. I let myself be inspired by nature’s creatures and forms, allowing this inspiration to take on new shapes in different fabrics.”

Firkanta Elastisitet, 2017 Crediti fotografici Malin Bülow

Malin Bulow (b. 1979 in Jönköping, Sweden) lives and works in Oslo.

“I develop my works through two main components – elasticity and fluidity – which relate specifically to the inherent potential for movement within my chosen materials. Always site-specific, the installations are made with flexible materials stretched into monumental sculptures, which create tension between the venue’s architecture and setting and traditional representations of bodies in classical sculpture. The installations are ‘activated’ by dancers who perform inside textile membranes that conceal and hinder them and act as extensions of their skin. These ‘elastic sculptures’ sometimes become performative still lifes – compositions that change almost imperceptibly, so slow are their movements. Like giant umbilical cords or foetal membranes, the large sculptures extend the limits of the dancers’ bodies until they melt into their host architecture and vice versa. This equivocality around the body, its borders and norms is at the heart of my work. By using the body as a material in its own right, I explore our evolving relationships with ourselves, with each other and in relation to our environment.

'Framträdande tilbakablick' (dettaglio) di Liilian Saksi. Crediti fotografici: Thomas Tveter

Liilian Saksi (b. 1989 in Norrköping, Sweden) lives and works in Skotterud, in rural eastern Norway.

The starting point for my artistic practice is raw wool, and hand spinning is my primary technique. I install the finished textile surfaces on walls or as free-standing constructions. These textile surfaces are variations on a recurring theme: the interactions between colours and the colours’ interaction with the wool. My working methods are based on self-determined limitations that alternate between intuitive and systematic decisions. In recent years I’ve worked a lot with the sprang technique. Sprang is a form of braiding that can be reminiscent of weaving, but instead of being built with warp and weft, the surface is made with one or more continuous threads. I stretch the strands of yarn to make them parallel and, row by row, hand-braid the strands into each other. A work grows from the middle outwards. I use wool from the sheep on my family’s farm in Sweden and from my own flock on the farm where I’ve lived and worked since 2020. My motivation is to have the artworks anchored in a life situation, particularly in relationships with other beings. This motivation stems from my interest in humankind’s relationships with animals and questions about the intrinsic value of animals.

Red Water' (dettaglio) di Tore Magne Gundersen. Crediti fotografici Øystein Thorvaldsen

Tore Magne Gundersen (b. 1957 in Froland, Norway) grew up in Kristiansand and lives and works in Oslo.

“After working with sculpture, painting, drawing, printed art and animation, over the last eight years, I have worked more and more with textiles. I knit and sew both by hand and with a machine. I use yarn, calico, chiffon, canvas, straw, ready-mades and other things in the production of appliqué works and more or less three-dimensional objects. The largest appliqué works are up to 12 metres long and may be called friezes or reminiscent of comic strips since they invite viewers to read them as stories. The works become largely impulsive. I fish out figures from the constant stream of alternating thoughts, images and emotions that flow through my day and night. The works can probably be considered as a confrontation and adaptation of my own demons, things I fear, figures from the subconscious, and scenes from dreams. Recently, concerns about the precarious situation of the planet and the danger of global collapse have become mixed with personal precariousness, confusion, ageing, instability and death, so I can no longer fully distinguish between the two aspects.

Sheltter, 2017. Crediti Fotografici: Karin Aurora Lindell

Karin Aurora Lindell (b. 1955 in Husqvarna, Sweden) lives and works in Trondheim.

I work conceptually, focusing on and problematising different aspects of today’s textile industry – for instance, the flagging out the West’s textile production to the East, globalisation, human dignity, consumer power and environmental and health-related issues. Labour is far too cheap in the dirty textile industry. At the same time, I want to make visible women’s textile traditions and women’s culture in general and to see them from the international and global perspective that is strongly rooted in my works. Underlying the legacy of women’s textile traditions are centuries of knowledge, insight, toil and care. Textiles are an anonymous but important part of women’s history.

'Venteværelse' di Sidsel Palmstrøm Crediti Fotografici Thomas Tveter

Sidsel Palmstrøm (b. 1967 in Trondheim, Norway) lives and works in Oslo.

I work conceptually with textile objects and installations. In many of my works, soft and pliable textiles are combined into a stringent form with the help of simple strategies. I seek a point of balance in the encounter between an idea, a material and a technique. It is a space where something can emerge and point beyond the material. The two works shown at Contextile were both originally made for a solo show in Norway in 2014, and they have been reconstructed especially for Contextile 2022. They can be read in different contexts, but there is no doubt that something is at stake. There are obvious references to some of the huge global challenges we face today: the ecological crisis caused by overconsumption and the polluting textile industry, and the constant flow of migrants, whether they are refugees seeking protection from war or simply desperate to cross borders in order to find work and live a decent life.

'Konstellasjon' (dettaglio) di Ingunn Bakke Imamgine concessa dall’artista.

Ingunn Bakke (b. 1966 in Høyanger, Norway) lives and works in Oslo.

I draw and construct geometric patterns digitally and then, using modules, create them in large formats. My working process is all about form, repetition, rhythm, colour and order. I enjoy working with installations, and my ambition is to develop a sort of dialogue between the works of art and the specific spaces where they are exhibited. Until recently, I was printing patterns on wool and silk cloth. Currently, I’m exploring ‘textile’ practices and traditions which have been applied to wood-based and harder materials. I see myself as strongly rooted in a Nordic textile tradition.

Sorting it Out, 2009, Fermo immagine dal video di Anne Knutsen e Karen Kviltu Lidal, per concessione degli artisti.

Anne Knutsen og Karen Kviltu Lidal

Anne Knutsen (b. 1956 in Bergen, Norway) lives and works in Ski, Norway.

I use flatweave techniques to create monumental textiles with a minimalist visual expression. Through these means, I seek to give the woven surfaces immaterial qualities. The ephemeral, shifting and unstable aspects arise when light hits the painstakingly constructed woven material and animate its surfaces, giving viewers transitory experiences as they move about in the room. The room’s dimensions and character are important for the shaping and mounting of the textiles. I work a lot with models in order to achieve optimal interaction between the textiles and the room. Sometimes I mount them directly on the wall, almost like wallpaper, at other times a bit away from the wall, and in yet other situations, I mount them on simple free-standing constructions that give the textiles more sculptural qualities. My intention is to facilitate spatial, meditative and sensory experiences.

Karen Kviltu Lidal (b. 1979 in Akershus, Norway) lives and works in Oslo and Berlin.

In my practice, I weave, draw and make textile sculptures and video performances that map out, trace, document and displace architecture and spaces. I’m interested in the interplay between logic and bodily experience, and it’s important to me that the projects be executed through craft and the work of the body. Often using my own body as a scale, I investigate built structures in urban areas, for instance, how cities and their architecture relate to the human body and how they hold connections to gender, power and the social sphere.”

Images and information are taken from the websites:https://www.norsketekstilkunstnere.no/contextile-2022/
https://www.norwegiancrafts.no/projects/contextile-2022

Focus On

NTK al Contextile

Dal 3 settembre al 31 ottobre 2022, la Norwegian Textile Artist’ Association sarà presente a Contextile con dodici artisti tessili norvegesi o residenti in Norvegia. Contextile, in occasione del suo decimo anniversario, ha scelto infatti la Norvegia come paese invitato.

La mostra, una collaborazione fra NTK e Contextile sarà incentrata sull’ arte tessile norvegese e presentata nell’ambito dell’edizione 2022 della biennale di Guimarães, in Portogallo.

La presenza norvegese sarà distribuita in tre importanti siti culturali all’interno della città storica di Guimarães: Museu de Alberto de Alberto Sampaio, Palacete Santiago e Museu da Sociedade Martins Sarmento.

I 12 artisti tessili presenteranno progetti che includono diverse prospettive, rappresentando alcune delle tematiche più significative dell’arte tessile contemporanea del Paese. Le mostre sono curate dall’artista tessile Målfridur Adalsteinsdottir e dalla curatrice di Contextile 2022, Cláudia Melo, in collaborazione con Janis Jefferies e Kiyoshi Yamamoto.

NTK è un’organizzazione democratica per artisti tessili professionisti e i curatori si sono preoccupati di presentare un’ampia panoramica sull’arte tessile contemporanea norvegese, la sua attività e il suo forte posizionamento nella scena artistica internazionale. Gli artisti selezionati provengono da tutto il Paese, rappresentano esperienze generazionali che comprendono sia i neo-laureati che gli artisti più anziani, con opere d’arte appartenenti a discipline differenti.

Secondo la curatrice Målfridur Adalsteinsdottir: “Dal punto di vista tematico, le opere abbracciano uno spettro ampio che riguarda diffusamente tematiche legate al corpo, alla natura, all’ecologia e all’ambiente. Alcune opere esplorano l’identità e l’appartenenza, mentre altre ruotano intorno al nostro tempo e al rapporto stretto ma complesso con la natura. Alcuni artisti realizzano opere poetiche e sognanti promuovendo esperienze meditative e sensoriali. Altri lavorano con elaborati schemi matematici o con il potenziale scultoreo dei tessuti, altri ancora tracciano mappature e documentano. I riflettori sono puntati sul problema dell’inquinamento provocato dall’industria tessile e sulle difficili condizioni di lavoro delle sarte e degli operai, sul consumo eccessivo e sul panorama politico del nostro tempo”.

La mostra degli artisti tessili norvegesi a Contextile 2022 è una collaborazione tra gli artisti tessili norvegesi e Contextile – Biennale d’Arte Tessile Contemporanea ed è sostenuta da Norwegian Crafts attraverso un parziale finanziamento e un ruolo di consulenza.

Landskap her vest -2021 di Åse Ljones Crediti fotografici Helge HansenHelsing

Åse Ljones (nata nel 1954 a Strandebarm) vive e lavora a Bergen.

“Il mio processo artistico è fondamentalmente legato al ricamo, un po’ come l’osservazione dei punti di cucitura del tessuto. Ricamare a mano è come disegnare o scrivere con l’ago. La libertà, il flusso e il ritmo creano un senso di calma. Inizio con un formato, una forma o una cornice e mi sento libera all’interno di questi confini. L’ago e il movimento creano il flusso. Talvolta segue il proprio percorso, ma posso sempre controllarlo in una fase successiva. La base è la natura: le relazioni e le esperienze di una vita. Attingo dalla mia soffitta di esperienze e sono costantemente alla ricerca di un movimento in cui la luce, la brillantezza, le linee, i punti e i motivi creino una tensione nella quiete. Voglio che le mie opere offrano agli spettatori l’esperienza di qualcosa di più grande, qualcosa che può crescere, una sorta di infinito. Lavoro sia in maniera bidimensionale che tridimensionale. L’aspetto tridimensionale accentua la lucentezza e la luce delle varie qualità del filo. Tutto è ricamato su lino. Solo quando stendo il ricamo su un telaio o una struttura capisco se ho raggiunto il risultato che cercavo.”

Åsne Kummeneje Mellem Foto per concessione dell’artista.

Åsne Kummeneje Mellem (nata nel 1995) vive e lavora a Tromsø.

Utilizza l’arte come un’arena per esplorare la sua identità e appartenenza Kven. Attraverso l’artigianato Kven, chiamato käsityö, cerca di creare uno spazio per il dialogo e porta alla luce il divario generazionale nel tramandare la conoscenza. Utilizzando come punto di partenza le conversazioni con i testimoni della storia, mette insieme i frammenti di una cultura in via di estinzione. Allo stesso tempo, sperimenta e apporta un’espressione propria contribuendo così a far respirare la cultura, ma anche a renderla più attuale e a farla crescere. A cavallo tra tecniche artigianali tradizionali e creatività, Åsne Kummeneje Mellem esplora le sfumature della käsityö – quello che è stato e quello che potrà diventare nel contesto dell’arte contemporanea. Utilizzando in modo personale tecniche e materiali tradizionali, l’artista desidera creare uno spazio di dialogo sulla cultura e sull’identità kven. I materiali naturali e il riciclo sono elementi essenziali del käsityö e nelle sue opere tessili Åsne Kummeneje Mellem si è concentrata sull’arte della tintura naturale con il lichene della pietra, una pianta comune nel nord della Norvegia.

'Red Fungus' di Siri Bergqvam Immagine per concessione dell’artista.

Siri Berqvam (nata nel 1977 a Skedsmo) vive e lavora a Sandefjord.

“Mi interessa la rete che collega tutti noi. Con ago e filo realizzo paesaggi piuttosto surreali che si ispirano alle ramificazioni presenti in natura e nel corpo umano, dalle hyphae dei funghi nelle profondità del sottosuolo agli impulsi che scaturiscono dalle cellule nervose del cervello umano. I miei lavori assumono spesso la forma di installazioni site-specific ispirate all’idea di una natura selvaggia e incontrollabile, considerata in relazione al corpo e a stati mentali caotici. In tal modo, paragono la foresta alla magia dello spirito umano. Trovo interessante l’uomo perda facilmente il controllo ma che cerchi costantemente di ottenerlo. Il fungo rappresenta l’opposto del controllo; è per lo più invisibile e, allo stesso tempo, tutto intorno a noi. L’installazione Fungus potrebbe essere associata a case o città abbandonate – luoghi in cui catastrofi o disoccupazione hanno prodotto rovine spettrali riconquistate dalla natura e ora abitate da animali. Un altro tema su cui lavoro è l’incrocio tra la cultura popolare e il mondo spirituale. L’installazione Dial Tone (Summetone) presenta il contrasto tra materiali tessili e tecnologia obsoleta. Mostra diverse versioni decostruite di telefoni con parti realizzate in pelle artificiale cucita e ricamata. La comunicazione avviene al di là del tempo, su un’altra lunghezza d’onda o in un’altra dimensione. L’arte per natura offre una prospettiva enigmatica che non può essere definita.”

'Turning Strangers into Family' (dettaglio) di Cato Løland Crediti fotografici: Thor Brødreskift

Cato Løland (nato nel 1982 a Kvinnherad) vive e lavora a Bergen.

“Sono un artista interdisciplinare e lavoro con diversi media e materiali. Negli ultimi anni il mio obiettivo principale è stato quello di esplorare il potenziale scultoreo dei tessuti e dei materiali non pretenziosi. Combinando materiali di recupero con ready-made e tessuti con qualità e scopi diversi, creo opere scultoree che possono entrare in dialogo con una specifica situazione spaziale. Spesso si tratta di una situazione che ha a che fare con il corpo e la dimensione umana. Le qualità intrinseche, il valore e la funzione dei materiali scelti sono messi in discussione dalla mia improvvisazione e dai miei metodi quasi archeologici. Gli assemblaggi scultorei sono rivolti a un modo di pensare che mette in discussione le gerarchie e mette in luce modi nuovi e alternativi di guardare al mondo che ci connette tutti.”

Linn Rebekka Åmo Immagine per concessione dell’artista.

Linn Rebekka Åmo (nata nel 1978 a Bodø) vive e lavora a Bodø.

“Il mio lavoro è basato sui tessuti e il processo di lavoro ha diverse fasi. Per cominciare, lavoro spontaneamente con il disegno, la raccolta dei materiali e il taglio. Nella selezione dei materiali non impongo limiti, ma rimango aperta. Lavoro con il riciclo dei tessuti perché mi interessa la loro storia e mi interessa anche l’aspetto di tutela ambientale legato al riutilizzo dei materiali. Lavorando ai miei collage tessili unisco elementi indipendenti di colore, forma e materiali diversi per creare composizioni elaborate con qualità tessili particolari. Raccolgo costantemente materiali che contengano piccoli riferimenti storici, esperienze, frammenti di vita vissuta. I temi delle opere ruotano attorno al tempo, alla scoperta della natura e al nostro abuso di essa. Tuttavia, le opere sono ambigue e possono essere interpretate in molti modi. Mi lascio ispirare dalle creature e dalle forme della natura, permettendo a questi soggetti di assumere nuove forme in tessuti diversi.”

Firkanta Elastisitet, 2017 Crediti fotografici Malin Bülow

Malin Bulow (nata nel 1979 a Jönköping, Svezia) vive e lavora a Oslo.

“Sviluppo le mie opere attraverso due componenti principali – elasticità e fluidità – che si riferiscono specificamente al potenziale di movimento insito nei materiali che scelgo. Sempre site-specific, le mie installazioni sono realizzate con materiali flessibili tesi in sculture monumentali, che creano una tensione tra l’architettura e l’ambiente e le rappresentazioni tradizionali dei corpi nella scultura classica. Le installazioni sono “attivate” da danzatori che si esibiscono all’interno di membrane tessili che li nascondono e li ostacolano, agendo come estensioni della loro pelle. Queste “sculture elastiche” diventano, a volte, nature morte performative – composizioni che cambiano quasi impercettibilmente, tanto lenti sono i loro movimenti. Come giganteschi cordoni ombelicali o membrane fetali, le grandi sculture estendono i limiti dei corpi dei danzatori fino a fondersi con l’architettura che li ospita e viceversa. L’equivoco del corpo, dei suoi confini e norme sono i temi al centro del mio lavoro. Utilizzando il corpo come materiale a sé stante, esploro le nostre relazioni con noi stessi, con gli altri e con il nostro ambiente.”

'Framträdande tilbakablick' (dettaglio) di Liilian Saksi. Crediti fotografici: Thomas Tveter

Liilian Saksi (nata nel 1989 a Norrköping, Svezia) vive e lavora a Skotterud, nella Norvegia rurale orientale.

“Il punto di partenza della mia pratica artistica è la lana grezza e la filatura a mano è la mia tecnica principale. Installo le superfici tessili finite sui muri o in modo che siano strutture indipendenti. Queste superfici tessili sono delle variazioni su un tema ricorrente: le interazioni tra i colori e l’interazione dei colori con la lana. I miei metodi di lavoro si basano su limitazioni autonomamente stabilite che alternano decisioni intuitive e sistematiche. Negli ultimi anni ho lavorato molto con la tecnica dello sprang. Lo sprang è una forma di intreccio che può ricordare la tessitura, ma invece di essere costruito con ordito e trama, la superficie è realizzata con uno o più fili continui. Distendo i fili  in modo che risultino paralleli e, fila per fila, li intreccio a mano l’uno con l’altro. L’opera cresce dal centro verso l’esterno. Uso sia la lana delle pecore della fattoria della mia famiglia in Svezia che quella del mio gregge della fattoria in cui vivo e lavoro dal 2020. Intendo radicare le opere d’arte nelle situazioni di vita reale, in particolare nelle relazioni con gli altri esseri. Questo deriva dal mio interesse per le relazioni dell’uomo con gli animali e dalle domande sul loro valore intrinseco.”

Red Water' (dettaglio) di Tore Magne Gundersen. Crediti fotografici Øystein Thorvaldsen

Tore Magne Gundersen (nato nel 1957 a Froland) è cresciuto a Kristiansand e vive e lavora a Oslo.

“Dopo aver lavorato con la scultura, la pittura, il disegno, la stampa e l’animazione, negli ultimi otto anni mi sono dedicato sempre di più ai tessuti. Lavoro a maglia e cucio sia a mano che a macchina. Utilizzo filati, calicò, chiffon, tela, paglia, ready-made e altro per la produzione di appliqué e oggetti più o meno tridimensionali. Le opere di appliqué più grandi raggiungono i 12 metri di lunghezza e possono essere definite fregi o ricordare i fumetti, poiché invitano lo spettatore a leggerle come delle vignette. Le opere sono create d’impulso. Le figure vengono pescate dal flusso costante di pensieri, immagini ed emozioni che si alternano durante il giorno e la notte. Le opere risultanti possono essere considerate come un confronto e un adattamento dei miei demoni, delle cose che temo, delle figure del subconscio e delle scene dei sogni. Recentemente, le preoccupazioni per la situazione precaria del pianeta e il pericolo di un collasso globale si sono mescolate alla precarietà personale, alla confusione, all’invecchiamento, all’instabilità e alla morte, per cui non riesco più a distinguere completamente i due aspetti.”

Sheltter, 2017. Crediti Fotografici: Karin Aurora Lindell

Karin Aurora Lindell (nata nel 1955 a Husqvarna, Svezia) vive e lavora a Trondheim.

“Lavoro in modo concettuale, concentrandomi e problematizzando diversi aspetti dell’industria tessile odierna – ad esempio, la delocalizzazione della produzione tessile occidentale verso l’Oriente, la globalizzazione, la dignità umana, il potere dei consumatori e le questioni ambientali e sanitarie. Nella pooc pulita industria tessile la manodopera è troppo a buon mercato. Allo stesso tempo, desidero rendere visibili le tradizioni tessili delle donne e la cultura femminile in generale e considerarle da una prospettiva internazionale e globale che è fortemente radicata nelle mie opere. Alla base dell’eredità delle tradizioni tessili femminili ci sono secoli di conoscenza, intuizione, fatica e cura. I tessuti sono una parte anonima ma importante della storia delle donne.”

'Venteværelse' di Sidsel Palmstrøm Crediti Fotografici Thomas Tveter

Sidsel Palmstrøm (nata nel 1967 a Trondheim) vive e lavora a Oslo.

“Lavoro concettualmente con oggetti e installazioni tessili. In molte delle mie opere, tessuti morbidi e flessibili sono combinati in una forma rigorosa con l’aiuto di semplici strategie. Cerco un punto di equilibrio nell’incontro tra un’idea, un materiale e una tecnica. È uno spazio in cui qualcosa può emergere e andare oltre il materiale. Le due opere esposte a Contextile sono state originariamente realizzate per una mostra personale in Norvegia nel 2014 e sono state riadattate appositamente per Contextile 2022. Possono essere lette in contesti diversi, ma non c’è dubbio che ci sia qualcosa in gioco. Ci sono evidenti riferimenti ad alcune delle grandi sfide globali che dobbiamo affrontare oggi: la crisi ecologica causata dal consumo eccessivo, l’inquinamento dell’industria tessile, e il costante flusso di migranti, sia che si tratti di rifugiati in cerca di protezione dalla guerra, sia che si tratti semplicemente di disperati che vogliono attraversare i confini per trovare lavoro e vivere una vita dignitosa.”

'Konstellasjon' (dettaglio) di Ingunn Bakke Imamgine concessa dall’artista.

Ingunn Bakke (nata nel 1966 a Høyanger) vive e lavora a Oslo.

“Disegno e costruisco modelli geometrici in digitale e poi, utilizzando dei moduli, li creo in grandi formati. Il mio processo di lavoro è incentrato su forma, ripetizione, ritmo, colore e ordine. Mi piace lavorare con l’installazione e la mia ambizione è quella di sviluppare una sorta di dialogo tra le opere d’arte e gli ambienti in cui vengono esposte. Fino a poco tempo fa, stampavo pattern su tessuti di lana e seta. Attualmente sto esplorando pratiche e tradizioni “tessili” che sono state applicate al legno e a materiali più duri. Mi considero fortemente radicata nella tradizione tessile nordica.”

Sorting it Out, 2009, Fermo immagine dal video di Anne Knutsen e Karen Kviltu Lidal, per concessione degli artisti.
Sorting it Out, 2009, Fermo immagine dal video di Anne Knutsen e Karen Kviltu Lidal, per concessione degli artisti.

 Anne Knutsen e Karen Kviltu Lidal

Anne Knutsen (nata nel 1956 a Bergen) vive e lavora a Ski, Norvegia.

“Utilizzo tecniche di tessitura bidimensionale per creare tessuti monumentali con un’espressione visiva minimalista. Con questi mezzi, cerco di conferire alle superfici tessute qualità immateriali. Gli aspetti effimeri, mutevoli e instabili emergono quando la luce colpisce il materiale faticosamente intrecciato e ne anima le superfici, offrendo agli spettatori esperienze transitorie mentre si muovono nella stanza. Le dimensioni e le caratteristiche della stanza sono importanti per modellare e installare i tessuti. Lavoro molto con i bozzetti per elaborare l’interazione ottimale tra i tessuti e la stanza. A volte li installo direttamente sulla parete, quasi come una carta da parati, altre volte un po’ distanti e, in altre ancora, su semplici costruzioni indipendenti che conferiscono ai tessuti qualità più scultoree. Il mio intento è quello di facilitare esperienze spaziali, meditative e sensoriali.”

Karen Kviltu Lidal (nata nel 1979 ad Akershus) vive e lavora a Oslo e Berlino.

“Nella mia pratica, intreccio, disegno e realizzo sculture tessili e performance video che tracciano, ricalcano, documentano e dislocano architetture e spazi. Sono interessata all’interazione tra logica ed esperienza corporea e per me è importante che i progetti siano realizzati in modo artigianale e attraverso il lavoro del corpo. Spesso usando il mio corpo come misura, indago le strutture costruite nelle aree urbane, ad esempio il modo in cui le città e la loro architettura si relazionano con il corpo umano e le connessioni con il genere, il potere e la sfera sociale.”

Immagini e informazioni attinte dai siti:
https://www.norsketekstilkunstnere.no/contextile-2022/
https://www.norwegiancrafts.no/projects/contextile-2022

Elena Redaelli

English version Dal 2010 mi occupo di arte contemporanea realizzando progetti fra scultura tessile, arte ambientale e social practices. Negli ultimi anni il mio lavoro mi ha portato a vivere viaggiando con progetti e residenze artistiche nel mondo. Esploro processi di generazione e trasformazione della materia, applicando diversi livelli di controllo e indagando i limiti tra autorialità e partecipazione.Talvolta il materiale prende il sopravvento, altre volte sono i partecipanti di un progetto o l’ambiente stesso a farlo, risultando in un dinamico e continuo scambio. Il fare manuale è per me un processo d’interrogazione dell’ambiente e uno strumento per entrare in contatto con nuove persone e culture. Nei miei progetti applico una commistione di tecniche differenti prese dalla scultura, dall’artigianato, dal disegno e dall’ estetica relazionale. Ricerco e utilizzo tecniche antiche: tessitura a telaio, arazzo, crochet, feltro, ricamo, annodature e carta fatta a mano. Nelle mie installazioni, che si sviluppano su larga scala, unisco metodi di lavorazione lenta a nuove tecnologie. Tutto ciò che riguarda il tessile è sempre stato estremamente affascinante per me. Mi piace imparare e condividere idee e conoscenze sul vasto mondo delle fibre ed e’ quello che ho fatto durante i miei viaggi di ricerca tra Europa, Asia, USA e Africa.