Focus On

TRAMANDA BACKSTAGE

*ph.credit LUCIANO BERRUTO

We set out to explore TRAMANDA backstage.

Tramanda, in Chieri (TO), is one of the oldest and most prestigious Italian events dedicated to Fiber Art.

To understand how the 2020 edition (postponed to 2021 because of the pandemic) took shape, we’ve asked the jury’s members, inquiring beyond the boundaries of the event, to trace an overview upon this specific language of contemporary art and its evolution.

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We asked Angelo Mistrangelo, vice-president of the jury, what marked this edition: “the long path of the art exhibitions that encapsulates the climate and the essence of fibre art’s visual culture and the TRAMANDA exhibitions has developed with a continuous renewal of languages and experiences, reaching, in this latest event, a strong international profile.

The artworks on show feature in-depth expressive research, where the materials act as a crucial support and complete the projects. Materials are addressing a reality that matches established masters to emerging authors, a personal vision’s energy joint to a choral narration, among reflections, colours and the magic of underlying creativity”.

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Concerning the parameters used to select the finalists and the motivations for the prizes, Mistrangelo explains: “The selection committee aimed at a unifying vision and interpretation of the works and compositions presented by the artists. President Fiorenzo Alfieri (recently passed away) stressed the importance of youth creativity as an unquestionable means of future success in the artistic and professional world. Therefore, the subject’s interpretation, materials and lyrical content were the criteria for the judges to make a personal and measured evaluation. Each artwork was chosen and awarded according to the set guidelines. These result from an overall involvement around the aspects and expressive value of the works submitted to the Commission. In a nutshell, we noticed a greater openness towards contemporary art with materials that transformed, even if only in part, the traditional language with copper and iron wires, collages, felts, discarded objects, photographic fragments, to name but a few.”

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Valeria Scuteri, established fibre artist and a member of the jury, describes her experience as follows: “The most interesting, or rather healthy, aspect of this participation was to realise that beauty exists and is successful, which strengthened and reassured me. Speaking of “beauty” I don’t mean only its aesthetic/artistic connotation but rather the beauty of people as a whole. We are daily overwhelmed by bad news, behaviour, actions in a race with a time that often leads to superficial (or self-interested) evaluations. Being part of this jury, with a group of people who naturally place respect first, is no small matter. Mutual respect, exchange and assessments regardless of roles.

It was reassuring to work with jurors capable of choosing beyond their personal taste and ideology, a fundamental requirement, in my opinion. The members focused on the artists, evaluating whether the presented message corresponded to and was delivered through the best art form, whether his emotional, rational, aesthetic feeling and his artistic urgency are genuine, whether there is the proficiency of making and not only the willingness to show off.”

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Commenting on the evolving trajectory of Fiber Art, she says: “For quite a few years now, I don’t think there are any more limits to fibre art. The important thing was to get to this point: to be truly acknowledged and not only by a small number of enthusiasts but as a cultural, artistic language, like other art forms. Then, finally, the art market (hence those who revolve around it) became aware of fibre art. No longer just patches, threads, sewing, fabrics and macramé, but also new materials, techniques, installations, performances, and suitable spaces.”

In her double role, Valeria Scuteri sees a growing interest in fibre art: “In my humble experience, fibre art has been a difficult and sometimes painful process of labour and delivery, at least in our country. In addition to intuition and talent, the first fibre artists and those who believed in them were courageous enough to challenge prejudices and trends, as is always with new artistic movements. As jury’s president in the three previous editions of TRAMANDA and as a jury member of the current one, I have witnessed that these artists are now rewarded. As well as having an exquisitely artistic context, they have influenced fashion, crafts and design. What was borrowed has been fully given back. I’m delighted for the mature, motivated and independent new generation of young artists. I am delighted to see the following among motivated, mature, independent young artists. It is no more an awkward “déjà vu” but art that speaks of its own time in its own contemporary way. Artists who understand the needs of a generation, otherwise there is no explanation for the common characteristics of the works that entered the competition, even though there was no specific theme. Today, not only in galleries and museums, we witness the desire to exhibit Fiber Art. The intuition of the early pioneers was correct, and, once again, when art is authentic, it sooner or later gives rise to a spontaneous response. How much it has grown is also proven by the success of a dedicated magazine like yours”.

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Jury member Maria Francesca Garnero also speaks of growing interest and evolution: “I can ideally outline a diagram in which the line indicating the level of the received works artistic quality is constantly rising and which also represents the geographical extent of participation. With every edition, the jury has been increasingly favourable in examining the artists’ proposals and has observed how the artists’ area of origin has widened geographically and in terms of the schools they attended.

Sensitivity and attention to the fibre art language can also be depicted with a chart with a rising line that grows almost parallel to the increase in events dedicated to this form of art, so delicate and intriguing, to use two straightforward terms belonging to the common language.

In fact, creating space for solo and group exhibitions, meetings with critics and artists, internships and workshops, has allowed fibre art to reach an ever-wider audience. In Chieri, this aim was met with Martha Neuwenhuijs’ idea to establish a specific collection. The Collection provides a regular availability of works. In addition, it offers the stimulus to organising exhibitions and events, which are regularly scheduled to stimulate the visitors’ interest to help him deepen his knowledge of this medium.”

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Silvana Nota, juror and Tramanda’s artistic director, explains the difficulties faced by the current edition: “This year Tramanda has been challenging. We have never stopped working on the project, but it was interrupted: much time went by between the jury’s meeting and the exhibition’s opening; this has been a challenge for all of us.  

However, our close-knit and always constructive working team has never lost faith. The most exciting and satisfactory thing has been witnessing the show take shape with new developments.

The artists followed along, bringing fresh air and rising quality. Looking back at the works to write the texts, I was surprised to discover a sort of intuition; it was like they were waiting for something to happen. The artworks were, in fact, charged with expectation, peace, the unity and beauty between past and present.”

We’ve asked Silvia Nota to comment on the relationship among the young artists and the textile medium: “From my point of view, the new generation demonstrates e great interest in Fiber Art, or for the use of the textile medium in their work. This tendency is evident in the Young Fiber Contest that showcases the ever-growing involvement of young artists with this art language. Another exciting element is that they often use fabric or other flexible materials without even knowing the history of Fiber art, discovering it during the exhibition and becoming passionate about it. Very young people like the experimental aspect of fibre art, despite its historical, ancient core; think about its research and the enormous range of results.

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Massimo Tiberio, architect, member of the jury and installation manager, gives us his point of view: “The presented works showed a solid visual and expressive diversity that allowed us to provide wealth and variety to the exhibition. Diversity has been the main feature: different formats, sizes, techniques, ways of expression. This is precisely the primary source of inspiration for the final layout. In addition, the presence of two-dimensional relief and all-around works has allowed us to give vivacity and dynamism.”

We’ve asked Tiberio the criteria he followed to organise the five locations and as many setups. He stated: “The choice of sites has been made by the exhibition’s curator because of their uniqueness: the Vajro is the contest’s historical headquarter. It has always been the ideal location for this event. The works exhibited here has been selected by the jury. As in the previous editions, “Bonetto design” displays the artworks related to design. This choice creates synergy between content and context. The corpus of the exhibition is clear, without the possibility of misinterpretation. Contemporary Fiver Art is at Palazzo Opesso, and Casa Martini presents a thematic exhibition with works from the Civic Collection of Fiber Art by Chieri.

 

When it comes to the display design, I’ve applied different processes and approaches to create effective synergies to the best use of the individual works and the intelligibility of the specific exhibition. All locations are significant and have strong characters and personalities. If I’d kept the same design line for all the displays, the exhibition’s expressive result would have been less effective and, above all, it would have been misleading, with less emotive results. To ensure the best fruition and allow to correctly convey the poetics of each exhibition, my design approaches have been diverse.”

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At Imbiancheria del Vajro, the display intended to spatially translate the concept of “cross the border” that emerged strongly from the poetics of the exhibited works. “Cross the border” was meant as freedom and the opening of every part towards the others and the context. The architectural boundaries of the Imbiancheria are overcome by erasing the subdivision into sections or typological areas (a feature of Tramanda’s previous edition). Inside the Vajro, an open and unique dialogue-exhibition space is created, without cognitive limits: a universal space within which works, through their poetics and expressiveness, can weave silent and mutual dialogues escaping the physical limitations of the museum container.

Varjo’s architecture thus becomes a flexible continuous space without closure. As a result, the Young Fiber Contest’s artworks and the open call’s ones freely interact without hierarchies, limits, or barriers.

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Palazzo Opesso installation process was more complex due to the many site-specific works. This form of installation relates and depends directly on the space in which it is conceived and set up; in fact, it was a design choice not to intervene and overload the exhibition spaces with props that could close and limit the volume perception of the areas. Instead, a dynamic perspective that supported and emphasised the interaction between the works and their different locations within the Palace was created to give life to a peculiar “cultural performance”. 

At Casa Martini, the choice was to reduce the use of foreign elements to dive deeper into the Genius Loci’s sensitivity, thus demanding each artwork’s evocative power and its specific characteristics to create a dialogical interaction between content and container.

At the Museo del Tessile, I wanted to create an organic and synergistic path with the museum context without intervening in its layout. Therefore, the works were distributed to create a linear exhibition adding the residual spaces of the museum to weave a harmonious counterpoint in dialogic tension with the museum artefacts.”

This has been a very complex display; as Tiberio states: “When you are designing the production of a fibre art exhibition, you have to face many difficulties: the technical and composition sides and the management. Specifically, these problems are emphasised by the types of art pieces on display and the architectural features of the locations. We deal with very different works, which creates difficulties because each one needs its own space of perception that is not always proportional to the work size. To allow room to perceive a piece, sometimes, you must create accessible areas among the works. However, while navigating the exhibition space, the visitor must get constant input and stimuli. The setup needs to convey a general feeling of harmony between the parties to keep his interest alive. Tramanda has further complexity making everything even more complex: the exhibitions spaces have solid personalities and essential architectural and cultural elements. All these elements would complicate the understanding of any exhibition.

From a technical point of view, the Fiber Art pieces, ranging from two-dimensional tapestries to three-dimensional aerial sculptures with weights from a few grams to many kilograms, require careful design when installed. Furthermore, the event’s headquarters, being a museum or historical site, also have technical constraints. The design does not only concern how to arrange works, define the visual and cultural image of the exhibition, but also to find specific installation methods, particular and innovative for each location and within the same space. Each artwork and each area with its own specific requirements.” The great synergy between the various professionals who have shown commitment, competence, talent and passion to this new edition of Tramanda allowed to create an articulated and rich event despite the many difficulties.

TRAMANDA can be visited until January 15th 2022.

Info www.comune.chieri.to.it/turismo-cultura/tramanda-2021

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Focus On

TRAMANDA BACKSTAGE

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Siamo andati alla scoperta del backstage di TRAMANDA di Chieri, in provincia di Torino, tra le più longeve e prestigiose manifestazioni italiane dedicate alla Fiber Art. Per capire come ha preso forma l’edizione del 2020 – che ha però finalmente visto la luce soltanto nel 2021 a causa della pandemia – abbiamo intervistato i membri della giuria, indagando anche oltre i confini del singolo evento e tratteggiando una panoramica di questo linguaggio dell’arte contemporanea e delle sue evoluzioni.

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Abbiamo chiesto ad Angelo Mistrangelo, vice presidente della giuria, cosa ha caratterizzato questa edizione: “il lungo percorso delle rassegne d’arte che racchiude il clima e l’essenza della cultura visiva legata alla Fiber Art e alle esposizioni di TRAMANDA – ci dice – si è sviluppato con un continuo aggiornamento dei linguaggi e delle esperienze raggiungendo, in questa ultima rassegna, una forte connotazione internazionale. Le opere presentate sono caratterizzate da una approfondita ricerca espressiva, dove i materiali impiegati fungono da determinante supporto e completamento del progetto. Materiali che si rivolgono a una realtà che unisce affermati maestri agli autori emergenti, l’energia di una personale visione a una corale narrazione, tra riflessioni, colori e la magia di una sottesa creatività.”

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Rispetto ai parametri con cui sono stati selezionati i finalisti e le motivazioni dei premi Mistrangelo spiega: “La Commissione ha lavorato all’insegna di una visione e lettura, il più possibile unitaria, delle opere e composizioni presentate dagli artisti. In particolare, il presidente Fiorenzo Alfieri, prematuramente scomparso, ha posto l’accento sulla creatività dei giovani, quale indiscussa possibilità di futura affermazione nel mondo artistico e professionale. E, quindi, interpretazione del soggetto, materiali, poetica dell’immagine hanno rappresentato altrettanti parametri di un personale e misurato giudizio. Ogni singola opera è stata scelta e premiata secondo le indicazioni che sono anche il risultato di un coinvolgimento generale intorno agli aspetti e al valore espressivo dei lavori sottoposti alla Commissione. Si è notato, in sintesi, una maggiore apertura verso l’arte contemporanea con materiali che hanno trasformato, anche solo in parte, il linguaggio tradizionale con fili di rame e ferro, collages, feltri, oggetti di scarto, frammenti fotografici, solo per citarne alcuni“.

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Valeria Scuteri, membro della giuria nonché fiber artist affermata, racconta così la sua esperienza: “L’aspetto più interessante o meglio, salutare di questa partecipazione, è stato constatare che il bello esiste ed è vincente, cosa che mi ha rafforzata e rassicurata. Per “bello” non mi riferisco soltanto a quello estetico/artistico, ma a quello delle persone nella loro totalità. Siamo giornalmente bombardati da brutte notizie, comportamenti, azioni e da una corsa con il tempo che porta spesso a valutazioni superficiali (o interessate) che il fatto di trovarsi in questa giuria con un gruppo di persone che, invece, ha messo con naturalezza il rispetto al primo posto, non è cosa da poco. Rispetto reciproco, confronto delle opinioni e delle valutazioni a prescindere dai ruoli. È stato rassicurante trovare giurati, capaci (requisito fondamentale, a mio avviso) di prescindere dal proprio gusto e ideologia personale e concentrarsi esclusivamente sull’artista, verificando se il racconto che presenta corrisponde e ha preso la forma artistica migliore per essere comunicato, se il suo sentire emotivo, razionale, estetico, la sua urgenza artistica, è autentica, se c’è la professionalità del fare e non solo dell’apparire.”

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Rispetto alla direzione in cui sta evolvendo la Fiber Art, dice: “Da diversi anni ormai, non credo ci siano più limiti per la Fiber Art. L’importante era arrivare a questo punto: essere veramente riconosciuti, non solo da un ristretto numero di appassionati, come linguaggio artistico culturale, al pari di altre forme d’arte. Finalmente il mercato dell’arte (e di conseguenza chi gira intorno ad esso) si è accorto della Fiber Art. Non più solo pezze, fili, cucito, rattoppi, tessuti e macramè, ma anche nuovi materiali, tecniche, installazioni, performance, e spazi adeguati.” Nella sua doppia veste, Valeria Scuteri constata un crescente interesse nei confronti della Fiber Art: “Quello della Fiber Art, è stato, in base alla mia modesta esperienza, un travaglio e un parto difficile, a volte doloroso, almeno nel nostro paese. I primi artisti fiber e chi ha creduto in loro, oltre all’intuizione e al talento, hanno avuto il coraggio che sempre accompagna le nuove correnti artistiche, di sfidare i pregiudizi e le tendenze. Ho potuto constatare, come presidente di giuria nelle tre edizioni precedenti di TRAMANDA e come componente della giuria in quest’ultima che sono oggi finalmente ricompensati. Oltre ad avere un seguito squisitamente artistico, hanno influenzato moda, artigianato e design. Quello che da questi era stato preso in prestito è stato ampiamente restituito. Vedo con gioia il seguito che hanno presso giovani artisti motivati, maturi, indipendenti. Non più imbarazzanti “déjà vu”, ma un’arte che racconta il proprio tempo con modi e tempi propri e contemporanei. Artisti che intercettano le esigenze generazionali poiché diversamente non si spiegherebbe denominatori comuni nelle opere partecipanti al concorso pur in assenza di un tema imposto. Oggi non solo in gallerie e musei si ritrova la volontà di esporre Fiber Art. L’intuizione dei primi pionieri era dunque giusta e, ancora una volta, quando l’arte è autentica ne nasce prima o poi un seguito spontaneo. Quanto sia cresciuta lo dimostra anche il successo di una rivista specializzata come la vostra.”

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Anche Maria Francesca Garnero, membro della giuria, ci parla di una maturazione ed un crescente interesse: “Posso descrivere idealmente un grafico dove è in costante ascesa la linea che indica il livello di qualità artistica delle opere ricevute e che rappresenta anche l’ampliamento territoriale della partecipazione. Ad ogni edizione la Giuria nel suo insieme ha espresso giudizi sempre più positivi esaminando le proposte degli artisti che si si sono via via candidati ed ha riscontrato come l’area di provenienze degli artisti stessi si sia ampliata non solo a livello geografico ma anche di istituti scolastici/artistici di riferimento.

Anche la sensibilità e l’attenzione verso il linguaggio della Fiber Art possono essere rappresentate con un grafico in cui la linea in ascesa che le rappresenta è quasi parallela all’aumento di manifestazioni dedicate a questa forma di espressione artistica, così delicata ed intrigante, volendo usare due termini molto semplici, appartenenti al linguaggio comune. Infatti l’aver creato sempre più di frequente esposizioni personali e collettive, incontri con critici ed artisti, stage e laboratori, ha permesso ad un pubblico sempre più vasto di conoscere da vicino la Fiber Art. In particolare a Chieri l’idea di Martha Neuwenhuijs di creare una Collezione specifica, ha concretizzato l’approccio di un pubblico sempre più vasto. La Collezione garantisce una presenza costante di opere ed offre lo stimolo ad organizzare mostre ed eventi, che sono sempre regolarmente cadenzati nel tempo e sollecitano in modo costante l’interesse del pubblico, aiutandolo a crescere ed approfondire la conoscenza della Fiber Art.”

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È Silvana Nota, giurata e direttrice artistica di TRAMANDA, a spiegarci le difficoltà che questa edizione ha dovuto affrontare: “Questa edizione di Tramanda è stata estremamente impegnativa. Infatti, anche se non abbiamo mai smesso di lavorare al progetto, le interruzioni e il lungo arco di tempo intercorso tra la riunione della giuria e l’inaugurazione delle mostre, ci ha messi tutti a dura prova. Tuttavia il team di lavoro, molto affiatato e sempre costruttivo, non ha mai perso l’entusiasmo.  La soddisfazione è stata scoprire, via via, che l’evento prendeva forma con nuovi sviluppi. Gli artisti ci hanno seguiti portando aria di rinnovamento e un chiaro innalzamento della qualità. Rivedendo le opere per scrivere i testi, la sorpresa è stata quella di leggere nei loro concept una specie di intuizione, come stessero in attesa di un accadimento imminente. Hanno infatti prodotto lavori carichi di ricerca della speranza, della pace, dell’unione e della bellezza cercata tra l’antico e il contemporaneo.”

A Silvana Nota abbiamo anche chiesto quale sia il rapporto dei giovani artisti con il medium tessile: “Le nuove generazioni, dal mio punto di vista, esprimono un vivissimo interesse per la Fiber Art, o comunque per l’elemento tessile nella loro arte. Questa tendenza è molto ben espressa in Young Fiber Contest che riunisce giovani artisti sempre più coinvolti in questo linguaggio. Un altro punto interessante è che spesso utilizzano il tessuto, o i materiali flessibili senza conoscere la storia della Fiber Art, che scoprono poi in mostra, e alla quale si appassionano. Ai giovanissimi piace perché la Fiber Art è sperimentale, pur avendo un cuore storico, anzi antico se pensiamo alle ricerche che ad essa si declinano con un enorme ventaglio di risultati.

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Massimo Tiberio, architetto, membro della giuria e responsabile degli allestimenti, ci ha raccontato dal suo punto di vista questa edizione: “Le opere presentate al contest hanno presentato una forte eterogenia visiva ed espressiva che ha permesso di dare ricchezza e varietà alla mostra. Si può dire che la diversità sia stata la caratteristica principale, diverse per formato, per dimensione, per tecniche, per espressività ed è proprio questo che ha caratterizzato molto l’allestimento finale. La varietà plastica, ovvero presenza di opere bidimensionali, a rilievo e a tutto tondo, ha permesso di dare vivacità e dinamismo.”

Abbiamo domandato a Tiberio quali criteri ha seguito per decidere e organizzare cinque sedi e altrettanti allestimenti: “Per quanto riguarda l’assegnazione alle diverse sedi è stata una scelta fatta dalla curatrice perché ognuna aveva una specifica diversa: il Vajro è la sede storica del contest ed è sempre stata la location ideale per questa manifestazione e tutte le opere esposte sono quelle che la giuria ha selezionato; come tradizione, le opere che per le loro caratteristiche sono più legate al design, vengono esposte presso Bonetto Design proprio per creare una forte sinergia tra contenitore e contenuto in modo che il corpus significante della mostra fosse chiaro diretto senza interferenze di lettura nella mostra stessa. Palazzo Opesso è la sede del focus sulla Fiber Art contemporanea e Casa Martini è una mostra tematica con opere provenienti dalla Collezione Civica di Fiber Art di Chieri.

Per quanto riguarda l’allestimento per ogni sede ho seguito un iter ed un approccio progettuale diverso proprio per cercare il più possibile di creare sinergie efficaci alla miglior fruizione delle singole opere e la miglior intellegibilità della mostra specifica. Tutte le location sono delle sedi molto importanti con una forte specificità e personalità, se avessi seguito la stessa linea progettuale per tutti gli allestimenti il risultato espressivo delle singole mostre sarebbe stato non solo molto meno efficace, ma soprattutto sarebbe stato fuorviante rendendo alcuni allestimenti poco espressivi.  Per garantire la miglior fruizione e permettere di veicolare correttamente la poetica di ogni mostra i miei approcci progettuali sono stati diversi.

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All’Imbiancheria del Vajro l’allestimento ha voluto tradurre in chiave spaziale ed espositiva il concetto di “sconfinamento” che è emerso preponderatamene dalla poetica delle opere in mostra. Sconfinamento inteso come libertà e apertura di ogni singola parte verso le altre ed il contesto: in questo senso gli ambienti architettonici dell’Imbiancheria vengono “sconfinati” annullando la suddivisione in sezioni o aree tipologiche (caratteristica delle precedenti edizioni di Tramanda) e ricreando, all’interno del Vajro, uno spazio dialogico-espositivo, aperto ed unico, senza limiti cognitivi: uno spazio universale all’interno del quale le opere, attraverso la loro poetica ed espressività, possono intessere dialoghi muti e reciproci travalicando gli spazi fisici del contenitore museale. L’architettura del Vajro diventa così un continuum spaziale senza chiusure e flessibile all’interno del quale le opere Young Fiber Contest e quelle della Chiamata Aperta interagiscono liberamente senza gerarchie, limiti o barriere.

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A Palazzo Opesso invece l’allestimento è stato più complesso a causa delle molte opere site specific. Proprio perché questa forma d’installazione coincide con e dipende direttamente dallo spazio in cui essa viene concepita e realizzata l’allestimento non ha voluto intervenire per sovraccaricare gli ambienti con elementi espositivi, scenici o di contorno che chiudessero e limitassero la percezione volumica delle sezioni, ma ha teso a creare una prospettiva dinamica che supportasse ed enfatizzasse l’interazione tra le opere e le loro differenti location all’interno del palazzo per dar vita alla singolare “performance culturale” cha la mostra rappresenta.

A Casa Martini si è scelto di intervenire il minimo possibile con elementi estranei e di calarsi con una forte sensibilità del genius loci demandando così alla potenza evocativa di ogni singola opera ed alle sue caratteristiche specifiche l’interazione dialogica tra contenuto e contenitore.

Al Museo del Tessile ho voluto creare un percorso organico e sinergico con il contesto museale senza intervenire sul layout dello stesso. Le opere sono state distribuite in modo tale da creare un percorso espositivo lineare interpolando gli spazi residuali del museo e da tessere un contrappunto armonico in perenne tensione dialogica con i reperti museali.”

Una manifestazione indubbiamente complessa, come conferma Tiberio: “Quando si allestiscono mostre di Fiber Art si incontrano sempre molte difficoltà sia dal punto di vista compositivo sia tecnico e gestionale/compositivo e nello specifico queste problematiche sono enfatizzate anche dalle tipologie delle opere in mostra e dalle caratteristiche architettoniche delle location. Abbiamo opere di formato molto diverso e questo crea difficoltà distributive perché ognuna ha bisogno di un proprio spazio di lettura che non è sempre proporzionale alla dimensione dell’opera stessa; per garantire la corretta fruibilità a volte si devono creare delle zone libere tra le opere ma ricordando che il visitatore deve percepire, durante il suo viaggio all’interno della mostra input e stimoli costanti e un’armonia tra le parti in modo da mantenere vivo il suo interesse.

Nel caso delle mostre di Tramanda vi è una complessità ulteriore che complica tutto: le mostre sono allestite in spazi che hanno sia una loro forte personalità sia importanti elementi architettonici e museali. Tutti questi elementi concorrono a rendere difficile la lettura di qualsiasi mostra. Da un punto di vista tecnico le opere di fiber art, spaziando dagli arazzi bidimensionali a sculture aeree tridimensionali con pesi da pochi grammi a molti chilogrammi, richiedono un’attenta progettazione per la loro posa. Ulteriore elemento di criticità è che le sedi della manifestazione, essendo sedi museali o storiche hanno anche vincoli tecnici. La progettazione non riguarda solo come disporre le opere, definire l’immagine visuale e culturale della mostra, ma anche di trovare modalità di posa specifiche e differenziate, particolari ed innovative non solo location per location, ma anche all’interno della stessa location, specifiche di caso in caso e di opera per opera.”

La grande sinergia tra le diverse professionalità che hanno prestato impegno, competenza, talento e passione anche a questa nuova edizione di TRAMANDA ha permesso di realizzare una manifestazione articolata e ricca di opere nonostante le molte difficoltà organizzative.

TRAMANDA è visitabile fino al 15 gennaio 2022. Info www.comune.chieri.to.it/turismo-cultura/tramanda-2021

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Barbara Pavan

English version Sono nata a Monza nel 1969 ma cresciuta in provincia di Biella, terra di filati e tessuti. Mi sono occupata lungamente di arte contemporanea, dopo aver trasformato una passione in una professione. Ho curato mostre, progetti espositivi, manifestazioni culturali, cataloghi e blog tematici, collaborando con associazioni, gallerie, istituzioni pubbliche e private. Da qualche anno la mia attenzione è rivolta prevalentemente verso l’arte tessile e la fiber art, linguaggi contemporanei che assecondano un antico e mai sopito interesse per i tappeti ed i tessuti antichi. Su ARTEMORBIDA voglio raccontare la fiber art italiana, con interviste alle artiste ed agli artisti e recensioni degli eventi e delle mostre legate all’arte tessile sul territorio nazionale.