L’MERCHIE FRAZIER FOR THE FESTIVAL OF QUILTS 2023
*Foto in evidenza: L’Merchie Frazier, Who’s in My Neighbourhood, 2018. 80” x 45. Photo: Craig Bailey
L’Merchie Frazier è un’artista, poetessa, attivista, storica ed educatrice di Boston. I suoi quilt esplorano i temi dell’identità nera nelle Americhe e oltre, e la sua mostra, LookBooks for Liberation: Visual Storytelling, è presente al Festival of Quilts per il suo 20° anniversario al NEC di Birmingham dal 3 al 6 agosto 2023. L’Merchie Frazier parlerà del suo lavoro a Visual Storytelling: Making Freedom, nell’ambito del programma di conferenze del Festival of Quilts, alle 11.30 di sabato 5 agosto.
L’Merchie, è un onore averla con noi al Festival of Quilts per il nostro 20° anniversario. Il suo lavoro creativo si propone di documentare, rivelare e amplificare le voci dei non ascoltati, dei non visti, dei nascosti nella storia dei neri e degli indigeni. Può dirci qualcosa di più su questo e su alcune delle storie che i suoi quilt raccontano?
Il mio lavoro, che si tratti di quilt, poesie o gioielli, riguarda il mio percorso di vita, “Save Me From My Amnesia”. In quanto discendente di un popolo che si è staccato dalla terraferma africana come base fondante e che poi, attraverso il Passaggio di Mezzo, è giunto in Nord America, ci troviamo in uno stato di continuo tentativo di recupero e ripristino. Sono membro della Women of Color Quilters Network e i quilt che creo fanno parte di questo viaggio.
Ricordare diventa l’obiettivo di un viaggio di vita, di una scoperta di sé per i popoli della Prima Nazione, per gli indigeni e per i discendenti africani; persone che sono state escluse, sia da coloro che hanno ottenuto la proprietà attraverso il furto della terra e delle persone, sia da coloro che sono stati privati della loro proprietà attraverso il furto, o che sono stati considerati proprietà. Con l’intervento di Colombo, c’è stato un intero riordino delle cose. Le cose che avevano già un nome sono state rinominate, le lingue e le religioni sono state sostituite; le tradizioni orali sono state riportate alla luce. Queste storie stanno ora diventando documenti scritti.
Da 20 anni sono direttore didattico del Museo di storia afroamericana. Le storie che mi incuriosiscono davvero hanno a che fare con la fondazione di questo Paese e con la definizione delle leggi. Il Corpo delle Libertà del 1641, adottato dalla Colonia della Baia del Massachusetts, stabiliva la protezione dei diritti e delle libertà per gli inglesi, mentre stabiliva legalmente la schiavitù per gli africani e gli indigeni. Le storie che seguono riguardano persone che negoziano e muoiono per la loro libertà e sono le storie che racconto nei miei quilt; persone come Crispus Attacks e Phillis Wheatley.
Voglio che i miei quilt siano, come dice Carolyn Mazloomi, fondatrice della Women of Color Quilters Network: “un atterraggio morbido per cose difficili”. Voglio che il pubblico sia in grado di guardare il mio lavoro, di discutere, di lasciare qualcosa nei miei quilt, se lo desidera. A volte creo delle tasche per le riflessioni o le domande, che sono uno strumento molto prezioso e non minaccioso. I quilt sono il mezzo che preferisco per raccontare queste storie perché sono un mezzo di collage in cui cose che normalmente non starebbero insieme possono unirsi, cucite insieme in un formato familiare di stoffa. È uno spazio magico. Questo oggetto visivo ha un impatto sullo spettatore in quanto contenitore di memoria.
I quilt del LookBook, noti anche come serie Quilted Chronicles, sono una celebrazione della proclamazione da parte delle Nazioni Unite del decennio 2015-2024 come decennio internazionale per le persone di origine africana, con un tema di riconoscimento, giustizia e sviluppo. Mentre ci avviciniamo alla fine di questo decennio, che ruolo pensa che abbia l’arte nel riconoscimento, nella giustizia e nello sviluppo delle persone di origine africana?
Penso che l’arte abbia il potere di porre domande e rispondere ad alcune delle possibili soluzioni per la giustizia e la bonifica, la riconciliazione e la riparazione. Torno indietro al XVII, XVIII e XIX secolo per guardare ad artisti come Edmonia Lewis, una delle prime scultrici afroamericane riconosciute che lavorò negli anni Sessanta del XIX secolo, che subì il razzismo all’Oberlin College, fu processata, assolta, poi venne a Boston e divenne un’abolizionista a 17 anni. Espatriò in Italia per continuare il suo lavoro. Il suo lavoro sottolinea l’interezza dei neri e degli indigeni che devono essere valorizzati; per usare un termine del XXI secolo, “contano”. Lo stesso vale per le poesie di Phillis Wheatley nel 1773. Utilizzando la loro arte, queste persone hanno resistito alle definizioni del mondo esterno e si sono pronunciate su chi e cosa fossero, come funzionassero e quale fosse la loro cultura. Ciò è proseguito attraverso il Rinascimento di Harlem e l’era del Black Power fino ad oggi, con artisti che citano intenzionalmente questioni come il clamore per la brutalità della polizia in America. L’arte nera affronta questioni di resa dei conti e di riparazione, di fiducia e di responsabilità.
Uno dei miei quilt, I Am the Story, mostra un giovane uomo di cui ho fatto il ritratto in nylon. È vestito con un indumento costruito con il nastro adesivo che si trova sulle scene del crimine. Lo sfondo su cui è seduto è il tessuto thinsulate che si trova nei cestini del pranzo per controllare la temperatura. Quello che sto cercando di dire ha a che fare con la mia storia. I miei due figli uscivano di casa ogni giorno e non ero sicura della “temperatura” che avrebbero incontrato quando erano fuori. Non ero sicura se avessero bisogno di guardarsi le spalle costantemente, se stessero facendo qualcosa di giusto o di sbagliato. È il pianto di una madre. Vedere questo giovane uomo che deve essere prudente e forse anche portare il suo avvertimento alle persone che lo osservano. Questo è il tipo di storie che possono non rappresentare una persona specifica, ma piuttosto una condizione universale che esiste per un gruppo di persone identificate.
In quanto storica e artista tessile, ci interessa vedere come lei integri nei suoi quilt documenti storici archiviati come discorsi, mappe e resoconti dei media. Cosa apportano questi elementi storici alle storie che racconta?
Quando pensiamo alle tempistiche, possiamo anche pensare allo spazio che occupiamo, alle geografie di quelle temporalità e alle persone, ai luoghi e agli eventi che accadono. Per me questa è una domanda: dove e come è successo? Chi c’era? Pensiamo ai viaggi nella loro abbondanza come a fenomeni del XX e XXI secolo, ma gli spazi occupati da queste figure storiche afroamericane sono incredibili. Questi archivi custodiscono le nostre storie. Le Quilted Chronicles raccontano le storie di persone che stanno lasciando il segno e la mappatura del territorio e delle capacità intellettuali. Per me è un onore e un privilegio poter guardare nelle vite delle persone e vedere quali spazi stanno influenzando.
La tradizione del quilting afroamericano affonda le sue radici nella schiavitù. Quale ruolo vede nelle future generazioni di quilter afroamericani nel continuare questa tradizione?
Come afroamericani e come quilter, siamo narratori di storie. Il quilting afroamericano ha attraversato secoli di produzione di tessuti. Nel corso della mia ricerca, andando a ritroso nei testi degli studiosi, ho scoperto che nella Nigeria del XIII secolo i motivi dei papillon incorporati nei tessuti equestri erano realizzati da uomini. Vediamo motivi che sono contemporaneamente presenti in altre culture e, attraversando l’Atlantico, diventano parte del linguaggio delle stoffe di coloro che sono stati schiavizzati e un ponte per la comprensione del mondo nero atlantico. Non si tratta solo del fatto che il quilting è importante per le popolazioni africane, ma che il mantenimento di alcuni dei motivi che si trovavano sulla costa occidentale dell’Africa, in Congo, in Nigeria, Ghana e Senegal, sono importanti per la nostra esistenza e sopravvivenza.
Poi diventano parte di ciò che è veramente americano come elemento di ancoraggio di una forma d’arte. Possiamo vedere pittori afroamericani le cui madri erano quilter, come John Biggers, che raffigura modelli di quilt nei suoi dipinti. È presente un linguaggio, una geometria sacra. L’uso della forma geometrica per comunicare fa parte di questo linguaggio. Sanford Biggers (nipote di John), anch’egli artista, utilizza top di quilt che distorce e astrae per raccontare le sue storie più contemporanee nel XXI secolo.
Il quilting è un linguaggio che ci ha riunito nelle quilting bees, dove le donne schiavizzate si incontravano di notte dopo aver svolto il loro lavoro, per avere comunione e fratellanza e tramandare questa tradizione. Il quilting è legato alla nostra resistenza alla schiavitù, una parte della nostra genealogia di lotta. Questa pratica è stata mantenuta viva attraverso l’arco dei secoli. È una storia importante che speriamo di portare avanti come meccanismo di sopravvivenza culturale.
L’American Museum of Arts and Design, lo Smithsonian Institute e la Casa Bianca sono solo alcuni dei collezionisti della sua arte. Che cosa significa per lei vedere il suo lavoro e le persone che vi compaiono esposte in queste istituzioni?
Penso che le istituzioni guidino il criterio del concetto di canone e definiscano ciò che viene definito arte. Avere il mio lavoro in collezioni che inquadrano istituzionalmente l’arte occidentale è significativo per me. Non ho intrapreso il mio lavoro perché fosse collezionato. Ho creato e continuo a fare il mio lavoro come produzione artistica che scaturisce genuinamente e autenticamente da idee che mi colpiscono e che ritengo importanti da condividere. Il valore di un’opera, credo, è personale. Per un’istituzione attribuire un valore è significativo perché l’arte in sé è così soggettiva.
Ci sono parametri adeguati che vengono posti dalle istituzioni per qualificare ciò che è arte e ciò che è il meglio dell’arte, perché credo che tutti noi siamo creatori d’arte. Ci convivo ogni giorno. Quando questi qualificatori vengono a dirti: “Vogliamo collezionare”, ti dà la sensazione che la tua espressione artistica venga riconosciuta. So che qualcuno ha visto il mio lavoro e lo ha apprezzato, quindi ne sono grato.
Uno degli ultimi collezionisti era il Minneapolis Institute of Art. Non avevo idea dell’importanza di questa istituzione. Mentre erano alle prese con l’evento della morte di George Floyd, hanno acquistato una delle mie opere e l’hanno dedicata alla memoria di George Floyd. Per me, questo ha rinvigorito un momento per il quale ero appositamente entrata nella discussione, sollevando la questione di chi e cosa siamo. Il fatto che quell’istituzione collezioni il mio lavoro significa che mi “vede” ed è una rappresentazione materiale delle cause per estendere la nostra gamma di modalità per affrontare e ricordare l’incidente di George Floyd, per documentarlo e per avere una conversazione che onori la sua umanità.
Da questa parte dell’Atlantico, c’è questa inclusione dell’arte afroamericana e diasporica come dichiarazione, volutamente per sensibilizzare l’opinione pubblica. Le istituzioni non vogliono essere obsolete. Sono stato consulente del Museum of Fine Arts di Boston nel presentare la mostra di quilt, Fabric of a Nation, per sottolineare la parte della storia che gli afro-americani e i neri hanno incarnato. Questa è stata una delle prime occasioni per mostrare i quilt di Harriet Powers del 1890, una donna che era stata schiavizzata e liberata durante la Guerra Civile.
Se le persone non si vedono riflesse nelle strutture delle nostre istituzioni, cosa faranno? Non verranno. Questa è la sfida molto delicata che si sta svolgendo in questo momento. Non dico nemmeno che si stia svolgendo in modo perfetto. Dico che è un tentativo di stare nell’arena e nella traiettoria che conosciamo. Non è la fine, ma questo è il punto in cui ci troviamo ora.
Lei è un ex artista residente nella città di Boston e usa l’arte, compresa la quiltatura, per lavorare con persone che vivono traumi, crisi e dipendenze. Quali benefici ritiene si ottengano dall’integrazione di artisti, maker e altri creativi nella vita civile?
Penso che la responsabilizzazione civica sia stata una sfida per le persone escluse dalla città e dai politici. Gli artisti sono stati invitati dal governo della città a fare delle proposte per un particolare dipartimento, per vedere come si potrebbe migliorare questo aspetto. Ho scelto la Sanità pubblica e il Dipartimento per il miglioramento delle donne. Ho lavorato con una residenza di donne che si stavano riprendendo dalla dipendenza e dalla mancanza di una casa, nell’ambito di un programma accademico che coinvolgeva le agenzie che avrebbero aiutato le donne a riabilitarsi. Sono stata felice di poter essere in uno spazio con loro e di avere l’arte (quilting e poesia) come veicolo di comunicazione.
Il programma, della durata di un anno, si chiamava “When Women Succeed: The Quilted Path”. L’idea era che ci saremmo riunite, avremmo formato una dinamica di gruppo e avremmo lavorato insieme, con funzioni governative di supporto. Sono state condivise parole, sono state creati quilt e le donne sono rimaste estasiate dalle loro storie raccontate nei quilt. Ci sono stati momenti di sconforto, naturalmente, ma hanno parlato apertamente. Il quilting e la poesia fornivano uno spazio di comunità in cui si sentivano sicure di condividere. Anche se le parole erano dure, c’era comunque l’idea di: Non sono il tuo nemico, sono qui con te per cambiare le cose.
Le donne si sono meravigliate di loro stesse. L’ho visto accadere organicamente mentre quiltavano. Una poteva non sapere la cosa giusta o la scelta migliore da fare per produrre l’immagine che voleva. Un’altra si avvicinava e aiutava. Si trattava di donne che per lo più non avevano mai cucito prima. Permettere loro di esprimersi in questa modalità è stato davvero magnifico. Quando hanno mostrato i loro quilt in occasione di eventi al municipio e in un teatro locale, ci sono stati momenti che hanno portato tutti noi alle lacrime. È stato davvero sconvolgente. Le donne si sono sentite importanti per la loro città, dicendo: “Qui è dove ero. Ecco dove sono ora con questo workshop. Questo è il modo in cui mi sto riprendendo”. Si è creato meno spazio tra il divario di salute e quello di ricchezza. È stato difficile lasciare quella residenza, ma le trapunte hanno fatto il loro giro e sono state installate nella struttura delle donne per lasciare un’eredità.
Mentre festeggiamo i 20 anni in cui la comunità del quilting si riunisce in occasione del Festival of Quilts, cosa significa per lei far parte di questa grande famiglia del quilting mondiale?
La comunità del quilting di tutto il mondo è in grado di superare le barriere linguistiche attraverso la stoffa. La stoffa è il nostro agente familiare. Una volta nati, ne siamo immediatamente avvolti. La indossiamo per tutta la vita e ne veniamo avvolti di nuovo quando andiamo incontro alla nostra morte. L’idea che questo possa essere un elemento unificante per tutti gli esseri umani è molto importante per me.
Penso anche che faccia leva sul lavoro delle donne. Anche se nel continente africano e nel XIII secolo gli uomini facevano trapunte per i cavalli, il quilting è stato considerato un’arte domestica; un mettere insieme cose che potrebbero essere scartate ma che ora hanno una forma riproposta per esprimersi nell’arte e per raccontare storie. Mettere insieme i pezzi per creare un insieme è una metafora del nostro mondo frammentato.
Quando mi hai chiesto del decenni delle persone di origine africana, mi è venuto in mente il neoeletto Vicepresidente della Colombia, Francia Márquez, che indossa un abito africano. Questa stoffa fa così tanto parte della nostra esperienza che viene portata al punto di aiutarci a capirci, di aiutarci almeno a stare sulla scena, a discutere, di farci fare qualche esperienza utilitaristica e artistica, persino di identificarci nel campo del governo.
Tutta questa eredità per me è illuminata dal fatto che mio nonno materno, James Dooley, era un sarto, che confezionava bellissimi abiti per le persone. Mia madre, Theesa Dooley Frazier, lo seguì e si interessò molto alla produzione di stoffe e tessuti, all’uncinetto, al tatting, al lavoro a maglia. Un giorno mi raccontò che mio nonno aveva fatto quilt con la sua stoffa da tappezzeria per i suoi figli, per tenerli al caldo. Di notte dovevano accendere il fuoco, così lui faceva loro questi quilt molto pesanti per tenerli al caldo, in modo che non dovessero accendere il fuoco.
Ora mi rendo conto che quest’arte domestica, come viene definita, diventa un ponte per le attività umane che probabilmente diamo per scontate nella maggior parte dei casi. Sono molto orgogliosa di far parte della comunità del quilting e in particolare della Women of Color Quilters Network, fondata dalla dottoressa Carolyn Mazloomi, che ha come scopo la giustizia sociale, l’equità razziale e il racconto della storia afroamericana come storia americana. Sono onorata di far parte di quelle donne e di quegli uomini che rendono possibile l’esistenza di questa organizzazione e della comunità più ampia a livello universale, per elevare la nostra presenza a livello globale, in questo Festival Internazionale del Quilt.
