Interview

SERENA NICOLI

*Featured photo: Nudos 2020 Fine Art Pigment Print Hahnemüle ultra smooth 100% cotton (print 2022) frame 31×46 cm Courtesy the artist

Born in Varese, class of 1985, Serena Nicolì graduated in Contemporary Visual Arts at the Santa Giulia Academy of Fine Arts in Brescia, after studying and graduating in International Relations which for many years led her to travel and work in different countries of the world (Spain, China, Latin America).This dynamic essence of her life has profoundly influenced her artistic research which develops from the reinterpretation of biographical, identity and cultural geographies, both personal and experienced, and collective and imagined. She works with different types of materials, on which she impresses a highly manipulative and gestural action, with a particular predilection for predominantly natural textile fibers, also combining organic materials.

She told us about herself and her work in this interview for ArteMorbida.

The knot is the basic element of many of your recent works. What does it represent for you?

The knot is the emblematic system of my visual poetics, of my progress. It represents materially and symbolically the union, the bond between two parts. However, it does not constitute an indissoluble bond. By its nature it presents at the same time the ambivalence of connection and dissolution. The individual and collective history of all of us is made up of bonds, solid or permeable to the passage of time and human relationships. A system of knots and intertwining determines a particular plot, as if it were the narration of all those unions that make up our collective universe.

The fibers that I prefer to knot for my work are ropes. In our womb we all carry the trace of a cord, a symbol of a bond and channel of transmission of vital nourishment. Working with the rope means acting humanly in the sign of a trace that already exists in us, in what has been outlined starting from our origin and which remains imprinted on our body forever.

Binding therefore means for me to trace existential itineraries, that is, to create textures of matter and life. Knotting is a gesture that allows me to enter a dialogical dimension with the body, matter and time.

Fibers and fabrics are among your materials of choice. When did you start experimenting with the textile medium and what are the factors that make it the most suitable expressive language for your artistic research?

Fibers and fabrics represent a family story for me. My paternal grandfather traded linen after World War II, so I grew up with the idea and attention to quality fabric from an early age. Then, thanks to my professional experiences in Latin America, especially in Ecuador, where I lived and worked for seven years, I was in close contact with the production chains of some local textile fibers: sheep’s wool and camelids. Later attending the Santa Giulia Academy in Brescia, in the two-year specialization in Contemporary Visual Arts, my interest immediately turned to the textile medium. I have been working with these materials for five years, which thanks to their softness lend themselves to a very high degree of flexibility and manipulation, thus allowing me to impress the gesture on the material in a free, strong and evident way.

Who and what has influenced or inspired your work as an artist over time? 

Personally I am very fond of some great artists, who in past or more recent history have broken through conceptually unexplored territories and whose works have great communicative power. Just to name a few: William Morris, Sonia Delaunay, Eva Hesse, Joseph Beuys, Jannis Kounellis, Louise Bourgeois, Maria Lai and nowadays also Mona Hatoum, Chiharu Shiota, Sissi.

In comparison to what, on the other hand, an atavistic, almost primordial feeling binds me to my way of working, not entirely explainable in words. For example, with respect to the knot, some scholars theorize that man may have begun to weave natural, animal or vegetable fibers, even before the discovery of fire. Difficult to say, but I feel this primordiality of the gesture as an urgent and irreplaceable expressive necessity. Perhaps our being artists really has very distant origins in time.

Body, matter, change: how are these three elements expressed in your artistic practice?

The body is my basic physical and conceptual unit. In fact, my work often starts from biological research and if this does not materialize with the use of an organic material, it still has a strong reference in form or formality.  For example, in some embroidering jobs, I used my hair instead of the thread; while in others, the knotted ropes allowed me to communicate a certain viscerality. Matter, therefore, rather than lending itself to the concept, is in fact one with it. Change for me is a movement. In my knotting work, not only the result is evident, but also the trace of the process, of the gesture that transforms. For me, this is the inner movement of the artist’s soul that manifests itself concretely.

How has your ‘making art’ evolved and how has it changed from the beginning to today?

In the early years I experimented with many expressive means, often mixing materials and using different techniques. Paint and fabric, for example, still have a very fleeting, subtle, permeable boundary for me. In some of my textile sculptures, it is as if I were painting without painting, only with strings, seeking that compositional-chromatic balance, which I would also have sought in painting.

I am currently also working on research that brings the body and textile fibers closer and closer, in a union that still leaves great spaces for expressive freedom, through the performative medium.

What does it mean for you to be an artist?

To be. To live. Feel. Love. Suffer. To communicate. Transform. Play. Be amazed. To produce. Bind. Abandon yourself.

How autobiographical is your art? And what is the relationship between art and life for you?

My production almost always starts from an autobiographical note, from that intimate and personal experience that is part of the story of each of us. It could be said that my work investigates biographical geographies, soul morphologies and life relationships, through those plots that I create with matter and which essentially correspond to a narrative of existence. Basically, for me, art and life coincide eternally.

The most intimate, most ‘yours’ work that you have created?

120 flowers: it is an autobiographical work, made up of one hundred and twenty small white fabric sculptures, arranged on the wall, on the floor or hanging from the ceiling. These flowers represent a person or a group of people united with each other. It is a work that reflects my parental, sentimental and friendly relationships. Sixty corollas are joined together in small groups with knotted stems. Each knot represents a real union of my life, also paying homage to already lost bonds.To carry out the work, I also took some nautical knots and deliberately redone them in an incorrect way, to convey the idea of ​​those relationships that we consider wrong in our lives and which, however, being part of our path, should not be denied. Sixty are instead the free corollas, not yet knotted, which symbolize those relationships to be established in the future, or those suspended, yet to be understood.

120 fiori, 2020, tessuti, fibre tessili naturali e sintetiche, corda, spago, gesso, vernice installazione dimensioni ambientali. Photo Credit Foto Simonetti

New projects on the horizon?

Yes, I will exhibit in some group exhibitions, in which I will have the pleasure of sharing a physical and intellectual space with other artists. I deeply believe in participatory processes as privileged places of maturation, which is why I often establish collaborations with other colleagues. I am also working on a project that brings together various arts: visual and musical, with the help of other artistic sensibilities.

The next few months will see my participation in the collective exhibition Nodi in Puegnago del Garda (11 September-9 October), commissioned by Francesco Visentini, president of the UCAI and curated by Anna Piergentili, where in addition to the works on display, I will create a performance for the finissage .

I will also be present at Paratissima in Turin (2-6 November), within the Savoir Faire exhibition, one of the six projects in the Nice & Fair section, with my work of embroidering with hair Love wasted, in the exhibition curated by Federica Tomatis and Ksenia Yarosh.

In view of next year, a personal one: a great dream and a great job. I can’t wait!

Interviste

SERENA NICOLI

*Foto in evidenza: Nudos 2020 Fine Art Pigment Print Hahnemüle ultra smooth 100% cotone (stampa 2022) cornice 31×46 cm Courtesy l’artista

Nata a Varese, classe 1985, Serena Nicolì si è diplomata in Arti Visive Contemporanee presso l’Accademia di Belle Arti Santa Giulia di Brescia, dopo gli studi e la Laurea in Relazioni Internazionali che per molti anni l’hanno portata a viaggiare e lavorare in diversi paesi del mondo (Spagna, Cina, America Latina). Questa cifra dinamica dell’esistenza ha profondamente influenzato la sua ricerca artistica che si sviluppa a partire dalla rilettura delle geografie biografiche, identitarie e culturali, sia personali e vissute, che collettive ed immaginate. Lavora con diversi tipi di materia, su cui imprime un’azione fortemente manipolativa e gestuale, con una particolare predilezione per le fibre tessili prevalentemente naturali, accostando anche materiali organici.

Ci ha raccontato di sé e del suo lavoro in questa intervista per ArteMorbida.

Il nodo è elemento base di molti tuoi lavori recenti. Cosa rappresenta per te?

Il nodo è il sistema emblematico della mia poetica visiva, del mio procedere. Rappresenta matericamente e simbolicamente l’unione, il legame fra due parti. Tuttavia, non costituisce un vincolo indissolubile. Per sua natura presenta al tempo stesso l’ambivalenza della connessione e dello scioglimento. La storia individuale e collettiva di tutti noi è fatta di legami, saldi o permeabili allo scorrere del tempo e delle relazioni umane. Un sistema di nodi e intrecci determina una trama particolare, come se fosse la narrazione di tutte quelle unioni che costituiscono il nostro universo collettivo.

Le fibre che prediligo annodare per i miei lavori sono le corde. Nel nostro ventre tutti noi portiamo la traccia di un cordone, simbolo di un legame e canale di trasmissione del nutrimento vitale. Lavorare con la corda significa agire umanamente nel segno di una traccia già esistente in noi, in ciò che si è delineato a partire dalla nostra origine e che rimane impresso nel nostro corpo per sempre.

Legare significa quindi per me tracciare degli itinerari esistenziali, cioè creare delle trame di materia e di vita. Annodare è un gesto che mi permette di entrare in una dimensione dialogica con il corpo, la materia e il tempo.

Fibre e tessuti sono tra i tuoi materiali d’elezione. Quando hai iniziato a sperimentare il medium tessile e quali sono i fattori che ne fanno il linguaggio espressivo più idoneo per la tua ricerca artistica?

Fibre e tessuti rappresentano per me una storia familiare. Mio nonno paterno commerciava biancheria nel secondo dopoguerra, quindi già da piccola sono cresciuta con l’idea e l’attenzione al tessuto di qualità. Poi, grazie alle esperienze professionali in America Latina, soprattutto in Ecuador, dove ho vissuto e lavorato per sette anni, sono stata a stretto contatto con le filiere di produzione di alcune fibre tessili locali: lana di ovini e camelidi. Frequentando poi l’Accademia Santa Giulia di Brescia, nel biennio specialistico in Arti Visive Contemporanee, il mio interesse si è diretto subito sul medium tessile. Lavoro da cinque anni con questi materiali, che grazie alla loro morbidezza si prestano ad un altissimo grado di flessibilità e manipolazione, permettendomi così di imprimere il gesto sulla materia in modo libero, forte ed evidente.

Chi e cosa ha influenzato o ispirato il tuo lavoro d’artista nel corso del tempo?

Personalmente sono molto affezionata ad alcuni grandi artisti, che nella storia passata o più recente hanno sfondato territori concettualmente inesplorati e le cui opere hanno grande forza comunicativa. Solo per citarne alcuni: William Morris, Sonia Delaunay, Eva Hesse, Joseph Beuys, Jannis Kounellis, Louise Bourgeois, Maria Lai e ai giorni nostri anche Mona Hatoum, Chiharu Shiota, Sissi.

Rispetto al cosa, invece, mi lega al mio modo di operare un sentimento atavico, quasi primordiale, non del tutto spiegabile a parole. Per esempio, rispetto al nodo, qualche studioso teorizza che l’uomo possa aver iniziato ad intrecciare fibre naturali, animali o vegetali, già prima della scoperta del fuoco. Difficile a dirsi, ma questa primordialità del gesto io la sento come una necessità espressiva impellente e insostituibile. Forse il nostro essere artisti ha davvero origini molto lontane nel tempo.

Corpo, materia, cambiamento: come sono declinati questi tre elementi nella tua pratica artistica?

Il corpo è la mia unità di base, fisica e concettuale. Di fatto il mio lavoro parte spesso da una ricerca biologica e se questa non si concretizza con l’uso di un materiale organico, ne presenta comunque un forte rimando nella forma o nella formalità. Per esempio in alcuni lavori di ricamatura, al posto del filo ho usato i miei capelli; mentre in altri, le corde annodate mi hanno permesso di comunicare una certa visceralità. La materia dunque, più che prestarsi al concetto, di fatto è un tutt’uno con esso. Il cambiamento per me è un movimento. Nel mio lavoro di annodatura non è evidente solo il risultato, ma anche la traccia del processo, del gesto che trasforma. Questo per me è il moto interiore dell’animo dell’artista che si manifesta concretamente.

Come si è evoluto e come è cambiato il tuo ‘fare arte’ dagli esordi ad oggi?

Nei primi anni ho sperimentato molti mezzi espressivi, mescolando spesso materiali e utilizzando tecniche diverse. La pittura e il tessuto, per esempio, hanno per me ancora un confine molto labile, sottile, permeabile. In alcune mie sculture tessili, è come se dipingessi senza la pittura, solo con le corde, ricercando quel bilanciamento compositivo-cromatico, che avrei cercato anche nella pittura.

Attualmente sto lavorando anche ad una ricerca che avvicina sempre di più corpo e fibre tessibili, in un un’unione che lascia ancora grandi spazi di libertà espressiva, attraverso il medium performativo.

Cosa significa per te essere un’artista?

Essere. Vivere. Sentire. Amare. Soffrire. Comunicare. Trasformarsi. Giocare. Stupirsi. Produrre. Legare. Abbandonarsi.

Quanto è autobiografica la tua arte? E che rapporto c’è fra arte e vita per te?

La mia produzione parte quasi sempre da una nota autobiografica, da quel vissuto intimo e personale che fa parte della storia di ognuno di noi. Si potrebbe dire che il mio lavoro indaga le geografie biografiche, le morfologie dell’anima e le relazioni di vita, attraverso quelle trame che io realizzo con la materia e che corrispondono essenzialmente ad una narrazione dell’esistenza. In sostanza per me arte e vita coincidono eternamente.

L’opera più intima, più ‘tua’ che hai realizzato?

120 fiori: è un’opera autobiografica, composta da centoventi piccole sculture bianche in tessuto, disposte a parete, a pavimento o pendenti dal soffitto. Questi fiori rappresentano una persona o un gruppo di persone unite fra loro. È un’opera che riflette le mie relazioni parentali, sentimentali, d’amicizia. Sessanta corolle sono unite fra loro in piccoli gruppi con i gambi annodati. Ogni nodo rappresenta un’unione reale della mia vita, omaggiando anche legami già perduti. Per realizzare il lavoro ho preso anche alcuni nodi della nautica e li ho rifatti volutamente in modo inesatto, per rendere l’idea di quelle relazioni che nella nostra vita consideriamo sbagliate e che, facendo comunque parte del nostro percorso, non vanno negate. Sessanta sono invece le corolle libere, non ancora annodate, che simboleggiano quei rapporti da stabilirsi in futuro, o quelli sospesi, ancora da capire.

120 fiori, installazione view, 2020, tessuti, fibre tessili naturali e sintetiche, corda, spago, gesso, vernice installazione dimensioni ambientali. Courtesy l’artista

Nuovi progetti all’orizzonte?

Sì, esporrò in alcune mostre collettive, in cui avrò il piacere di condividere uno spazio fisico e intellettuale con altri artisti. Credo profondamente nei processi partecipativi come luoghi privilegiati di maturazione, per questo stabilisco spesso collaborazioni con altri colleghi. Sto lavorando anche ad un progetto che riunisce varie arti: quella visiva e quella musicale, con l’ausilio di altre sensibilità artistiche.

I prossimi mesi vedranno una mia partecipazione alla mostra collettiva Nodi a Puegnago del Garda (11 settembre-9 ottobre), voluta da Francesco Visentini, presidente dell’UCAI e curata da Anna Piergentili, dove oltre alle opere esposte, realizzerò una performance per il finissage.

Sarò presente anche a Paratissima a Torino (2-6 novembre), all’interno della mostra Savoir Faire, uno dei sei progetti della sezione Nice&Fair, con la mia opera di ricamatura con i capelli Amore sprecato, nella mostra curata da Federica Tomatis e Ksenia Yarosh.

In vista del prossimo anno, una personale: un grande sogno e un grande lavoro. Non vedo l’ora!

Barbara Pavan

English version Sono nata a Monza nel 1969 ma cresciuta in provincia di Biella, terra di filati e tessuti. Mi sono occupata lungamente di arte contemporanea, dopo aver trasformato una passione in una professione. Ho curato mostre, progetti espositivi, manifestazioni culturali, cataloghi e blog tematici, collaborando con associazioni, gallerie, istituzioni pubbliche e private. Da qualche anno la mia attenzione è rivolta prevalentemente verso l’arte tessile e la fiber art, linguaggi contemporanei che assecondano un antico e mai sopito interesse per i tappeti ed i tessuti antichi. Su ARTEMORBIDA voglio raccontare la fiber art italiana, con interviste alle artiste ed agli artisti e recensioni degli eventi e delle mostre legate all’arte tessile sul territorio nazionale.