“Creo quello che voglio lasciare al mondo”: le opere tessili di Carolyn Nelson

29 October 201910 December 2019 Maria Rosaria Roseo

[vc_row][vc_column][vc_column_text]Traduzione a cura di Chiara Cordoni

Quando alcune settimane fa contattai Carolyn Nelson chiedendoLe una intervista per ArteMorbida, mi rispose con quell’ entusiasmo generoso e allo stesso tempo pacato, con quello slancio sereno ed aperto che ritrovo nei suoi lavori, i prati, il sole, l’aria che si respira guardandoli.A volte capita che anche con un semplice scambio di e-mail si crei una sintonia leggera e semplice che ti fa apparire vicino anche chi invece è assai distante.

Piuttosto che raccontare chi sia Carolyn, parlando delle numerose mostre cui ha partecipato, i riconoscimenti avuti, le opere esposte in gallerie e musei (tutte informazioni che potete trovare in modo completo sul suo sito web) lascio a lei la parola, perché nessuno meglio dell’artista stesso può spiegare la poetica che si cela dietro il personale gesto creativo.[/vc_column_text][vc_single_image image=”15175″ img_size=”800×800″ alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Fragment II: from a Love Story-detail”, 2009, 28”x26”, hand stitched, hand dyed silk collage, oil monoprint on silk, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][vc_column_text]“Pensieri Sparsi”: l’artista si racconta.

“Mi piace creare quello che voglio vedere e l’unico modo per vederlo è farlo. E creo quello che voglio lasciare al mondo. Quando lavoro, penso alla luce, allo spirito, all’energia. Colore. Riflesso. Penso all’aria, al vento e al movimento. Allo spazio aperto, a volare.

Non ho pazienza ma ho coraggio. Ci sono momenti in cui lavorare mi riempie di gioia e il lavoro scorre liberamente; in altri momenti è noioso e tutto una lotta. Scucio la metà dei punti, borbotto e ricomincio. Sforzarmi di lavorare può essere la cosa più difficile che faccio. Ma non mi arrendo. Dopo aver superato le difficoltà, l’entusiasmo torna sempre quando quello che avevo immaginato finalmente prende forma, sempre diversa, e si avvera”.

Di seguito il link al sito web dell’artista:

https://www.carolynnelsonart.com/

https://www.instagram.com/carolyn.nelson.stitches/[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15141″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Aurora”, 2011, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15143″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Aurora”, Detail, 2011, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]Carolyn, perché la tua scelta artistica si concentra proprio sui tessuti come mezzo di espressione? Ci puoi parlare del percorso che ti ha portato a diventare un’artista tessile?

Cucio ossessivamente e rincorro la luce. Sono cresciuta in una piccola città isolata circondata da campi pianeggianti. Le donne della mia famiglia, per necessità, erano abili sarte. Ago, filo e stoffa fra le mani mi davano conforto già in tenera età e sono diventatimotivo di crescita in età adulta. Da bambina, volevo diventare un’artista e ho dipinto per tutti gli anni della scuola. Li si scorgono le basi, sconnesse, del mio lavoro artistico. Da adulto, ho vagato intorno all’arte, sempre in bilico con altre professioni – ho insegnato arte nelle scuole e università pubbliche e ho lavorato come print designer. L’arte e il mio amore per i tessuti si sono sfiorati per anni senza tenersi per mano finché non ho frequentato un workshop in illustrazione e prodotti tessili. Ho iniziato a creare proprio come farebbe un pittore, prima immaginando i concetti e poi cercando di esprimerli. Ho assaporato la libertà di lasciare un segno personale con l’ago e il filo e ho amato la meditazione insita nella ripetitività sia fisica che visiva. Sperimentare era entusiasmante. Ero felice, stavo producendo opere originali, ma non avevo ancora trovato una “voce” o una visione coerente.

Poi un giorno, ero in piedi sul bordo di un campo di grano in Francia. Stavo immobile, non chiedevo nulla, non pensavo nulla. E’ accaduto in modo improvviso e inaspettato – una voce gioiosa che era al contempo forte e gentile, in un luogo sconosciuto ma che era profondamente familiare, un sentimento misterioso ma che capivo chiaramente. Era tutto e il contrario di tutto. Mi sono sentita librare in aria.Ho spiccato il volo. Ho sentito la mia voce. Ho visto una visione mia. Sono diventata un’artista.

Ancora dopo tanti anni, il mio lavoro continua ad includere aspetti di quel campo in Francia, attraverso schemi, ripetitività, dettaglio, apertura, luce ampia e libera.[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15145″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Blue House”, 2019, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15147″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Blue House”, Detail, 2019, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]Qual è per te il significato del “gesto del ricamo”, che riveste un ruolo essenziale nelle tue opere?

Con la semplificazione di materiali e composizioni, ho intensificato la densità e la ripetitività dei punti. Il punto è fondamentale per il mio lavoro, sia in termini di contenuto che di energia. I tratti cuciti sono frutto di gesti fisici della mano e i fili immancabilmente rispecchiano quei gesti, che siano sfrenati o misurati. Non miro al punto “perfetto”. Amo il movimento dell’ago attraverso il tessuto, il passaggio fluido del filo, la meditazione insita nella ripetitività e l’individualità collettiva dei punti multipli che mostrano o nascondono lo sfondo mentre cucio, un tipo di punto semplice per pezzo. Questo mi dà la libertà di creare il mio tratto personale piuttosto che punti di ricamo che per natura presentano una loro immagine. Un insieme di nodi francesi disordinati diventa una composizione di erbacce, uno specchio d’acqua o la scia delle stelle. Spirali incomplete di punti filza si incastrano e si sovrappongono per creare un velo o una foschia che unisce e dà consistenza ad una superficie sconnessa. In base alla loro densità, i punti indietro creano masse ondulate che nascondono o rivelano il tessuto sottostante. Il punto indietro è quello più naturale per me dal punto di vista fisico e il più gentile con le mie mani.[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15149″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Fernweh”, 2015, 36”x54, hand stitched, multiple layers of hand dyed silk over linen, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15151″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Fernweh”, Detail, 2015, 36”x54, hand stitched, multiple layers of hand dyed silk over linen, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]In un nuovo lavoro parti dal materiale e intorno ad esso sviluppi l’idea del soggetto, o parti dal soggetto per poi scegliere tecniche e materiali?

Mi avvicino ad ogni opera come se fosse un quadro, partendo dal concetto. Faccio milioni di foto e video dei movimenti, e raramente poi vi faccio riferimento. L’atto di scattare una foto solidifica ciò che voglio ricordare. Prima immagino, poi comincio a lavorare sul pezzo creando e manipolando materiali. Pianifico e modifico il colore, lo schema o la texture. Strappo, stratifico, elimino, riorganizzo. E poi cucio, scoprendo il mio percorso nell’arte. Mentre cucio lentamente a mano una delle mie opere, per ore e ore posso concentrarmi sul come approfondire i temi o alternare le tecniche della mia prossima opera. Prima di finire un’opera, ho già in mente una chiara idea della prossima. E’ così che comincio i lavori in serie[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15161″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Breathing January”, 2018, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15163″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Breathing January”, detail, 2018, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]Puoi parlarci dei materiali con cui hai realizzato i tuoi collage tessili?

All’inizio, i “campi” erano astratti e materici, a volte creati da ripetizioni di frammenti di pezzi di natura o oggetti creati per opere specifiche. Mi costruivo quello di cui avevo bisogno. Le cuciture di solito venivano in secondo piano rispetto al tessuto lavorato. Poco a poco ho semplificato la scelta di materiali attestandomi su 3 tessuti che modifico tramite la tinta e le tecniche di manipolazione delle superfici e un unico tipo di filo, anch’esso tinto, che normalmente scivola bene attraverso gli strati di tessuto, che possono andare da quattro a sei, in ogni collage. La visione delle mie opere è semplice, la scelta di materiali semplici ben si sposa con ogni immagine. (E ovviamente, non dubito che questo un giorno cambierà).[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15157″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Kintsugi/The Precious Scar”, 2017, 39”x17”, deconstructed stained linen strips, woven, ravelled and rearranged individual threads hand stitched to ground, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15159″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Kintsugi/The Precious Scar”, Detail, 2017, 39”x17”, deconstructed stained linen strips, woven, ravelled and rearranged individual threads hand stitched to ground, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]La ripetizione di un segno, è l’elemento che caratterizza le tue opere, ad esempio Soliloquy I. Secondo te, cosa rende la ripetizione così interessante e attraente, quasi ipnotica?

Il motivo mi ha sempre affascinato. Visivamente, è il mio modo di insinuare una estensione che va oltre la cornice piuttosto che uno spazio ristretto o contenuto. Trovo sicurezza nella regolarità e nella ripetitività del motivo ma mi esalto quando si ribella, rompe le righe, si sposta all’esterno e si estende in qualcosa di nuovo e inaspettato. I motivi brillano in un modo diverso da tutte le altre forme.

Ho iniziato “Soliloquy I” (chiamato così perché mi sembrava di parlare con me stessa) pensando che sarebbe diventato un reticolo molto ampio con nodi molto piccoli in un motivo regolare e pensando che il fatto di essere in scala avrebbe stimolato l’interesse. Ci è voluto pochissimo per rendermi conto che era al contempo noiosissimo da guardare e ancora più noioso da fare. Variando i cappi, la densità, lo spazio e la direzione dei punti, è diventata un’avventura ma ha comunque mantenuto gli aspetti del motivo.[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15133″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Soliloquy I”, 2013, 40”x40”, hand stitched, hand dyed silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15135″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Soliloquy I”, 2013, 40”x40”, hand stitched, hand dyed silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]Le opere della serie “Stitching Light” trasmettono un forte senso di energia e leggerezza. AmmirandoHow the Light Gets In, sembra davvero di percepire il vento primaverile che scuote l’erba del campo. Puoi dirci qualcosa su come sono nate le opere di questa serie?

La serie Stitching Light è iniziata quattro anni fa con un’opera in cui era raffigurato un prato di erba rossa. Ho scoperto che cambiando la direzione dei punti sulla seta brillante, cambiava anche il riflesso della luce sui fili mentre camminavo li vicino. Sembrava che i prati luccicassero. Ho create 10 opere lavorando su quella luce riflessa.

“How the Light Gets In” (grazie Leonard Cohen per il nome) è l’opera più realistica che io abbia mai fatto e fra le mie preferite. Il suo rispecchiare un luogo particolare di grande conforto e di forte energia, mi nutre nella mia nuova casa in Colorado, terra secca e aspra. Vado in questo piccoloangolo di acquitrini, selvaggio con prati sospinti e celi uggiosi, quando provo nostalgia per la mia vecchia casa di pianura in North Carolina. L’arte, il luogo e il sentimento coincidono. Si tratta del mio spirito e dello spirito del luogo.

Al momento sto lavorando su un test per un’opera più grande sulla luce e sulla poesia che sta prendendo forma sul terreno abbandonato accanto a noi. Il terreno è ricoperto di erbacce e erba morta e disseminato di sassi, lattine e cartacce. Ma per circa un’ora al giorno, quando l’erba è retroilluminata dal basso sole pomeridiano, l’erba alta riluce di un bagliore oro e argento, riempiendo il terreno di luce e oscurando l’immondizia. Sto lavorando su strati monostampa di organza per rappresentare i rifiuti oscurati che saranno poi ricoperti di punti luminosi e luccicanti. Lo vedo. Quanto a realizzarlo…

Non so mai se l’opera su cui sto lavorando sarà l’ultima di una serie o la prima di un’altra.[/vc_column_text][vc_gallery type=”nivo” interval=”10″ images=”15123,15125,15127,15129,15131″ img_size=”800×800″][vc_column_text]Improvvisazione, casualità, sperimentazione, studio, regole, design. Quale di questi aspetti ha un ruolo essenziale o prevalente nel processo di creazione?

Non ho regole – ho più che altro abitudini, alcune intenzionali, altre acquisite per caso, che custodisco.

Non utilizzo riferimenti tradizionali come il ricamo, il quilting o il thread painting. Sebbene il lavoro spesso incontri le definizioni tecniche di tali processi, le parole non arrivano a descrivere il modo in cui percepisco il mio lavoro.
Evito di usare un punto centrale. Il mio focus è di creare uno spazio aperto che si intenda continuare al di là delle dimensioni della cornice. Un punto centrale cattura l’attenzione verso l’interno e blocca il movimento dell’occhio e dell’immaginazione – i motivi si formano, si muovono e si disintegrano senza distrazioni. I paesaggi sono privi di oggetti e riducono il cielo ad essere solo un frammento di riferimento.
Tingo tutti i tessuti e i fili e uso tessuti commerciali solo come sfondo.
Non taglio mai i tessuti che appaiono sul davanti delle mie opere. Lacero i tessuti perché il bordo sfilacciato è più morbido e si fonde con un altro colore o forma meglio di un bordo tagliato. I tessuti li piego…
Uso solo tessuti in fibra naturale perché sono molto più ricettivi alle tecniche di rivestimento. E dato che maneggio i lavori fra le mani spesso per mesi, il contatto con il tessuto deve essere piacevole. Non voglio far diventare l’ago un’arma e dover combattere con la stoffa. E’ troppo duro per la psiche oltre che per le mani.

[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15137″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Black Marsh Solitude”, 2010, 28”x16”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15139″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Black Marsh Solitude”, detail, 2010, 28”x16”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]Tutte le mostre dell’artista sono elencate nella sezione About del sito web: https://www.carolynnelsonart.com[/vc_column_text][vc_gallery type=”nivo” interval=”10″ images=”15153,15155,15165,15167,15195,15171″ img_size=”800×800″][/vc_column][/vc_row]

Interview

“I make what I want to leave in this world”: textile art of Carolyn Nelson

29 October 201929 October 2019 Maria Rosaria Roseo

[vc_row][vc_column][vc_column_text]When, I few weeks ago, I contacted Carolyn Nelson asking her for an interview for ArteMorbida, she replied with a generous and at the same time calm enthusiasm, the same tranquil and honest passion that I see in her work, the lawns, the sun, the air we breathe by looking at them. Sometimes it happens that a simple email exchange is enough to establish a simple and gentle harmony that brings you closer even to those who are far away.

Instead of telling who Carolyn is, speaking of the great number of exhibitions she has participated in, the awards she has received, the works exhibited in galleries and museums (all information present in full on her website) I leave the floor to her, because no one better than the artist himself can explain the poetics behind the personal creative act.[/vc_column_text][vc_single_image image=”15176″ img_size=”800×800″ alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Fragment II: from a Love Story-detail”, 2009, 28”x26”, hand stitched, hand dyed silk collage, oil monoprint on silk, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][vc_column_text]“Random Thoughts”: the artist in her words

“I create what I want to see and the only way to see it is make it. And I make what I want to leave in this world. When I work, I think about light, spirit and energy. Color. Reflection. I think about air, wind and movement. Expanse. I think about flying.
I don’t have patience; I have grit. There are times when working is joyous and flows freely; there are times when it is tedious and a struggle. I cut out half my stitches, growl and start again. Forcing myself to work can be the hardest thing I do. But I don’t quit. After working through the hardships, the excitement always returns when something imagined finally begins to work, always changed, and is coming true”.

Below is the link to the artist’s website:

https://www.carolynnelsonart.com/

https://www.instagram.com/carolyn.nelson.stitches/[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15142″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Aurora”, 2011, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15144″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Aurora”, Detail, 2011, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]Carolyn, why is your choice of artist aimed precisely at textiles as an expressive medium? Can you tell us about the path that led you to become a textile artist?

I am an obsessive stitcher and chaser of light. I grew up in a small isolated town surrounded by flat farmland. The women in my family, by necessity, were skilled seamstresses. Needle, thread and fabric were familiar comforts in my hands from an early age and became a means of grounding myself as an adult. As a child, I longed to become an artist and painted my way through school. The bones of my art work there from my beginning, disconnected.

As an adult, I hovered around art, always on the edges of my professions—teaching art in public schools and universities and working as a print designer. Art and my love of textiles danced around each other for years without holding hands until I took a workshop in illustration and textiles. I began to create the way a painter might, thinking first of concepts and then ways to express them. I reveled the freedom of making my own marks with needle and thread and loved the meditation of both physical and visual repetition. Experimentation was exciting. I was happy, I was producing original work , but I had not found a consistent “voice” or vision.

And then one day, I was standing on the edge of a wheat field in rural France. I stood still, asked for nothing, thought of nothing. It came suddenly and unexpectedly—a joyous call that was both loud and gentle, in an unfamiliar place that was deeply familiar, a feeling intensely mysterious but that I clearly understood. It was everything and its opposite. I felt myself launch. I soared. I heard my voice. I saw my vision. I became an artist.

Years later, my work continues to involve aspects of that field in France, through pattern, repetition, detail, openness, expanse and unobstructed light.[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15146″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Blue House”, 2019, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15148″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Blue House”, Detail, 2019, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]What is the meaning for you of the “gesture of embroidery”, which plays an essential role in your works?

With the simplification of materials and compositions, I ramped up the density and patterns of my stitching. The stitch is fundamental to my work, in terms of both content and energy. Stitched marks are made by the physical gestures of my hand and the threads invariably reflect those gestures, wild or measured. I do not strive for a “perfect” stitch. I love the movement of the needle through the fabric, the fluid pull of the thread, the meditation of repetition and the collective individuality of multiple stitches that reveal or conceal the background as I go, one type of simple stitch per piece. This gives me freedom to create my personal marks and imagery rather than embroidery stitches that inherently present their own imagery. A mass of unruly French knots becomes a pattern of weeds, a field of water or the paths of stars. Incomplete spirals of running stitches interlock and overlap to create a veil or mist that unites and textures a fractured surface. According to their density, backstitches create undulating masses that hide or reveal the fabrics underneath. The backstitch is most natural to me physically and the kindest to my hands.[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15150″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Fernweh”, 2015, 36”x54, hand stitched, multiple layers of hand dyed silk over linen, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15152″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Fernweh”, Detail, 2015, 36”x54, hand stitched, multiple layers of hand dyed silk over linen, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]In a new work, do you start from the material, around which you develop the idea of the subject, or do you start from the subject and then choose techniques and materials?

I approach each piece as I would approach a painting, from the aspect of concept. Taking thousands of photographs and videos of movements, I rarely refer to them. The act of taking photos solidifies something I want to remember. I imagine first and then work my way into the piece by creating and manipulating materials. I plan and modify the color, pattern or texture. I tear, layer, discard, rearrange. And then I stitch, discovering my way into my art.

As I work at the slow pace of hand stitching on one piece, I have hours upon hours to consider deepening themes or altering techniques for my next work. Before I finish one piece, I usually have a clear idea of the next one. This is how my series begin.[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15162″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Breathing January”, 2018, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15164″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Breathing January”, detail, 2018, 24”x24”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]Can you talk about the materials you used to make your textile collages?

In the beginning, the “fields” were abstract and textural, sometimes made by repetition of bits and pieces of nature or objects I created for specific pieces. I made what I needed. Stitching was usually secondary to textured cloth. I gradually simplified my choice of materials to three fabrics that I modify through dying and surface techniques and one type of thread that I also dye and that easily slips through the four to six layers of cloth in each collage. Vision for my work is simple, choice of simple materials is in keeping with my images. (And of course, I don’t doubt that this will change one day.)[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15158″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Kintsugi/The Precious Scar”, 2017, 39”x17”, deconstructed stained linen strips, woven, ravelled and rearranged individual threads hand stitched to ground, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15160″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]The repetition of a mark, is an element that characterizes your works, for example Soliloquy I. In your opinion, what makes repetition so interesting and attractive, almost hypnotic?

Pattern has always fascinated me. Visually, it is my way of implying an expanse that goes beyond the frame rather than a space restricted or contained. I find security in regularity and repetition of pattern but I feel exhilaration when it rebels, breaks rank, moves outward and spreads into something new or unexpected. Pattern twinkles in a way that different shapes can’t.

I began “Soliloquy I” (named that because I felt as if I was talking to myself) with the expectation that it would be a very large grid with very tiny knots in a very regular pattern and thought that the scale would create interest. It took very little time to realize it was both painfully boring to look at and even more boring to produce. By varying the loops, density, spacing and direction of stitches, it became an adventure but still maintained the pattern aspects.[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15134″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Soliloquy I”, 2013, 40”x40”, hand stitched, hand dyed silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15136″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Soliloquy I”, 2013, 40”x40”, hand stitched, hand dyed silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]The works in the “Stitching Light” series convey a strong sense of energy and lightness. Admiring How the Light Gets In, it really seems to perceive the spring wind shaking the grass of the field. Can you tell us something about how the works in this series were born?

The series Stitching Light began four years ago with a work depicting a field of red grass. I discovered that as the directions of the luminous silk stitches changed, the reflections of light on the threads also changed as I walked around in their vicinity. The fields seem to shimmer. I have created 10 pieces working with that reflected light.

“How the Light Gets In” (Thank you, Leonard Cohen for the name.) is the most realistic piece I have ever done and among my favorites. Reflecting a particular place of great solace and great energy, it nourishes me in my new home in dry, rugged Colorado. I go to this small patch of wetlands, wild with blowing grasses and moody skies, when I am yearning for my longtime, flatland home in North Carolina. The art, the place and the feeling all coincide. It is about my spirit and the spirit of place.

I am currently working on a test for a larger piece about light and the poetry happening in the vacant lot next door. The land is covered with weeds and dead grass and littered with rock, cans and papers. But for about one hour each day, when the grass is backlit by low afternoon sun, the tall grass glows with a silver-gold sheen, filling the field with light and obscuring all the trash. I am working on monoprint layers of organza to represent the obscured trash that will be overrun with lustrous, shimmering stitches. I see it. Now to get there…

I never know if this will be the last in a series or the first in another.[/vc_column_text][vc_gallery type=”nivo” interval=”10″ images=”15124,15126,15128,15130,15132″ img_size=”800×800″][vc_column_text]Improvisation, randomness, experimentation, study, rules, design. Which of these aspects has an essential or prevailing role in the creation process?

I don’t have rules— I have habits, some intentional and some by chance that I hold on to.

–I don’t use traditional references like embroidery, quilting or thread painting. While work often meets the technical definitions of these processes, the words just don’t describe the way I feel about what I do.

–I avoid using a focal point. My focus is to create an expanse of space that is understood to continue outside the dimensions of the frame. A focal point draws attention inward and arrests the movement of the eye and the imagination — patterns form, move and disintegrate without distractions. Landscapes are stripped of objects and reduce the sky to only a sliver for reference .

–I dye all surface fabrics and threads and use commercial fabrics only as backings.

–I never cut fabrics that appear on the face of my work. I tear fabric because the frayed edge is softer and blends into another color or shape better than a cut edge. I bend fabric..

–I use only natural fiber textiles because they are more receptive to surface techniques. And because each work often in my hands for months, the feel of the fabric must be comfortable. I don’t want turn my needle into a weapon and fight my cloth. It is too hard on the psyche as well as the hands.[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15138″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Black Marsh Solitude”, 2010, 28”x16”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width=”1/2″][vc_single_image image=”15140″ img_size=”full” alignment=”center” onclick=”link_image”][vc_column_text]

“Black Marsh Solitude”, detail, 2010, 28”x16”, hand stitched, hand dyed overlay silk collage, copyright Carolyn Nelson

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_column_text]All the exhibition are listed in the About section of website: https://www.carolynnelsonart.com[/vc_column_text][vc_gallery type=”nivo” interval=”10″ images=”15154,15156,15166,15168,15196,15172″ img_size=”800×800″][/vc_column][/vc_row]