Interview

RACHEL HEFFERAN

*Featured photo: Pellicle Cartography, 2021. Handwoven Jacquard. Cotton, Hand Spun Wool, Mohair, & Mill Ends. 36.5 x 80, photo cr. Robert Antor, copyright Rachel Hefferan

Rachel Hefferan is an artist originally from the United States’ suburban Midwest. She graduated from the University of Michigan and received her MFA from the School of the Art Institute of Chicago. She currently lives and works in rural western Michigan.

Hefferan, a weaver, homesteader, environmentalist and fermentation enthusiast, uses the loom as a metaphorical tool between science and magic, creating tapestries. These interwoven abstractions represent and celebrate the beauty and complexity of microbial life and its process of decomposition and renewal of matter. For example, Honeycomb is an artwork consisting of three parts showing a woven image depicting the microbial community formed after culturing a small honeycomb section. The central part of the work reproduces stills of microbial life seen in the water taken from a container with moss. At the bottom part of the work is a drawing of the Petri dish with cell cultures of hair.

With their metabolic activities of transformation and deconstruction, Mosses, lichens, fungi, and moulds are thus the artist’s leading source of inspiration. Through the mediation of texture, she creates a new frame of reference, transforming the microscopic into the macroscopic.

http://rachelhefferan.com/

Brettanomyces, 2018. Handwoven Jacquard. Cotton, Polyester Mill Ends, 41”x48”, photo cr. and copyright Rachel Hefferan

How and when did you get into textile art, especially weaving?

I first encountered textile arts as an undergraduate student at The University of Michigan. A close friend of mine had taken a class with Sherri Smith, who at the time was teaching one course a semester that mixed introductory students and advanced students who wanted to continue in the medium(s). I think it was fall 2010, but maybe spring 2011, I was a sophomore. Sherri had no fellow textile faculty, and she quickly became the most terrifying and endearing mentor I had during that time – I think that sentiment was shared by all her students I have met. Introduction students had to make a three-yard silkscreened repeat, a woven textile, and an ‘off loom’ project which could be stitched, crochet, basketry, anything. Sherri was interested in science, and nature, and all things having to do with fabric. She was intense in critique and invited deep criticality and conceptual thinking. I instantly was fascinated by fabric processes as artistic expression and proceeded to repeat the course. After finishing the first semester you could repeat for credit as an advanced student, Sherri would let her advanced students pursue whatever their biggest interest was. At first, I did a lot of silkscreens repeat printing, actually… It felt more immediate and available to me, and I had always loved to draw so I think it was a natural progression from what I already knew how to do. When I graduated, I was making crochet sculptures inspired by seed structures and cell divisions. After finishing my bachelor’s degree in 2013, I felt a little lost in my artwork. I moved into a little apartment with my partner and bought an inexpensive, but large, four harness jack loom. I worked for a painter during the day and learned through trial and error on the loom after work. I wanted to figure out how to mix the crochet – sculptural work, with flat woven fabric. This is when I really started to learn how to weave. I began making huge, paneled works with tapestry slits which I would work back into with a crochet hook. I made works where I would stop and crochet the weft threads mid row and then continue weaving that same thread. I became more and more interested in pattern in the cloth as a sort of line drawing that could progress and change – like growth in a cell, or decay of a structure. Threading a loom and then weaving on it was always exciting, and I always had ten ideas for the next thing to make as soon as I started a work. When I had been weaving for eight years, I decided to get my master’s in fine arts – I really wanted to re-enter a group of creative critical art thinkers after spending so much time just making. I wanted to study somewhere with a Digital Jacquard loom and landed at The School of the Art Institute of Chicago. It was there, in 2018, the fall of my first semester, that I think I wove the first work in the body of work I keep developing to this day. That body of work emerged out of the same places as every other weaving I have ever made. Which is to say, my interest in the path a thread takes, development of pattern, growth, microbial process, and decay led me to where I am in my work.  I think that’s really what has kept me weaving, I’m always learning how to weave.

Brettanomyces II, 2019. Handwoven Jacquard. Cotton, Polyester, Wool, Rayon Mill Ends, 42” x 66”, photo cr. Olivia Alonso Gough, copyright Rachel Hefferan

What is your main source of inspiration? How does weaving allow you to explore the themes and concepts around which your artistic practice revolves?

For a long time, my artwork has focused on the physical forms that occur on a cellular level during the processes of first, growth and then later decay. Most recently I’ve found that I’m interested in a state that is somewhere in between the two – this is the part of an organism’s life cycle that happens after decay to become new growth. Basic materials and compounds are recycled over and over in nature, usually by fungi. Fungi perform this transformation in many settings and spaces – most commonly people think of mushrooms, but the fungi kingdom also includes yeasts. My interest in yeast began eight years ago when my partner started homebrewing beer. As he started to brew more, it took up more of his free time, and I started to take an interest in what was happening as well. It wasn’t enough to just buy yeast at the store, because yeast is on every surface, you can ‘capture it’. Wild capture yeast became captivating as potential for unexpected flavors. Some of the beers would form visible yeast communities on top of the fermentation – these microbial communities captivated my attention. Thriving healthy bubbling bodies floating on top of the liquid, some of them looked like wrinkled fabric. As someone who spends a lot of time looking at and thinking about fabric, I wanted to touch them, though this is not an option as I would be introducing new bacteria from my hands and disrupting the fermentation – pellicles are extremely delicate. So I began to photograph them instead. I amassed an album of digital photos in my phone that I had no idea what I would do with. The first pellicle I wove looked very different from the translation they undergo now – I wove this pellicle so that I could touch it, or even wrap myself in it. After doing so I was hooked, the weavings began to change and the more I learned about the function of these microbial communities in transforming the material from one compound to the other, the more metaphors emerged. I would wobble back and forth in my learning and understanding of both cloth and the metabolisms of microbes to further my own

Local Cultures is a work you started in 2018 and constitutes, if I understand correctly, a kind of work in progress still in 2022. What does this work consist of and what do you foresee its future developments might be?

Yes, Local Cultures is an actively changing work that began in 2018, that I am revisiting now during my exhibition at The Saugatuck Center for The Arts in the first half of 2022. The work began as a way for myself to study through exploration with natural dyes and as a sort of visual diary of the colors that could be made by waste water from my own cooking or from food items I would normally compost. Some examples would be water from soaking dry beans, foraged mushrooms from the woods on my home in Michigan. The work includes both flat woven cloth as well as large crochet sections – it hangs on the wall crumpled, a very different presentation from my weavings of pellicles. I think of this difference in appearance as the entirety of a textile mimicking the visual language in nature as opposed to an image whose construction creates a metaphor for process. Since the opening of my exhibition here, within. | woven worlds, I have updated the work every two weeks and will continue to do so until the exhibition closes in June. The additions have included a range of things that have changed in my day to day life since 2018, one important example being a weaving that included yarn from my sheep, as well as the sheep of my friends – a community of animals and humans alike that have become of utmost importance to me. There is a weaving done with the center cobs on the corn I hung to dry in my house from last fall’s garden (after the corn had been removed). The purpose of this representation is to mimic my changing community as well as the inputs into my body. While helping my parents clean their freezer I found a walnut dye I made in 2014, I plan to use this as well. Once it is warm enough for me to use my outdoor dye studio I will start using the onion skins, avocado pits, and other food items I have been accumulating to make more colors to be woven into the work.

Local Cultures, 2018. Handwoven, Crochet. Wool, Jute, natural Dyes, salvaged Copper wire, 51” x 70” x 10” (size variable), photo cr. Jenny Rafalson, copyright Rachel Hefferan
Local Cultures-detail, 2018. Handwoven, Crochet. Wool, Jute, natural Dyes, salvaged Copper wire, 51” x 70” x 10” (size variable) photo cr. Jenny Rafalson, copyright Rachel Hefferan
Local Cultures-detail, 2018. Handwoven, Crochet. Wool, Jute, natural Dyes, salvaged Copper wire, 51” x 70” x 10” (size variable) photo cr. Jenny Rafalson, copyright Rachel Hefferan

The titles of your works often consist of chemical formulas. Can you explain the reason for this choice?

The chemical titles are a direct translation of the species in my source images used for weaving but also a visual language that lets the viewer know where my interests are. Making abstractions is such a beautiful way to engage in metaphor and imagination and giving the names of the species of the yeasts felt like both the correct choice for identifying each work as a living thing that is named and distinct in the world… but at the same time it lacked the level of curiosity that I have about these organisms. The structures are polypeptide chains, each peptide is assigned a letter to use as shorthand, so that it can be referenced more quickly – A, D, E, etc. Because of this shorthand, the process can be worked in reverse – you can take a word and create a polypeptide chain to represent it, likely this peptide structure will not exist (but who knows!). Polypeptide chains are a chemical language that can be read without a guide by someone, say a chemist (like my husband) without googling. He would see a strange polypeptide and be like “hey, what is that?” and stand there spelling it out. My husband, Nick, has been an amazing constant sounding board and influence in my understanding of microbial process. Polypeptide chains are something I think of as a language (one that I need software to speak), weaving is a language too, one that can be written up in black and white squares called weave drafts, draw downs, and tie ups. So the Peptide chains are a nod to my partner, Nick, but also to those who can speak that language.

What kind of habits do you have when you start a new project/work? What does a typical day in your studio look like?

I’m definitely the hyper focus type of person, when I get into the actual making of an artwork it’s pretty consuming until I finish. Between times of making, I absorb images/thoughts/ideas like a sponge. I write them down and may never look at them again, but the act of writing helps me to remember. It usually starts with a source image, which I might be a photo taken myself, a drawing of something I see, a drawing of something imagined – sometimes it is something from other people with similar interests. The source images lately are yeast pellicles, a living microbial community visible to the naked eye, usually developed on top of a fermentation.

I’ve worked in a cider house and some of the images have come from the cidermakers there giving me a heads up on where to look. But I also have helped make a lot of homebrew beer, pickles, sauerkraut, cashew cheese, kombucha. For a while I would put anything I could think of under Nick’s microscope. I make a lot of drawings and doodles. When it comes to manifesting these images on the loom, I usually have a goal with my tool – a ‘what if’ that arrives naturally from the previous experiment. I think of a loom as an instrument, a device that can be used and adapted for iterative learning – that’s what science research is too. ‘What if’ can be the size of the threads, the way the patterns meet, the way the weft threads meet (or maybe they don’t meet). My current studio space is an interior room that consumes about 1/2 of the barn on our property. I’ll usually bring one of my dogs with me, we walk through the garden to the back door. Right now, it’s winter so I’ll turn on a bunch of space heaters and change my shoes to keep the snow off the loom. I like to listen to books while I weave, all sorts of stuff both fiction and nonfiction. I like fantasy books like Brandon Sanderson’s Storm Light Archives and sci fi novelists like Andy Weir, but I also like to listen to Michael Pollan, or Clara Parkes. I often get asked a lot about the yarns and how I choose color.  To me the color is not representative of the source, it’s a way to differentiate pattern and depth – because of that, it doesn’t have to be representative of what we see. The colors used can tell us more about how things fade, merge, or even repel, like oil and water. I’ve always used whatever yarns are around, I wind more bobbins than I need and line them up in an order or progression to see what is coming and to have a reference point for what is next. This is helpful because when you are weaving you can only see the small section of the work in front of you before it wraps around the front beam. When I’m in a situation where I have access to a TC2 – as in graduate school or at a residency, the patterns are preprogrammed in a file that I make for the loom to read. I can still stop and make changes, and I do, but the weaving goes so much faster that I will see it through and make adjustments in the next work. On a floor loom, I will make a lot of adjustments to my original idea as I am working, the process is slower for me and each movement feels more deliberate. I’m lucky to have been able to bounce back and forth between the two.

Animalcules, 2020. Handwoven Cotton, Wool, 40”x 41”, photo cr. and copyright Rachel Hefferan
Animalcule, Atlas, 2021. Handwoven Jacuqrd. Cotton, Wool and Polyester Mill Ends, Wine Barrel Hoop, 28” x 28” x 2″, photo cr. and copyright Rachel Hefferan

Are there any contemporary artists that you feel are close to your research and language?

I’m really interested in artists that have crossed the boundary from a metaphorical relationship to reality. I want to be clear that I firmly believe aesthetic/metaphorical art has value and importance as a way to understand and relate ourselves to the world around us, but I can’t help but personally crave to make something that becomes a sort of metric or bioinformatic in its own right. Those things that can offshoot actual scientific progress through collaboration with environmental or what I think of as ‘use practice’ science – a situation where the collaboration with engineers, biologists or tech is generative and applied on both sides to our surroundings. Whitefeather Hunter is an artist I have a lot of respect and admiration for, and her current bioplastics project, but also the micro-weaving project and the bioarts coven. Elisa Palomino’s sustainable fish leather tanning, collaborative research project to promote sustainability and the importance of this specific material through human history, and what it could mean for us today in the age of such epic waste in textiles. Isaac Facio’s research and collaboration on the representation of dark matter in ‘The Fabric of the Universe’ project as a three dimensional bioinformatic and displayed how textiles can display information and create understanding is something I aspire to. I’m also extremely drawn to the works of weavers who create dimensional and elaborate and sometimes layered textiles that demonstrate their understanding and relationship to the tool, of which there are too many to name.

Animalcules 2, 2021. Handwoven Jacquard, 37"x32". Cotton, Hand Spun Wool, Mohair, & Mill Ends, photo cr. Robert Antor, copyright Rachel Hefferan
Trüb, 2021. Handwoven Jacquard, 37"x31". Cotton, wool, photo cr. Robert Antor, copyright Rachel Hefferan

Is there a project, a work of art that you care about and that you have not yet had the opportunity to realise?

I have always wanted to make a work of art that consists entirely of fibers from my own animals -I have sheep and hair goats. Using second hand and discarded yarns from others is also a sustainable option and an important part of my current practice … there’s just something hyper-special in my mind about making something that’s entirely from the animals I care for. I shear my animals myself and spin yarn by hand – I’m not sure what that artwork looks like yet and I’m not sure that it will be ‘about’ the animals themselves as much as it would just be something that felt like an accomplishment.

Kombucha Flat, 2018, Handwoven Jacquard. Cotton, Wool, 41”x42”, photo cr. and copyright Rachel Hefferan

What are you working on at the moment?

I’m currently weaving on my 12-harness floor loom using a cartoon (a reference image) that will have the other half of a pellicle that I already wove in a recent work. A sister piece to Firma Calva, this time woven with a dense double warp. It’s the warp that I had intended to use for the first piece but ended up with a large section of warp left over after another work so I jumped projects. In terms of research, I’ve been looking a lot at chromosome banding – and the translation of actual stained chromosomes to images of the bands (which is how we understand them as distinct). I’m particularly interested in the 27 Ovis aries (sheep) chromosomes – I’m not sure what I will do just yet but the banding as distinctive markers lends itself to the ease of the stripe on the loom. Much as the influences of fermented food and drink crept into my work and process I expect that the goings on of my livestock are about to make their move on my work in the studio.

Interviste

RACHEL HEFFERAN

*Foto in evidenza: Pellicle Cartography, 2021. Jacquard tessuto a mano. Cotone, lana filata a mano, mohair e cimose. 36,5 x 80, foto cr. Robert Antor, copyright Rachel Hefferan

Traduzione a cura di Elena Redaelli

Rachel Hefferan, artista originaria del Midwest suburbano degli Stati Uniti, si è laureata presso la University of Michigan e ha conseguito il suo MFA presso la School of the Art Institute di Chicago. Attualmente vive e lavora nel Michigan rurale occidentale.

Tessitrice, contadina, ambientalista e appassionata di fermentazione, Hefferan, usando il telaio come strumento metaforico a metà tra scienza e magia, crea arazzi, astrazioni intrecciate che rappresentano e celebrano la bellezza e la complessità della vita microbica e del suo processo di scomposizione e rinnovamento della materia, come in Honeycomb, opera costituita da tre diversi lavori in cui si può osservare una immagine tessuta della comunità microbica che si è formata dopo aver messo a coltura una piccola sezione di favo, una sezione centrale che riproduce fotogrammi di vita microbica vista nell’acqua presa da un contenitore con del muschio e il fondo dell’opera, un disegno della capsula di Petri con colture cellulari di capelli.

Muschi, licheni, funghi e muffe con le loro attività metaboliche di trasformazione e decostruzione, sono quindi la principale fonte di ispirazione dell’artista che, grazie alla mediazione della tessitura crea un nuovo quadro di riferimento, trasformando il microscopico in macroscopico.

http://rachelhefferan.com/

2018. Jacquard intrecciato a mano. Cotone, poliestere Mill Ends, 41"x48", foto cr. e copyright Rachel Hefferan

Come e quando ti sei avvicinata all’arte tessile, in particolare alla tessitura?

Il mio primo incontro con le arti tessili è avvenuto quando frequentavo l’Università del Michigan. Una mia cara amica aveva frequentato un corso con Sherri Smith che all’epoca si teneva una volta a semestre e riuniva studenti di primo livello a studenti avanzati interessati a continuare con l’utilizzo del medium tessile.

Credo fosse l’autunno 2010, o forse la primavera 2011, ero al secondo anno. Sherri non aveva alcun collega di facoltà in questo settore, ed è rapidamente diventata il mentore più terrificante e accattivante che io abbia avuto in quel periodo – penso che tutti i suoi allievi che ho incontrato condividessero questo sentimento[E1] . Gli studenti del primo anno dovevano realizzare una serigrafia di tre metri, tessere un tessuto, e creare un progetto “off loom” (senza telaio) che poteva essere cucito, all’uncinetto, lavorato a cesto, qualsiasi cosa. Sherri era interessata alla scienza, alla natura e a tutto ciò che aveva a che fare con il tessuto. Lei era intensamente critica e invitava a una profonda riflessione critica e concettuale. Sono stata immediatamente affascinata dai processi del tessuto come espressione artistica e ho continuato a seguire il corso. Dopo aver terminato il primo semestre era possibile ripetere il corso per ottenere crediti come studente avanzato. Sherri lasciava che i suoi studenti avanzati perseguissero perseguendo il loro maggiore interesse. All’inizio, facevo un sacco di stampe serigrafiche, in realtà…

Mi sembrava la tecnica più immediata e accessibile; avevo sempre amato disegnare, quindi penso che sia stata una progressione naturale a partire da ciò che già sapevo fare. Quando mi sono laureata, creavo sculture all’uncinetto ispirate alle strutture dei semi e alle divisioni cellulari. Nel 2013, dopo aver concluso il mio corso di laurea, mi sono sentita un po’ persa nel mio lavoro artistico. Mi sono trasferita in un piccolo appartamento con il mio compagno e ho comprato un economico, ma grande, telaio a quattro licci. Lavoravo per un pittore durante il giorno e sul telaio, dopo il lavoro, imparavo attraverso tentativi ed errori. Volevo capire come combinare l’uncinetto, il lavoro scultoreo, con la bidimensionalità della tessitura. Questo è il momento in cui ho davvero iniziato a imparare a tessere. Ho cominciato a fare lavori enormi, dei pannelli, con fenditure da arazzo in cui lavoravo nuovamente con l’uncinetto. Ho fatto lavori in cui mi fermavo per lavorare all’uncinetto i fili di trama nel mezzo della riga e poi continuavo a tessere quello stesso filo.

Divenni sempre più interessata ai pattern nel tessuto come una sorta di disegno lineare che poteva progredire e modificare – come la crescita in una cellula, o il decadimento di una struttura. Preparare l’infilatura di un telaio e poi tesserci sopra era eccitante, non appena iniziavo un lavoro avevo sempre dieci idee sulla prossima opera che avrei creato. Dopo aver tessuto per otto anni, ho deciso di fare un master in belle arti – dopo aver passato così tanto tempo a produrre manualmente volevo davvero rientrare a far parte in un gruppo di pensatori creativi che si pongono domande sull’arte. Volevo studiare con un telaio Digital Jacquard e sono approdata alla School of the Art Institute di Chicago. È stato lì, nel 2018, l’autunno del mio primo semestre, che ho tessuto la prima opera della serie di lavori che continuo a sviluppare ancora oggi. Questo corpus di opere è emerso dagli stessi luoghi di ogni altra tessitura che abbia mai fatto. Vale a dire, il mio interesse nel percorso che prende un filo, lo sviluppo del modello, la crescita, il processo microbico e la decomposizione mi hanno portato al punto in cui mi trovo ora con il mio lavoro.  Penso che questo sia davvero ciò che mi ha fatto continuare a tessere, cioè il continuare a imparare come tessere.

Brettanomyces II, 2019. Jacquard intrecciato a mano. Cotone, Poliestere, Lana, Rayon Mill Ends, 42" x 66", foto cr. Olivia Alonso Gough, copyright Rachel Hefferan

Qual è la tua principale fonte di ispirazione? In che modo la tessitura ti permette di esplorare temi e concetti attorno ai quali ruota la tua pratica artistica?

Per molto tempo il mio lavoro si è concentrato sulle forme che si verificano a livello cellulare durante i processi di crescita e decomposizione. Più recentemente ho scoperto che sono interessata a una condizione intermedia tra le due – questa è la parte del ciclo di vita di un organismo che avviene dopo il deperimento per svilupparsi in una nuova crescita. I materiali e i composti elementari sono riciclati più e più volte in natura, di solito dai funghi. I funghi effettuano questa trasformazione in molti ambienti e spazi. Comunemente si pensa solo ai funghi, ma il regno dei funghi include anche i lieviti. Il mio interesse per il lievito è iniziato otto anni fa, quando il mio compagno ha iniziato a produrre birra in casa. A mano a mano che ha iniziato a produrre più birra, la cosa ha occupato sempre più tempo, e anche io ho iniziato a interessarmi a quello che stava succedendo. Non bastava comprare il lievito al negozio, perché il lievito è su ogni superficie, lo si può “catturare”.  La cattura del lievito selvatico è diventata interessante per sviluppare sapori inaspettati. Alcune delle birre formavano comunità di lieviti visibili sulla fermentazione – queste comunità microbiche hanno sempre catturato la mia attenzione. Corpi vitali, sani e gorgoglianti che galleggiavano in cima al liquido, alcuni di loro sembravano tessuti stropicciati. Essendo una persona che passa molto tempo a guardare e a pensare ai tessuti, avevo il desiderio di toccarli, anche se questo non era possibile perché avrei introdotto nuovi batteri attraverso le mie mani e interrotto la fermentazione. Le pellicole sono estremamente delicate. Così ho iniziato a fotografarle. Ho accumulato un album di foto digitali nel mio telefono senza avere idea di cosa ne avrei fatto. La prima pellicola che ho tessuto aveva un aspetto molto diverso dalla traduzione visiva che attuo ora – avevo tessuto quella pellicola in modo da poterla toccare, o addirittura avvolgermi in essa. Questo processo mi ha completamente coinvolto, le mie tessiture hanno cominciato a cambiare e più imparavo sulla funzione di queste comunità microbiche nel trasformare il materiale da un composto all’altro, più emergevano le metafore. Oscillavo avanti e indietro tra l’imparare e il comprendere il tessuto e i metabolismi dei microbi per approfondire, così, anche il mio.

Local Cultures è un lavoro che hai iniziato nel 2018 e costituisce, se ho capito bene, una sorta di work in progress ancora nel 2022. In cosa consiste questo lavoro e quali prevedi possano essere i suoi futuri sviluppi?

Sì, Local Cultures è un lavoro iniziato nel 2018 che cambia attivamente, lo sto attualmente rivisitando per la mia mostra al Saugatuck Center for The Arts durante la prima metà del 2022. Il lavoro è iniziato come uno studio avvenuto tramite l’esplorazione delle tinture naturali e come una sorta di diario visivo di quei colori che potevano essere ottenuti dall’acqua di scarto della mia cucina o da oggetti alimentari che normalmente avrei compostato. Alcuni esempi erano l’acqua dell’ammollo dei fagioli secchi o i funghi raccolti nei boschi della mia casa in Michigan.

L’opera include sia un tessuto bidimensionale che grandi sezioni lavorate all’uncinetto – è appesa sulla parete in modo da creare un drappeggio, una presentazione molto diversa da quella delle mie tessiture di pellicole. Penso a questa differenza nella forma come alla totalità di un tessuto in grado di imitare il linguaggio visivo della natura rispetto a un’immagine la cui costruzione rende una metafora del processo.

Dall’apertura della mia mostra, within. | woven worlds, ho modificato il lavoro ogni due settimane e continuerò a farlo fino alla chiusura della mostra a giugno. Le integrazioni hanno incluso una serie di cose che sono cambiate nella mia vita quotidiana dal 2018, un esempio importante è una tessitura che contiene il filo proveniente dalle mie pecore, così come dalle pecore dei miei amici – una comunità che comprende sia animali che esseri umani e che è diventata della massima importanza per me. C’è una tessitura fatta con le fibre delle pannocchie di mais, provenienti dall’orto dello scorso autunno, che ho appeso ad asciugare nella mia casa (dopo che il mais era stato rimosso). Lo scopo di questa rappresentazione è quello di riprodurre il cambiamento nella mia comunità così come gli input del mio corpo. Mentre aiutavo i miei genitori a pulire il loro congelatore ho trovato una tintura di noci che avevo fatto nel 2014, ho intenzione di usare anche questa. Quando sarà abbastanza caldo da permettermi di usare il mio studio di tintura all’aperto, comincerò a usare le bucce di cipolla, i noccioli di avocado e altri prodotti alimentari che ho accumulato per ottenere più colori da intrecciare nel lavoro.

Local Cultures, 2018. Tessuto a mano, uncinetto. Lana, iuta, coloranti naturali, filo di rame recuperato, 51" x 70" x 10" (dimensione variabile), foto cr. Jenny Rafalson, copyright Rachel Hefferan
Local Cultures-detail, 2018. Handwoven, Crochet. Wool, Jute, natural Dyes, salvaged Copper wire, 51” x 70” x 10” (size variable) photo cr. Jenny Rafalson, copyright Rachel Hefferan
Local Cultures-detail, 2018. Tessuto a mano, uncinetto. Lana, iuta, coloranti naturali, filo di rame recuperato, 51" x 70" x 10" (dimensione variabile), foto cr. Jenny Rafalson, copyright Rachel Hefferan

I titoli delle sue opere consistono spesso in formule chimiche. Puoi spiegare la ragione di questa scelta?

I titoli che rimandano alla chimica sono una traduzione diretta delle specie che ho usato come fonti iconografiche per costruire la tessitura, ma sono anche simboli di un linguaggio visivo che permette all’osservatore di comprendere quali sono i miei interessi. Le astrazioni sono un modo così bello di coinvolgere la metafora e l’immaginazione. Attribuire alle mie opere i nomi delle specie dei lieviti sembrava la scelta più giusta per identificarle come esseri viventi che hanno un nome e si distinguono nel mondo… però allo stesso tempo questo non esprimeva il livello di curiosità che ho nei confronti di questi organismi. Le strutture sono catene polipeptidiche, ad ogni peptide è assegnata una lettera da usare come abbreviazione, in modo che vi si possa fare riferimento più rapidamente – A, D, E, ecc.

A causa di questa abbreviazione, il processo può essere eseguito al contrario – si può prendere una parola e creare una catena polipeptidica per rappresentarla, probabilmente questa struttura peptidica non esisterà (ma chi lo sa!). Le catene polipeptidiche sono un linguaggio chimico che può essere letto in maniera indipendente da qualcuno, diciamo da un chimico (come mio marito), senza andare su Google. Vedendo uno strano polipeptide, lui direbbe: “Ehi, cos’è questo?” e starebbe lì a sillabarlo. Mio marito, Nick, è stato un’incredibile fonte di ispirazione ed è un’influenza costante per la mia comprensione del processo microbico. Le catene polipeptidiche sono qualcosa a cui penso come un linguaggio (uno di quelli che ho bisogno di un software per poter parlare), anche la tessitura è un linguaggio, uno che può essere scritto in quadrati in bianco e nero denominati armature, passi e legature. Così le catene peptidiche sono un cenno al mio partner, Nick, ma anche a coloro che sanno parlare quella lingua.

Che tipo di routine hai quando inizi un nuovo progetto/lavoro? Com’è una giornata tipica nel tuo studio?

Sono sicuramente un tipo di persona iper-concentrata, quando mi addentro nella realizzazione di un’opera, finché non la finisco, il processo è molto logorante. Tra un momento e l’altro del fare, assorbo immagini/pensieri/idee come una spugna. Le annoto e potrei non guardarle mai più, ma l’atto di scrivere mi aiuta a ricordare. Il lavoro, di solito, inizia con un’immagine di partenza che potrebbe essere una foto scattata da me, un disegno di qualcosa che vedo o che ho immaginato – a volte è qualcosa che viene da altre persone con interessi simili ai miei. Ultimamente le mie immagini di partenza sono tratte dalle pellicole di lievito, una comunità microbica vivente visibile a occhio nudo che, di solito, si sviluppa sopra una fermentazione. Ho lavorato in una distilleria di sidro e alcune delle immagini sono state scattate grazie ai produttori di sidro che mi hanno dato una dritta su dove indirizzare il mio sguardo. Ho anche aiutato a produrre molta birra fatta in casa, sottaceti, crauti, formaggio di anacardi, kombucha. Per un po’ ho messo sotto il microscopio di Nick qualsiasi cosa mi venisse in mente. Faccio molti disegni e scarabocchi. Quando si tratta di concretizzare queste immagini sul telaio, di solito ho un obiettivo preciso da ottenere tramite il mio attrezzo – un ‘e se’ che arriva in modo naturale dall’esperimento precedente. Penso a un telaio come a uno strumento, un dispositivo che può essere usato e adattato per un apprendimento interattivo – questo vale anche per la ricerca scientifica. ‘What if’ (la variabile) può essere la dimensione dei fili, il modo in cui i disegni o fili di trama si incontrano (o forse non si incontrano).

Al momento, lo studio dove lavoro è una stanza interna che occupa circa 1/2 del fienile della nostra proprietà. Di solito porto con me uno dei miei cani e camminiamo attraverso il giardino fino alla porta sul retro. In questo momento, è inverno, accendo una serie di scaldini e mi cambio le scarpe per tenere la neve lontana dal telaio. Mi piace ascoltare dei libri, sia di narrativa che di saggistica, mentre lavoro al telaio. Mi piacciono i libri fantasy come Storm Light Archives di Brandon Sanderson e i romanzieri di fantascienza come Andy Weir, ma mi piace anche ascoltare Michael Pollan o Clara Parkes. Spesso mi si chiedono informazioni sui filati che utilizzo e su come scelgo il colore.

Per me il colore non è rappresentativo del soggetto che voglio rappresentare, è un modo per diversificare il disegno e la profondità – per questo, non deve essere mimetico rispetto a ciò che vediamo. I colori usati possono dirci di più su come le cose sbiadiscono, si fondono o addirittura si respingono, come l’olio e l’acqua. Ho sempre usato qualsiasi filato si trovi in giro, avvolgo molte più bobine di quelle che mi servono e le allineo in ordine, in progressione, per vedere cosa succede e per avere un punto di riferimento rispetto a ciò che verrà dopo. Questo è utile perché, quando stai tessendo, puoi vedere solo la piccola sezione del lavoro davanti a te prima che venga avvolta sul subbio anteriore. Quando ho accesso ad un TC2 – come alla scuola di specializzazione o durante una residenza, i pattern sono pre-programmati in un file che viene letto dal telaio. Posso fermarmi e fare dei cambiamenti, e lo faccio, ma la tessitura va molto veloce. Potrò fare dei ritocchi solo dopo averla vista completata, e solo nel lavoro successivo. Su un telaio artigianale, mentre sto lavorando posso modificare la mia idea originale, il processo è più lento e, per me, ogni movimento è più consapevole. Sono fortunata ad aver avuto la possibilità di lavorare alternativamente con entrambi questi strumenti.

2020. Cotone intrecciato a mano, lana, 40"x 41", foto cr. e copyright Rachel Hefferan
Animalcule, Atlante, 2021. Jacuqrd intrecciato a mano. Estremità del mulino in cotone, lana e poliestere, cerchio della botte del vino, 28 "x 28" x 2", foto cr. e copyright Rachel Hefferan

Ci sono artisti contemporanei che senti vicini alla sua ricerca e al suo linguaggio?

Mi interessano molto gli artisti che hanno superato il confine di un rapporto metaforico con la realtà. Voglio essere chiara sul fatto che credo fermamente che l’arte estetica/metaforica abbia valore e importanza come strumento per capire e relazionarsi con il mondo che ci circonda, ma non posso fare a meno di desiderare personalmente di fare qualcosa che diventi, a tutti gli effetti, una sorta di metrica o bioinformatica. Cose che possano far scaturire un vero e proprio progresso scientifico attraverso la collaborazione con la scienza ambientale o con quella che io definisco “pratica d’uso” – una situazione in cui la collaborazione con ingegneri, biologi o tecnici sia generativa e applicata da entrambe le parti a ciò che ci circonda. Whitefeather Hunter, è un’artista per la quale ho molto rispetto e ammirazione, con il suo attuale progetto sulle bioplastiche, il progetto di microtessitura e la congrega della bioarte.

Mi interessa il progetto di ricerca collaborativa di Elisa Palomino sulla concia sostenibile della pelle di pesce teso a promuovere la sostenibilità e a valorizzare l’importanza di questo materiale attraverso la storia dell’uomo e il suo significato per noi oggi, in un’epoca di sprechi così epici nel settore tessile.

Ancora, la ricerca e la collaborazione di Isaac Facio nel progetto ‘The Fabric of the Universe’ sulla rappresentazione della materia oscura come una bioinformatica tridimensionale che ha dimostrato come i tessuti possano aiutare a visualizzare le informazioni e creare comprensione, questo è qualcosa a cui aspiro. Sono anche estremamente attratta dai lavori dei tessitori che creano tessuti dimensionali, elaborati e talvolta stratificati che dimostrano la loro comprensione e relazione con lo strumento, e ce ne sono troppi da nominare.

Animalcules 2, 2021. Handwoven Jacquard, 37"x32". Cotton, Hand Spun Wool, Mohair, & Mill Ends, photo cr. Robert Antor, copyright Rachel Hefferan
2021. Jacquard intrecciato a mano, 37"x31". Cotone, lana, foto cr. Robert Antor, copyright Rachel Hefferan

C’è un progetto, un lavoro che ti sta a cuore e che non hai ancora avuto modo di realizzare?

Ho sempre voluto realizzare un’opera d’arte che consistesse interamente di fibre provenienti dai miei animali – ho pecore e capre. Una parte importante e sostenibile della mia pratica attuale è anche l’utilizzo di filati di seconda mano o di scarto. C’è un aspetto molto speciale, secondo me, nel fare qualcosa che proviene interamente dagli animali di cui mi prendo cura. Toso da sola i miei animali e filo a mano la loro lana – non sono ancora sicura di come sarà quest’opera d’arte e non sono sicura che sarà ‘sugli’ animali stessi, ma sarebbe qualcosa che vivrei come un risultato.

Kombucha Flat, 2018, Jacquard intrecciato a mano. Cotone, lana, 41"x42", foto cr. e copyright Rachel Hefferan

A cosa stai lavorando in questo momento?

Attualmente sto realizzando una tessitura sul mio telaio a 12 licci usando un cartone (un’immagine di riferimento) che presenta l’altra metà di una pellicola che ho già tessuto per un lavoro precedente. Un pezzo gemello di Firma Calva, questa volta tessuto con un doppio ordito molto denso. Avevo intenzione di usare questo tipo di ordito anche per il primo pezzo, ma avendo una grande sezione di ordito rimasta da un lavoro precedente, avevo dovuto modificare il progetto.

In termini di ricerca, mi sono ispirata molto al bandeggio cromosomico – e alla traduzione dei cromosomi colorati in immagini delle bande (che è il modo in cui li comprendiamo come distinti). Sono particolarmente interessata ai 27 cromosomi di Ovis aries (pecora) – non sono ancora sicura di cosa realizzerò la tessitura ma le bande, come marcatori distintivi, si prestano alla semplicità della striscia sul telaio. Così come le influenze del cibo e delle bevande fermentate si sono insinuate nel mio lavoro e nel mio processo, mi aspetto che le vicissitudini del mio bestiame stiano per fare il loro ingresso nel mio lavoro in studio.

Maria Rosaria Roseo

English version Dopo una laurea in giurisprudenza e un’esperienza come coautrice di testi giuridici, ho scelto di dedicarmi all’attività di famiglia, che mi ha permesso di conciliare gli impegni lavorativi con quelli familiari di mamma. Nel 2013, per caso, ho conosciuto il quilting frequentando un corso. La passione per l’arte, soprattutto l’arte contemporanea, mi ha avvicinato sempre di più al settore dell’arte tessile che negli anni è diventata una vera e propria passione. Oggi dedico con entusiasmo parte del mio tempo al progetto di Emanuela D’Amico: ArteMorbida, grazie al quale, posso unire il piacere della scrittura al desiderio di contribuire, insieme a preziose collaborazioni, alla diffusione della conoscenza delle arti tessili e di raccontarne passato e presente attraverso gli occhi di alcuni dei più noti artisti tessili del panorama italiano e internazionale.