PRETA WOLZAK
*Foto in evidenza: People With The Yellow Ear 9 e 10 con l’artista. People with the yellow ear #9: quest’uomo è composto per il 33% da kenioti per il 33% da siciliani per il 34% da canadesi. Grande ricamo 150 x 120 cm. People with the yellow ear #10: 33% iraniano 33% spagnolo 34% mozambicano. Grande ricamo 150 x 120 cm, copyright Preta Wolzak
Preta Wolzak, artista olandese classe 1976, ha studiato design monumentale all’Accademia Gerrit Rietveld di Amsterdam, città dove attualmente vive e lavora. Numerose le esperienze professionali che l’hanno vista impegnata come designer di mobili, stylist per fotografi, illustratrice per siti web e prodotti editoriali, creatrice di gioielli. Nel 2014 Wolzak decide infine di dedicarsi in via esclusiva alla propria arte.
Il messaggio, la narrazione, sono gli elementi imprescindibili della sua ricerca. Il tema dello sfruttamento turistico dei Poli nella serie Arctic Charade, la discriminazione di genere, argomento affrontato nella serie Fighting Women, sono solo un esempio di come l’artista, attraverso le grandi tele ricamate con filati vivaci, lana, nylon, seta, paillettes e pittura, affronti argomenti di grande attualità sociale e politica, con una vena di apparente leggerezza, un’atmosfera vivace, che diventa il tramite per veicolare idee e concetti a volte ostici.
Quale è stato il tuo percorso di formazione? Quando hai iniziato ad interessarti al medium tessile e perché?
Ho studiato all’Accademia Gerrit Rietveld di Amsterdam, dipartimento autonomo. Otto anni fa ho deciso di non accettare più lavori su commissione e di concentrarmi sulla mia arte. Ho iniziato a combinare pittura, disegno e fotografia e a usare i fili. Da bambino, sopra il mio letto avevo una grande tela raffigurante un fruttivendolo. Era composta da piccole macchie di feltro e cotone. Questo e il mio amore per i negozi di merceria (il termine inglese haberdashery è fenomenale!), che sono come negozi di caramelle ai miei occhi, hanno scatenato il mio interesse per l’uso dei tessuti nell’arte.
Quale è l’obiettivo che persegui attraverso la tua arte? Quali i temi che affronti attraverso le tue opere? È importante per te che il tuo lavoro racconti una storia?
Sono un narratore. Il lavoro è definito dalle storie che ci sono dietro. Questa è la mia linea guida: il ritmo, il messaggio. Ciò che voglio trasmettere non sarà immediatamente chiaro a tutti. La serie di opere Arctic Charade tratta il tema del turismo. Sono profondamente contrario al turismo verso i Poli. I Poli preservano l’equilibrio della nostra Terra e stanno soffrendo per l’attività estrattiva e i cambiamenti climatici. Essere un turista e farsi portare ai Poli da una nave da crociera – semplicemente no!!! I miei acrobati felici rappresentano il turismo; tutto sembra delizioso. Il mondo come un gigantesco parco di divertimenti. È così che si manifesta il turismo di massa.
Ci sono criticità, difficoltà rilevanti che affronti come artista?
Una domanda difficile. Il mio lavoro è intrinsecamente lento. Inizia con una ricerca. Poi compongo un’immagine in digitale, esploro forme e colori ed elaboro le dimensioni. Non appena il mio schizzo si materializza sulla tela, posso iniziare a scegliere i materiali. Lavorare e ricamare una tela così grande richiede molto tempo. Tutto viene fatto a mano. “Un monaco medievale nel 23° secolo”. Il vecchio in una forma nuova. Evito le tecniche tradizionali come il punto croce e il ricamo, ma cerco di creare profondità con i fili, attraverso la direzione e la luminosità. Ma il punto critico del mio lavoro è il tempo. Tecniche automatizzate come la tessitura o il tufting comportano la perdita di consistenza, colore o scioltezza. Il tempo è essenziale per il valore artistico del mio lavoro, ma il tempo necessario per creare l’opera è considerevole. La ricerca e la combinazione di materiali per inventare le mie tecniche è fondamentale ed è una parte essenziale del mio lavoro.
C’è un’opera o una serie che ha segnato un punto di svolta nel tuo percorso di crescita professionale?
Credo che sia stato durante la realizzazione della mia opera Children of St. Kilda (2013) che mi è venuto in mente che potevo trasmettere il mio messaggio con la fotografia e il disegno, e che potevo passare al livello successivo con il tessuto e il filo. In quel momento ho capito che questa sarebbe stata la mia scelta di materiali. Negli anni Trenta del secolo scorso ci fu un’epidemia di influenza sulla remota isola di St. Kilda (Hirta), nelle Ebridi Esterne. Era difficilmente accessibile a causa delle dure condizioni climatiche e delle maree tempestose. Invece di aiutare la popolazione con medicine e comunicazioni, il governo britannico evacuò tutti. Si pensava di trasformare l’isola in una base navale, ma alla fine non se ne fece nulla. Questo pose fine a 2000 anni di vita autarchica unica nel suo genere. Si trattava di una cultura e di un artigianato eccezionali, con il miglior tweed del mondo. Questo ha dato il via al mio omaggio agli abitanti di St. Kilda, e l’uso dei tessuti mi ha permesso di mostrare loro il mio rispetto.
La serie People With The Yellow Ear è uno dei tuoi lavori più recenti. Qual è il tema conduttore di questa serie di ritratti?
All’inizio del periodo COVID, ci sono stati questi orribili eventi tra la polizia statunitense e George Floyd, e l’aumento delle proteste di Black Lives Matter. Perché non riusciamo a capire che esiste una sola razza: la razza umana? Questa è una citazione di Rosa Parks. Ho pensato che fosse ripugnante che nel 2020 stessimo ancora combattendo contro il razzismo. Così ho iniziato a comporre ritratti di etnie miste, ad esempio 33% scozzese; 33% azero; 34% fuegino. Ci sono ritratti più piccoli (40×30 cm) e più grandi (150×120 cm). Hanno tutti un orecchio giallo e una linea gialla verticale sul viso, perché sono tutti la mia famiglia. Abitano sull’Isola di Chuckacaba, dove l’empatia è la nuova politica.
Come sono cambiate le tue opere nel tempo, dai primi lavori a oggi?
Sono costantemente alla ricerca di materiali e tecniche. Sperimento sempre: posso creare la mia passamaneria, posso usare altri supporti oltre alla pelle o alla tela? Mi piace sfruttare gli errori o gli insuccessi, ad esempio i buchi nel lavoro a maglia. In questo momento sono affascinata da corde e cortecce. E sto tornando a dipingere per poi tirare i fili attraverso la tela. Le mie tecniche si evolvono mentre lavoro. La mia cassetta degli attrezzi assomiglia sempre più a un tavolo da pittore ed il modo in cui lavoro sulle tele assomiglia al modo in cui lavora un pittore.
Dal 4 giugno al 17 luglio si è tenuta la mostra bi-personale: Preta Wolzak and Pieter W. Postma: Twice As Nice And Nowhere To Hide. Raccontaci di questa mostra, di come è nato questo progetto. In che modo le tue opere dialogano con quelle di Pieter?
La mostra con Pieter W Postma è nata dal fatto che siamo entrambi narratori di storie, con un’attenzione particolare alle questioni sociali. E lavoriamo entrambi con un’ampia gamma di materiali come pelle, legno, tessuti e metallo. Credo che sia importante entrare in contatto con altri artisti. Il mondo dell’arte è densamente popolato da individualisti, ma connettersi con altre opere d’arte e con la persona che ti sta dietro ti rende più forte.
Progetti futuri?
Al momento sto dedicando la maggior parte del mio tempo a fare ricerche per la mia nuova serie sugli scienziati. Scienziati che in vita non hanno ottenuto il giusto riconoscimento per il loro lavoro, a causa di ostacoli e ingiustizie di ogni tipo. Ma che in realtà erano dei geni. Persone come Srinivasa Ramanujan e Alan Turing. Alcuni sono stati scartati perché neri o gay. Ma il discorso potrebbe cambiare, perché ora mi sto occupando anche degli eroi della Verità, ovvero i fondatori di Bellincat. Oltre a diverse fiere d’arte a cui ho intenzione di partecipare, come Art The Hague e PAN Amsterdam, non vedo l’ora di partecipare a una mostra collettiva di arte tessile nel nuovo museo olandese MOYA, nell’ottobre 2022.
