PATRICIA KELLY

*Foto in evidenza: Patricia Kelly Machine stitched textile collage 65cm sq

Patricia Kelly è un’artista irlandese nata nella contea di Fermanagh dove vive e lavora. Ha frequentato l’Ulster University di Belfast dove ha conseguito un B.A. Laurea con lode in Fine Craft Design specializzandosi in tessuti ricamati nel 1986 e conseguendo successivamente un PGCE in Educazione artistica. È stata docente di Arte e Design fino al 2021.

Attraverso tecniche di ricamo libero crea lavori in cui la linea cucita diventa la forma di un’espressione artistica la cui cifra è sempre più astratta, influenzata e ispirata – tra l’altro – dal concetto giapponese di wabi-sabi, che consiste nel vedere la bellezza nell’imperfezione, almeno quanto dal paesaggio aspro e dai cieli dell’Irlanda occidentale, dove le linee sono create dalle siepi che si stagliano contro i cieli colorati. Anche Il senso di appartenenza a un luogo, dove la storia familiare si intreccia con le vite presenti, è un elemento determinante della sua arte che prende forma attraverso l’utilizzo di tessuti riciclati esattamente come facevano le generazioni che l’hanno preceduta per realizzare le trapunte: una pratica che evoca la stratificazione di vite collegate e cucite insieme.

Ha esposto in mostre personali e collettive in spazi pubblici e privati in Irlanda, USA, Australia, Gran Bretagna. Alcune sue opere sono in collezioni permanenti ed ha all’attivo numerosi riconoscimenti e premi.

Linee, punti, campiture geometriche: cosa raccontano le tue opere? Quali sono i temi che esplori attraverso il tuo lavoro artistico?

Il mio lavoro si è ispirato allo studio del paesaggio locale nell’Irlanda occidentale. Osservando più da vicino il paesaggio, mi sono soffermato sulle linee dei rami aggrovigliati che si stagliavano contro il cielo notturno. Ho capito che il mio interesse era la linea sottile e a scarabocchio. Ho iniziato a sperimentare solo con il tratto cucito, trovando molti modi per ripetere e sovrapporre il tratto e utilizzando le trasparenze per esplorare ulteriormente il tratto. Così facendo, ho scoperto di essere interessata anche ai motivi geometrici. Lo attribuisco al nostro bisogno umano di organizzare gli spazi. Sono cresciuta in una fattoria dove il lavoro era fisico e molto manuale, come produrre fieno e tagliare l’erba. Queste occupazioni comportavano processi lineari, come tagliare in linea, stendere materiali organici ad asciugare in linea. I campi sono ordinati con fossati. Non perfettamente disposti, ma in modo organizzato.

Come sei approdata alla fiber art?

Sono sempre stata attratta dal filo e dalla fibra, fin dalla più tenera età. Ricordo la sensazione di un tweed che ho usato per fare il vestito di una bambola. Alla scuola elementare si faceva molto cucito, lavoro a maglia e artigianato. A dieci anni ho ricamato il mio vestito da danza irlandese. Poiché ho studiato arte a scuola, ho sempre usato il cucito, il collage e il batik per i miei progetti artistici. Ho frequentato l’Art College di Belfast dove ho conseguito una laurea con lode in Fine Craft Design, specializzandomi in ricamo.

Quali sono le tecniche e i materiali che usi per la tua pratica artistica e secondo qual criteri scegli le une e gli altri per la singola opera?

Lascio che le mie idee fluiscano e si sviluppino. Spesso qualcosa in un’opera suggerisce un’idea per l’opera successiva. Un tempo usavo molti indumenti di famiglia riciclati e colorati per creare un’opera a collage sovraccaricata di punto zigzag, mentre lavoravo ai paesaggi più propriamente tradizionali; ora, invece, uso solo il punto dritto con filo prevalentemente nero su strati di fodere di tende riciclate, tovaglie, calicò e hessian. Uso le trasparenze dei teli per creare un effetto di disegno a matita con le linee di cucitura nera. Mi piace creare molti contrasti nel lavoro, con alcune aree più densamente lavorate di altre. Mi soffermo sui pezzi per valutarli man mano che procedo. I pezzi stanno diventando sempre più geometricamente ordinati in termini di composizione. La linea sta diventando più fluida.

Tecniche e materiali – il ricamo ad esempio – hanno per te anche un significato concettuale oltre che funzionale alla realizzazione dell’opera?

Da quando ho iniziato a sviluppare il lavoro più astratto, mi sono resa conto che ha un significato concettuale. Mi ha riportato al lavoro astratto che ho sviluppato durante la mia laurea, in cui cucivo linee di carta arrotolate creando pezzi molto lineari e simili a paglia. Il mio lavoro di allora riguardava il mio passato, e lo fa anche oggi, riguarda le generazioni che mi hanno preceduto, che hanno lavorato quotidianamente a lavori fisicamente ripetitivi, persone che possedevano poco. Erano così consapevoli del ciclo naturale delle stagioni, della natura e dell’ambiente che li circondava. Sono stato fortunato ad aver sperimentato questa vita e queste attività prima che le macchine prendessero il sopravvento. Ho scritto la mia tesi di laurea sulla scomparsa di tante pratiche artigianali e rurali tradizionali, come la fabbricazione di cesti, la fienagione, ecc. Vivo in una casa ancestrale che risale a centinaia di anni fa e sento un’affinità con le generazioni precedenti che hanno lottato in tempi molto duri. Il mio bisnonno era un calzolaio, le donne filavano la lana e ricamavano raffinati merletti, ma tutti erano sempre impegnati con la terra e con gli animali.

Come nascono e come si sviluppano i tuoi lavori, dall’idea fino all’opera finita?

Inizio con l’ardente bisogno di cucire, di ricamare una linea continua, è come una terapia, un processo meditativo. Valuto il pezzo man mano che procedo. A volte ho un’idea di come voglio che sia il pezzo, ma spesso il lavoro cambia man mano che procedo. Richiede un’area scura, o sembra meglio girato in un altro modo o ha bisogno di un piccolo elemento di colore. Spesso i pezzi vengono scartati e in seguito diventano materiale per altri lavori. Mi piace aggiungere pezzi già lavorati a nuove opere, perché, come i vestiti e i materiali riciclati che uso, hanno già una storia che contribuisce al risultato finale.

Come si è evoluta la tua arte nel corso del tempo?

Il mio lavoro si è evoluto notevolmente negli ultimi anni. Nel giugno 2021 sono stata licenziata a causa della chiusura di una scuola rurale. Questo mi ha dato il tempo, di cui avevo tanto bisogno e che desideravo, per dedicarmi alla mia pratica artistica. Ora ho il tempo di pensare al motivo per cui faccio il lavoro che faccio, per esempio, dato che elementi di rosso continuano a comparire nel mio lavoro, ho visitato il Museo irlandese della vita di campagna per indagare sulla storia dell’uso del rosso nel nostro passato. Ho appreso che il rosso veniva usato per scacciare il male e che tutti i nuovi nati venivano avvolti in un tessuto rosso. Il tessuto veniva tinto con la pianta Madder, che si ritiene abbia proprietà medicinali. Le donne, oltre a indossare gonne e scialli rossi, si avvolgevano il petto in un panno rosso per proteggersi da reumatismi e lombaggini. Credo anche che il nero nel mio lavoro, sempre un tessuto morbido, come un maglione di lana, suggerisca un luogo sicuro, un luogo di sicurezza.

Cosa significa per te essere un’artista? E che ruolo ha, secondo te, l’arte nella società contemporanea?

L’arte è sempre stata una parte essenziale della mia vita. È una terapia, un luogo tranquillo dove posso esprimermi. Tutti noi abbiamo qualcosa dentro, personale come la nostra firma, che ha bisogno di trovare uno “sfogo”. L’espressione della nostra pratica artistica ci aiuta come individui a imparare molto su noi stessi ed è di fondamentale importanza per la salute delle nostre comunità. L’arte deve rimanere tra le priorità dei politici e degli educatori se vogliamo che le persone e le comunità sviluppino pienamente la comprensione di se stesse e del proprio posto nel mondo.