*Foto in evidenza: Venus, 2022, feltro. Strutture tessili, 250cm x 250cm x 55cm, copyright Ilze Godlevskis

Ilze Godlevskis, artista tessile e designer di origini lettoni e canadesi classe 1980, ha completato un percorso di formazione secondaria in arti visive a Toronto, conseguendo poi, dopo il trasferimento nel Regno Unito, una laurea in Fashion Knitwear al Central Saint Martin’s College of Art & Design di Londra. Con lo scopo di ampliare e perfezionare le sue conoscenze nel campo della maglieria, Godlevskis si è trasferita in seguito a Milano (Italia) dove attualmente vive e lavora.

Il suo lavoro è stato esposto nell’ambito del Salone del Mobile, della Design Week di Milano, della London Design Week e della Toronto Design Week, oltre che alle fiere di design di Londra e Copenaghen. Ha inoltre partecipato a mostre collettive di arte tessile contemporanea come Rīgas Textile Triennal (Rīga, Lettonia), Miniartextil (Como, Italia e Parigi, Francia) e Paratissima, Torino (Italia).

Quest’anno l’artista è presente alla VII edizione della Riga International Textile and Fibre Art Triennial con l’opera Venus, una rappresentazione visiva della femminilità, e come lei stessa racconta: “Con la mia opera ho cercato di reprimere visivamente il sentimento e l’energia della femminilità, separandoli dalla discussione sul genere o su cosa sia una donna.”.

Godlevskis ci parla di aspetti inediti e interessanti della sua carriera artistica in questa intervista concessa in occasione della media partnership tra la 7th Riga International Textile & Fiber Art Triennal -QUO VADIS- Riga (LV) e ArteMorbida.

https://www.ilzegodlevskis.com/

Quale è stato il tuo percorso di formazione? Quando e come ti sei avvicinata all’arte tessile?

Direi che la mia formazione tessile è stata un’eredità di famiglia. Mia nonna era un’artista tessitrice e una storica etnografica lettone specializzata in tessuti e costumi tradizionali nazionali, mentre mio nonno era un importante artista e designer lettone; mia madre mi ha trasmesso queste competenze cucendo abiti e incoraggiando tutte le forme di arte, artigianato e design, insieme a mio padre, che è stato anche un falegname, lavorando continuamente con le proprie mani per dare vita ad alcuni progetti. Vedere tutti i membri della mia famiglia creare e produrre e vivere in una casa in cui tutti i dipinti alle pareti e la maggior parte dei tessuti presenti erano stati creati da qualcuno della famiglia, è stato uno sviluppo molto naturale e stimolante per ciò che sono ora e per ciò che faccio.

Quando ero molto piccola, forse tre o quattro anni, mi sedevo accanto a mia madre alla macchina da cucire mentre confezionava i vestiti per me e mia sorella, e osservavo mio padre nel suo laboratorio in garage mentre utilizzava attrezzi elettrici e seghe. Amavo le macchine e ho iniziato a creare con la macchina da cucire all’età di 8 anni.

All’inizio mi sono concentrata sulla moda, perché volevo creare cose belle e utili. La moda mi sembrava un modo interessante per esprimere diverse combinazioni di colori che mi piaceva associare con gli abiti. Inoltre, essendo molto esigente riguardo agli stili e ai modelli che mi interessavano, volevo creare i miei vestiti in base alle mie idee.

Dopo molti anni di creazione di abiti per me stessa, per gli amici e per le sfilate scolastiche, volevo saperne di più sul lavoro a maglia, poiché era l’unico aspetto del design della moda che non mi era familiare. Mi piaceva l’idea che un singolo filato potesse dare vita a una creazione tessile personale e completa, un intero processo realizzato da me. Quando all’università ho conosciuto la macchina per maglieria domestica, ho voluto specializzarmi in maglieria per la moda. Creare con le macchine da maglieria industriali manuali è diventata la mia grande passione e mi ha portato a lavorare a Milano, anche se ora mi sono spostata dalla moda alle arti tessili e al design. Nel corso degli anni mi sono concentrata molto sui tessuti a maglia e mi sto evolvendo per incorporare una tecnica più manuale e sperimentare altre strutture di materiali, come il feltro.

Che tipo di ricerca caratterizza la tua produzione?

La ricerca che sta dietro ai miei pezzi è estremamente inconscia. Molto raramente ho un vero e proprio progetto di ciò che sto per realizzare e mi piacciono anche gli “errori felici” che mettono alla prova la mia creatività quando realizzo le mie opere. Molte volte commetto errori nel processo di costruzione o di piallatura o di misurazione, probabilmente non c’è un solo pezzo che ho realizzato che sia andato ‘secondo i piani’, anche se questi ‘errori’ di costruzione hanno sempre reso i miei pezzi migliori di quello che avevo immaginato e più unici. La maggior parte della mia ricerca deriva da una ricca immaginazione e da un’acuta osservazione del mondo che mi circonda; immagazzino idee e immagini di bellezza nella mia testa e queste si materializzano nelle mie opere d’arte mentre lavoro con le mani. Coinvolgere tutte le mie esperienze sensoriali è importante per la mia ricerca e il mio sviluppo artistico, la bellezza è molto importante per me. Se sembra che il mio contesto non sia esteticamente gradevole, riesco sempre a trovare l’unicità nell’ironia

Sei di origine canadese, hai studiato a Toronto, ti sei trasferita prima a Londra per completare gli studi e iniziare una carriera professionale, poi a Milano dove vivi e lavori da molti anni. Ci sono parti di questi precedenti capitoli della tua carriera che continuano a informare o influenzare la tua pratica artistica?

Direi che la mia pratica artistica è meno una professione e più uno stile di vita. Ho sempre fatto, creato e scelto percorsi formativi e scelte di vita specifiche e strategiche per facilitare la mia vita artistica e creativa. Studiare in un liceo artistico in Canada, poi assicurarmi tenacemente l’ammissione al Central Saint Martin’s College per il design della moda, e poi trasferirmi in Italia sapendo che in quel Paese c’era un’abbondanza di macchine per maglieria, sono state tutte scelte per favorire la mia pratica artistica. Tutto ciò che ho sperimentato è sempre stato finalizzato alla creazione di cose belle con le mani e, ove possibile, con le macchine.

Se dovessi dire un aspetto del mio lavoro e della mia vita che è rimasto costante fin dai primi capitoli della mia vita, è sempre stato quello di creare progetti di grande ambizione. Ricordo di aver realizzato il mio primo abito con un modello inventato da me all’età di 8 anni, di aver creato una sfilata di moda con 20 capi all’età di 19 anni, che poi si è evoluta nella creazione di arti tessili con una struttura letto in plexiglass a grandezza naturale e ora quando devo consegnare e allestire personalmente opere d’arte di grandi dimensioni in varie città e Paesi. Mi piacciono i progetti di grande impatto che mi mettono alla prova e mi sorprendono continuamente con quello che sono in grado di creare.

La tua opera Venus parteciperà alla 7ª Triennale Internazionale di Textile & Fiber Art di Riga 2023. Puoi parlarci di quest’opera e di come hai esplorato il tema “Quo Vadis”?

Il mio lavoro VENUS è una rappresentazione visiva della femminilità. Non percependo una particolare attrazione in una direzione specifica, ho pensato che fosse importante trovare internamente una guida che mi permettesse di capire chi ero nell’essenza del mio essere donna. Credo che il concetto di femminilità sia difficile da esprimere e comunicare. Credo che tutti noi abbiamo elementi maschili e femminili e che questi aspetti ci permettano di completarci e contrastarci a vicenda nell’umanità. La femminilità e la mascolinità sono portatrici di energie diverse a cui tutti noi siamo in grado di attingere e di utilizzare come strumenti per noi stessi e per gli altri intorno a noi. Oggi si parla molto di mascolinità e di come la società abbia formato un patriarcato che ci ha portato a un punto non più tollerabile. Oltre a dover temperare i tratti maschili nella società, dobbiamo anche essere in grado di riconoscere ed elevare i tratti femminili. La femminilità è stata espressa attraverso riferimenti visivi di estetica e manierismo, ma questi non colgono ancora l’emozione naturale e il potere del femminile. Come società non sappiamo come sia la femminilità. Con il mio lavoro ho cercato di reprimere visivamente il sentimento e l’energia della femminilità, separandoli dalla discussione sul genere o su cosa sia una donna. Questa direzione verso la comprensione del mio sentimento e lo studio di ciò che è la femminilità per me crea una linea guida interna per comprendere le qualità di me stessa che sono state oscurate, negate o non viste a causa della grande enfasi posta dalle donne sull’emulazione delle caratteristiche maschili per essere viste come “uguali” o per essere considerate “di successo” nella società.

Credo che la femminilità sia una parte dello sviluppo personale sia per gli uomini che per le donne. Attraverso l’osservazione e la comprensione dei punti di forza unici che possediamo naturalmente, saremo più preparati a sostenerci a vicenda nelle nostre diverse espressioni maschili e femminili.

VENUS è stato creato intuitivamente, senza alcuna pianificazione o preparazione. Ho ascoltato molte differenti prospettive di uomini e donne sul loro concetto di femminilità e ho meditato sulle mie sensazioni interiori riguardo a come percepivo questa energia. Era importante che questa opera fosse creata senza colla o cuciture, perché mi sembrava qualcosa di invasivo che implicava la permanenza, un approccio forzato al trattamento del materiale di feltro utilizzato. Volevo costruire in base al comportamento naturale dei tessuti, in modo che mantenesse la forma indipendentemente dalla resilienza delle caratteristiche naturali del tessuto. Poiché la femminilità è senza sforzo nella sua complessa costruzione e racchiude il potere della bellezza attraverso la sua forza, ho cercato di esprimerlo nel mio lavoro e di catturare questa energia. Dopo aver fatto questa ricerca e questo sviluppo sugli aspetti della femminilità, ora sento che la mia direzione è più naturale e chiara. Sono in grado di gestire meglio il potere che possiedo per creare e attrarre un approccio più pacifico e costruttivo alla vita e alle relazioni, riconoscendo e facendo riferimento visivamente alla mia femminilità. La mia comprensione della femminilità deve ancora essere esplorata e compresa, ma almeno adesso ho una direzione da seguire.

Quanto è importante per un artista avere accesso a un evento prestigioso come la 7th Riga International Textile & Fiber Art Triennal?

La settima edizione della Triennale internazionale di Riga per le Arti Tessili e della Fiber Art è molto importante per gli artisti, in quanto ci permette di incontrarci e di scambiare idee, processi e sviluppi con i nostri coetanei e colleghi professionisti nell’ambito delle arti tessili e della fibra. Il fatto che questa triennale si svolga a Rīga, in Lettonia, è molto importante anche perché i Paesi baltici e nordici d’Europa hanno una storia ricca e profonda nel campo del tessile e delle arti tessili. La qualità e la professionalità con cui è stata scelta la giuria di questa triennale è estremamente impressionante e gli artisti ospiti sono stati di fama mondiale, dando maggiori opportunità agli artisti della fibra e del tessuto di generare visibilità e riconoscimento nel settore delle arti contemporanee. L’attenzione e la professionalità degli organizzatori di questa triennale considerano ogni artista partecipante come un membro prezioso della comunità artistica. Questo genera un livello estremamente elevato di competenze tra gli artisti e fa evolvere ulteriormente la nostra creatività individuale, ispirando al contempo il pubblico che vede materiali dinamici utilizzati in modi fantasiosi.  Si tratta di un punto di incontro e di riferimento molto importante a livello professionale e personale.

Tra i tanti lavori/progetti a cui ti sei dedicata, ce ne è uno a cui tieni di più o che ha avuto un impatto più rilevante sul tuo sviluppo professionale?

Ogni pezzo che creo in quel momento è “il più importante” per me, perché coglie i periodi della mia vita in cui li ho creati in modo emozionale. Quando vengono creati sono tutti “i miei bambini”. Con il passare del tempo, il mio lavoro si sviluppa e, a posteriori, quando vedo ciò che ho fatto, sono davvero stupita di aver creato quelle singole opere e il più delle volte non riesco a spiegare come siano nate. Per me è un processo piuttosto magico. Se dovessi scegliere l’opera che mi ha più influenzato finora, sarebbe l’attuale VENUS e l’opera Identity Links, che ho creato per la precedente Riga International Textile & Fiber Art Triennal. Anche Identity Links è stato un processo di scoperta di sé, ma legato alla domanda su chi sono rispetto alle persone e ai luoghi che mi circondano in diversi momenti della mia vita, che hanno determinato ciò che sono e ciò in cui mi identifico. Questo lavoro è stato molto apprezzato dal pubblico. Mi è stato richiesto di partecipare ad altre mostre, oltre a essere stato segnalata in libri e pubblicazioni e premiata con riconoscimenti in occasione di mostre d’arte.

Le opere che ho creato per la Triennale di Riga occupano un posto molto speciale nella mia vita, perché è il luogo in cui la mia origine lettone si incontra con la mia vita contemporanea e sono in grado di condividere la mia evoluzione culturale, creativa e artistica.

A cosa stai lavorando in questo periodo?

Al momento sto collaborando con una fabbrica di maglieria 3D di Amsterdam per la mia prima scultura tessile digitale realizzata in azienda. Questo progetto combinerà tutte le mie competenze e passioni, dalla modellistica di moda alla mia curiosità per i macchinari. Sarà la prima volta che non realizzerò il prodotto finale con le mie mani e mi concentrerò sulla preparazione e sulla costruzione strategica del pezzo. Questo metodo di produzione sarà molto diverso dal mio modo abituale di lavorare e mi darà l’opportunità di esplorare le potenzialità della tecnologia nei tessuti a maglia. Anche se non potrò usare le mie capacità intuitive nella produzione finale del pezzo, gli stessi “errori felici” creativi sono stati commessi nella fase di preparazione attualmente in corso.